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你有什么音乐学习经历,分享这一路来你的心路历程,音乐学习心得

类别:爱之屋访问量:编辑:admin)日期:2016-10-22 00:21

对音乐的认识


摘要:对曲式分析和音乐分析以及对美声的学习收获是本论文的核心部分,本文突出一个非专业学生对音乐系统学习的心路历程与个人的感悟。另外,对音乐创作的见解是本文的一个创造性论点,希望论文能对在音乐创作尤其是对作曲有一定追求的人有所启迪。

关键词:曲式分析、美声唱法、音乐创作、作曲、音乐分析、音乐鉴赏、音乐学习、乐理、和声、对位、复调、声乐、视唱练耳、配器、音高

正文:对音乐的认识是随着成长不断加深的,在我过去的音乐学习道路上,我对自己对音乐的认识分为两个阶段:一是毫无认识的小学初中阶段,二是对音乐逐步实践到确定音乐在人生中不可或缺的重新定位。在经历了小学只知道跟着老师唱,到初中毫无认识,再经历手机信息时代的冲击,对音乐的大量涉取,逐步对于音乐的广度有了认识。真正对音乐的认识是在高中时代,对音乐素材的积累急剧暴涨,如果要寻求深层次原因,当属于集成电路带来的信息革命。可以说,集成电路带来了21世纪最具影响力的变化,世界突然变小,音乐自然也变小了。过去,你想要系统了解音乐,姑且只有一条途径,拜名师,学贯中西,多半还需留学西洋,这些可以从洗星海、聂耳、王洛宾等中国音乐家的历史中分析得出,但信息时代的到来改变了音乐的世界,过去,音乐是专业性质非常高的,当然,这不仅仅限于音乐,其他很多技术性行业也不例外,我要论证的一个观点是:信息时代的到来改变了音乐的学习道路,音乐将逐步沦为人类一个重要的精神乐园。现在,音乐入门越来越低,我们可以随处看到《中国好声音》、《中国梦之声》、《快乐女生》等等。可以说,音乐已经在信息的急剧暴涨的作用下迅速走向平民、草根化,但我们知道,向历史推进越远,音乐的阶级性越强,在近现代之前,音乐是属于上层人的,普通老百姓是不敢对之有所幻想的,也就是说,时间越往古老推移,音乐的身份性越强,又特别是在宫廷中,音乐是属于统治阶级的,但时代是进步的,音乐的世界也一样,音乐永远是时代的反映,作为一种艺术,音乐记录了历史,音乐在时代的进步中,不断扩充其客户,这是必然的趋势。那么,音乐的平民化、草根化是不是说不需要专业的音乐学习者了呢?很显然,专业是永远不会落伍的,专业者理应得到尊重,草根化是世界的进步,是必然的趋势,未来,音乐只会走向包容,而专业,是音乐的核心,是行业的核心。

说这么多,回归到我对音乐的认识,简单讲,就是信息时代带来了音乐,为我系统学习音乐打开了一扇窗,这扇窗越来越明亮,信息革命一方面也给人带来困扰,因为这意味着知识的冰山一角,另一方面,它让人失控,所以,到后来,我越来越茫然。我们知道,音乐是耳朵的艺术,那么,听音乐就是在练习耳朵,当然,非专业者的这种练习是零基础的。当一个人听得多了,为什么对音乐就自然产生了认识?从科学的角度讲,音乐是频率的变化与耳膜振动的结果,音乐之所以为音乐,是因为其规律性与结构性,音乐的产生是规律与结构的统一与融合。那么,听音乐的过程是什么?音乐的属性或者要素我主张大致分为:音高、音长、节奏(当然,理论上来说还有曲式、和声、音色、音强、调式、织体等)我们的大脑在逐日的重复中对频率的起伏、音长的感受、节奏的反应已慢慢变为一种重复性的结果,科学表明,当一样东西重复多次后,大脑会对其产生后天刺激性的反应,而如果一个人想要对其进行分析时,无疑就对其三要素进行分解,然后,慢慢的,对配器、和声的认识越来越深,又特别是对音高的认识越来越深,我不知道这样说对不对,或许,音乐真是需要天赋的,对音高的听辨能力是评判专业与非专业的最好界线,我们知道,所有音乐院校对“视唱练耳”的重视,其本源就在于此,音乐说到底最重要最有专业性的还是音高,也就是频率,物理特性有规律的出现时就会产生艺术,这一点,是我多年来不断格物致知的结果与认识。回归到非专业上讲,人有五官,眼、鼻、嘴、耳、眉。眼对应的是视觉艺术,如电影等,鼻对应的是嗅觉艺术,如美食等,嘴对应的语言艺术,如演讲等,耳对应的是听觉艺术,如音乐等,但至今我还没认识到眉有什么作用,或许,从这方面讲,眉不应该列为五官。我们对五官认识最深的是眼和耳,眼睛被人类视为心灵的窗户,这很容易理解,眼睛的霸主地位,犹如春秋五霸,五霸之中永远只有一位霸主。耳是定位与感知振动的核心动力,而音乐的出现才真正奠定了耳朵的地位,可以毫不夸张的讲,音乐稳定了其地位。

谈完科学认识音乐,再回到我的认知历程,对音乐的广泛涉取很快让我有了大量音乐素材,加上我本身很擅长资源的收集整理,对音乐的认识与对音乐分析的实践在对素材的收集上有了进一步提升,所以,得感谢我的系统哲学观,当我对世界的好奇转到音乐上时,这种兴趣就爆炸性上涨,我对音乐的学习已远不是听而已了。

然后,我开始尝试创作音乐,高中时代,我写下了我人生中第一首歌,有了第一次,一切都那么自然,然后,我拥有课间十分钟创作一首歌的能力,第一首课间十分钟歌曲还不错,曾经有人让我教唱,这多少对我后来的创作有了进一步的推动,也让我越来越自信,但后来,我发现,这一切都是不成熟的表现,这要从大学之后对音乐的认识达到一定高度之后了,且听下面讲来。

上大学后,图书馆与当当网的两大核心资源迅速帮助我对音乐的认识达到一个高峰,还记得在北漂时在中国图书馆待过几次,在里面翻阅了大量的音乐书籍,而本校的音乐图书资源发现比较晚,所以重点是通过当当网获取的专业书籍。在这期间,又特别是网络音乐视频的学习很快让我对音乐有了新的认识,这让我产生前所未有恐惧,要知道,我是学电子信息的,也就是IT业,在电子技术领域也算是最专业的一个群体,但同时也是需要花费极长时间的专业之一,所以我没有太多时间,我从网络中迅速得到关于音乐创作的经典资料,在经过寒假迅速看完,加上对我帮助非常大的包括《宋大叔教音乐》、《宋大叔教音乐三单元进阶版》、《邓梅视唱练耳》、《金铁霖声乐教程》、《林文信12小时学会流行键盘基础教程》、《林文信24小时学好爵士钢琴教程》、《品艺襄樊架子鼓》、《吉他自学三月通》等等视频的学习,还有一些非常好的视频资料,比如周小燕的声乐教学,这些都是学习音乐的经典视频,我系统的整理出来进行了学习,然后,我看完了《曲式分析基础教程》、《吉他自学三月通》、《嗓音训练手册》、《作曲基本原理》,当然,我印象最深的是李重光的《音乐理论基础》,李重光的这本书籍是音乐入门的经典教程,这本书让我真正对音乐的世界从陌生走向熟悉,当然,我是打算要学习和声、复调、对位、配器的,但限于现阶段的理论水平还一直没有深入,而声乐,还得依靠老师,所以,我这学期选修了雷晓兰老师的声乐课,声乐课的学习以美声唱法为主,胸腹式呼吸的科学发声让我对美声有了很深的认识,美声的魅力感染了我,以至于我后来补充了大量的美声唱法的素材学习与分析,对美声的大家廖昌永、戴玉强、刘和刚、莫华伦、迪迪拜尔、帕瓦罗蒂等等有了新的认识,美声的高亢嘹亮以及声音的穿透力让我肃然起敬,简单的说美声就像一个音响,可以在人群中自由穿梭,对腰腹支撑的科学性认识是美声的一大亮点,又尤其是意大利式元音的音乐性在美声中得到最好的发挥,可以说,这些都只是美声的冰山一角,总之,这学期对声乐的学习让我对美声产生了无比浓烈的兴趣,美声是区分专业与非专业的另一条界线。我们知道,音乐学习的几大核心是:视唱练耳、声乐、和声、曲式分析、对位、配器、乐理,前面我还有一个东西没讲,我没讲我对学习视唱练耳的认识,视唱练耳是很难自学的,这是非专业学生的一个学习瓶颈(另外声乐与和声、配器都很难自学),音乐院校的学生视唱练耳几乎每节课都会练习的,我曾经去蹭过音乐院系的视唱练耳课,加上网上视频教程的简单学习,让我对视唱练耳很头痛,视唱练耳是长期坚持的过程,最好要天天练,在宋大叔教音乐教学中,他特别强调了视唱练耳的重要性,但事实上,视唱比练耳简单多了,练耳才是核心,音乐院系一般是靠老师弹钢琴来练习,而练习视唱练耳不过几种方法,一是音程听辨,二是和弦听辨,三是音阶听辨,四是节奏听辨,五是旋律听辨,当然我们这里不说复调练习,当多个旋律同时进行的复调练习是进阶阶段需要考虑的,这里不多说。既然没有老师教,那怎么办,后来,我开始寻求软件学习,然后我找到了视唱练耳的最好软件“练耳大师”也就是Ear master,这是电脑软件练习,然后,安卓上最好的专业软件有:随身乐队(完美乐队的升级版,但这两个版本现在需要辅助用)、大谱表校音器、Perfect Ear Pro、my ear、sight read、real guitar、guitar tuner、gstings、最好的节拍器、Real drum这里只推荐这些软件,其中,我最喜欢的安卓音乐软件是随声乐队,其功能强大到无法想象,而音高校准软件是调音高很好的工具,其中也有视唱练耳的软件,这三大类型都不错。有了这些音乐软件的帮助,对视唱练耳的学习难度急剧下降,当然,视唱练耳无论怎么说都是需要坚持的,而且需要科学的练习方法,对此,读者应该会有认识。对我来说,音乐学习的核心是视唱练耳和曲式(因为我注重作曲,所以注重曲式,当然不同的学习者根据自己的定位自己选择,每个人的侧重点会有所不同)对音乐的重要认识其实不是这些,我在创作的初期就认识到了这个问题——“音乐创作的寿命与音乐理论基础学习有着正比关系”,这个重要的认识改变了我很多,不仅给我指明了正确的方向,也让我明白了系统性的音乐学习的重要性和必要性。我分析了很多创作型歌手的区别,这里为了说明问题,就取其中一个案例进行简要分析,汪峰和郑钧,这是一个典型案例,我们知道,郑钧是一个半路杀出来的非学院派的典型代表之一,他也写过几首好歌,《灰姑娘》、《回到拉萨》是其代表作,但是,他的音乐寿命极短,在创作了几首作品之后,貌似江郎才尽,止步不前了,汪峰是学院派的代表之一,虽然他早年不得志,虽然很早就写出了《美丽世界的孤儿》、《花火》、《飞得更高》、《你是我心爱的姑娘》、《等待》、《怒放的生命》等等优秀的作品,并且广为传唱,但是,他的才气和他的名气好像有点断裂,就像1998年写的《等待》这首歌的出卖一样,这是对一个创作者的打击与埋没,汪峰真正开始走向公众眼球还是因为草根文化,在旭日阳刚演绎《春天里》走红之后,汪峰才走出了专业音乐圈子,当然,在业内他的才华一直被认可,需要靠草根才能走红也许对音乐创作者是一种打击,里面或许也有一些无奈,还有很多真正有才华的人会被埋没,而像周杰伦这种音乐鬼才,也是在经历了现实的冷落之后,幸运的遇到了伯乐才走进了公众的视线的,而那些没周杰伦幸运的人,谁又会在乎他们的存在?在浮躁的音乐市场中,很多对音乐毫无贡献的人坐享其成,让人唏嘘不已,后来,汪峰又写下了《存在》、《北京,北京》,他的优秀创作没有停止,他的音乐创作还在继续,汪峰、周杰伦是典型的高产量创作型歌手,两人从小就接受良好的音乐教育,有很好的音乐理论基础,对比一下郑钧、汪峰、周杰伦,可以很明显的得出上面的结论。除了得到这个重要结论之外,我从一开始喜欢音乐,就是因为喜欢创作,或许这就是我的宿命,我以为,作曲是音乐的母亲,没有作曲,音乐的世界无从谈起,即使是编曲/配器,也要在作曲家写完曲谱之后才能进行,虽然就音乐的专业性而言配器更加强调专业素养。音乐的世界是作曲家们一手构造出来的,认识到了这个问题,很自然的,作曲和配器成为了我音乐的终极追求,“业余作曲”也成了我新的定位,只可惜Cubase一直没什么时间深入学习,由于各种限制,也使得编曲成了我最难度过的一关,我知道,在这条路上,还有很多挑战等着我,我会继续。到此,我不仅确立了最核心的音乐学习定位问题,还得出了音乐创作寿命与音乐理论基础成正比的结论,并将作曲和编曲设为一生的终极追求,我坚信,音乐是我生命中不可或缺一部分,坚持创作,坚持音乐理论基础的系统性学习,时间会改变一切,我相信,终有一天,我可以笑着面对曾经。

比较系统性的学习后,我为什么会恐惧呢?我发现,音乐太大,而我又太小,我感觉自己永远只能是音乐世界可有可无的一粒尘埃,音乐就像一个世界,浩瀚宇宙,让人恐惧,当我认知到音乐世界无穷无尽后,我再也无法抑制住内心的恐惧和无助。恐惧的哲学根源是未知与失控,这一路走来,音乐给我的感受就是:当你渴望进入一个世界,艰难的进入后,你发现你进入了一个更大的世界,对这个世界,你一无所知,就像一个黑洞,进得去,出不来。

后来,我慢慢克服了对音乐的这种恐惧,转而回归创作,把握现在,追随内心。

至此,我简单的写完了这一路走来的经历和这一路来对音乐的认识,希望对那些非专业而又热衷于创作的人有所激励、帮助和启迪。

参考文献:

《曲式分析基础教程》·高为杰·高等教育出版社

《吉他自学三月通》·刘传·蓝天出版社

《嗓音训练手册》·(美)奥尔德森·李维渤译·中央音乐学院出版社

《音乐理论基础》·李重光·人民音乐出版社

《作曲基本原理》·(奥)阿诺德·勋伯格·吴佩华译·上海音乐学院出版社



——以上,是我截止到大二上学期的认识,上面这篇文章摘录于大二上选修美声课的期末考试论文




后来,我完成了下面的工作见下一小节:音乐学院作曲系的作曲核心教程学习了西方音乐通史,把作曲系的四大件统统学了个遍,然后买了人生第一把吉他,有了第一个乐器,现在的目标就是马丁M36和马丁OM42以及泰勒GS MINI旅行吉他,我是大三才意识到自己需要一个乐器的,有了吉他后,我展开了新一轮的创作。

图1:OM42

图2:M36

吉他给我带来了很大的帮助,很快,我的创作成熟了起来,开始尝试写各种风格的音乐,慢慢的,我听古典越来越多,音乐分析和鉴赏能力不断提高,对音乐也有了很多新的认识。现在,回过头去看上面这篇大二写的文章,发现很多认识有一些问题,但没关系,那就是过去真实的自己,没有过去的我,就没有现在更好的自己,只要不断向前,不断改变自己,向着更好的自己冲刺,即使犯错,我也没办法讨厌那样的自己;只要是在追逐作曲的路上,即使看到过去那些极其幼稚的文字,也一样很开心,因为它记录了我的成长,记录了一点一滴的时间积累带给我的变化,时间不会骗人,我相信时间的力量,所以,我也不打算修改过去文章的一丝一毫。后来就更加顺畅了,我掌握了万里挑一的资源收集能力,可以肯定的说,在中国找不出超过10000的人可以和我比资源收集能力,源于此,我拥有了方方面面感兴趣的资源,电影(我是影迷,大概600部经典优质电影400部爱不起来的电影,低于7分的电影除非特殊情况不会考虑,哈哈哈哈),音乐,美剧,纪录片,足球,舞蹈,演讲,娱乐,魔术,美食烹饪,学习,名家珍藏······太多了,但最爱唯音乐,我过去都只听有损音乐,直到什么时候我开始明白无损的重要性?那是偶然的机会,大三下学期刚开学不久,我耳机坏了!我一直使用森海的产品,但都是低端平头塞,从一开始的MX80到后来MX365,还有一次尝试升级了一个PC230头戴压耳式耳机,MX80被朋友抢了,之后我才买的MX365,对于我这种每天八小时戴耳机的人来说,没有耳机肯定不行,就升级到了森海HD439,这是我第一个好耳机,即便现在,考虑手机直推头戴式耳机,我还会时常用到它,虽然不再是主力,但至少不会觉得刺耳。因为这个耳机,接触到了煲机这个词,间接性的接触到了无损音乐,但那个时候并没有听无损,继续有损音乐,什么都没折腾,没有继续,就这样止步了,直到大四上学期,才有了继续的痕迹,那个时候,我经常会翻看淘宝上的吉他,还有钢琴,还有耳机,钢琴一直是我最想学的乐器,胜过吉他,但是现在自己还没有条件,不仅仅是钱的问题,还有诸如钢琴的移动性问题,都是无法逃避的,关于钢琴,我下一个目标已经定好——二手雅马哈G3三角钢琴,我打算让它陪我一辈子!

图3:雅马哈G3

说到我和耳机的宿命,真的要感谢森海和拜亚,我最开始是最喜欢森海的(后来我彻底迷上了拜亚),有一天我翻看森海的旗舰店,发现了好多几千上万的耳机,我一下子惊呆了!真的,我真的惊呆了!然后我淘宝首页就直接搜耳机,按照价格从高到低,尼玛,那一刻,颠覆三观,我感觉自己就像井里的一只青蛙,知道汽车有兰博基尼,知道北京一套房就可以搞到1000万,但当我看到一个耳机可以卖到几万的时候,我难以相信自己的眼睛,因为,这个价格,已经足以买到一个很好的钢琴,极好的吉他。在我很小很小的时候,我以为钢琴很贵很贵,后来发现,4万左右就可以入手一架二手专业钢琴,我发现钢琴再也不是什么遥不可及的梦。我是在接触了tommy emmanuel后才真正爱上吉他的,也是因为他,我喜欢上了吉他这门乐器。

图4:tommy emmanuel

弹琴后才知道不同级别的琴差距到底有多大,再到后来,知道了马丁泰勒,于是有了我下一个目标马丁M36和下下个目标马丁OM42。马丁M36代购大概需要16000的样子,OM42大概是30000,雅马哈G3三角钢琴二手大概是34000,这一切,都在我的计划之中。说回耳机,我感觉耳机和我好像生来就有一种宿命般的联系,因为经常在淘宝、贴吧、论坛关注乐器和耳机,我走上了耳机发烧道路,现在问我一个确定的时刻,我也无法得知,我相信,这都是一步一步积累过来的,不是一下子就跳变到今天的,对音乐的喜爱,对音乐相关事物的持续关注,随着时间的推移,才有了这一天。那时候,我疯狂的阅读耳机大家坛上的文章,看他们撕逼和讨论,里面专业大牛和初烧都有,慢慢的学会了分辨,也慢慢的确立了正确的听音观,于是暗下决定一定要拿下森海HD650和拜亚DT880,那个时候我为了感受一步一步升级的快感,在双十一不仅买了这两个梦寐以求的大耳,还买了森海的PX200II以及AKG的K450,PX200II后来送给了一个好兄弟,K450简直没法听,直接退了,不仅如此,双十一我还买了一个K420专门送人,因为价格真的太公道了。就这样,我的双十一完成了人生最华丽的一篇,再也不仅仅限于美食了(此处想笑一千遍)。不久后,我入了AKG K550,讲真,我还是非常喜欢这个耳机的,音质很好,那个时候也是脑门热了,以为戴着它图书馆看书不会漏音,实践证明,你打扰到人家看书啦!很快,我就放弃了,后来,忍痛割爱,我把这个耳机送给了我喜欢的一个女生,再后来,不了了之了。

有了大耳后,就必然会了解到耳机系统这个东西,各种学习,各种加班熬夜阅读相关文章,各种和别人交流沟通,进步非常快,当然,时间最多的还是泡在论坛。直到有一天,我升级了森海HD650线材,把原厂的线改为了单晶铜合金线,并因此认识了一位发烧30多年的老烧,毫无疑问,我们成为了朋友,我们都喜欢音乐,关键他智商确实高得离谱(我喜欢高智商的人,哈哈哈哈),第一次感觉自己在发烧路上运气爆棚。有了他,我发烧路上,几乎就没走过任何弯路!他有非常正确的听音观,有很好的音乐欣赏能力,特别对耳机、音响、线材这一块,简直就是一部百科全书!无所不知,不所不晓。讲真,一开始我其实没有这么大的期待,但后来,他一天一天的刷新我对他的认识,后来,我彻底被他折服了(也不多,给一个富二代做了三套音响系统,1000万而已)。我们从一开始只聊音乐,到后来无所不聊,因为音乐,我们成了很好的朋友(话说,他的宝贝女儿真的很漂亮!)。我用了大概半年的时间,把我的耳机系统,音响系统搞了起来,各种线材升级,各种学习,各种实践。

另外,不得不提的是,因为我们是电子专业的,我有一个同学,他大一开始发烧,大二就上网学习查资料DIY了一个拜亚动力A1耳放,当时他只是考虑到官方价格太贵,所以花了800不到的成本就搞定了这个耳放(他只是做来推自己的拜亚DT880),后来他发帖,很火很火,有人要买他的耳放,他抽空也做了几个来卖,渐渐地改进了很多东西,做工也成熟了一些,我是在发烧后才知道他也是耳机发烧友的,很快我们就经常一起听音乐,一起探讨耳机系统的问题,很自然的,我让他给我做了一个拜亚A1耳放,这次用料也不像他第一次DIY那么省了,更多的考虑音质,完全复刻官方,以前我不知道买几十上百种元器件有多耗时费力,单是在淘宝上买元器件都花了我俩两天时间!

按照清单一个一个的来,考虑运费,有些元器件得自己去实体店购买,为此我是跑了不少五金店,有一次,我跑了五个小时!五个小时!什么都没买到!那一刻,我恨透了实体店!恨透了假大空的五金城!对,我就是淘宝死忠粉!因为,有很多东西,除了淘宝,你什么京东也好,苏宁也好,亚马逊也好,都是混蛋,没有!比如私人定制,淘宝可以针对你定制各种奇葩的东西,你有什么想法,淘宝人都给你想到了,对,这就是万能的淘宝,感觉像是打广告,那是因为,我曾经有几十次这样的经历,只有万能的淘宝能给我把问题解决了!可能很多人买的东西都很寻常,所以没有这种体会,但还有很多人,他们有各种小小的愿望和各种小众的需求,其它所有平台,都做不到,淘宝做到了,借这个机会,好好感谢一下淘宝,毕竟,没有淘宝,就没有今天的我啊。好了,言归正传。做这个耳放前前后后20天时间(我们做了三个,还有一个同学要了一个,另外一个作为备用),终于,开声了,可以享受音乐了。在拜亚A1耳放之前,我一直使用的是一款经典耳放——莱曼耳放,解码器使用的丁丁解码器,最开始的时候,差点被各种音频线弄成了脑残,但现在回过头来看,那个时候还是too young too simple啊,曾经多少的痛苦,都终将一笑了之。一切都没有结束,后来,在朋友的帮助下,我拥有了自己的第一台音响——惠威M1,对,传说中的惠威M1,它现在就在我电脑桌旁,我人生的第一台HIFI音响,另外,不得不说的是,这音响也是我朋友自己做的,所有升级线材全是我朋友一个人完成,然后我拥有了人生第一台胆机,换上了贵族之声WE274B整流管,两只KT88和两只EL34分别换着听(贵族之声300B不适合推M1这个箱子),驱动管使用的是美国天梭6SL7,稳压管使用的苏联电子管CГ-3C。

胆机架构很重要,只有胆机本身素质过硬,升级电子管的效果才会明显,但很多初烧无法判别这些专业性比较强的东西,要不是这样,我相信会有更多人爱上胆机(晶体管和电子管始终有差别,这确实是事实,我以前不信,但后来我信了)。胆机是在我拥有了一生的朋友——拜亚T1 II后才让我朋友给帮着搭建的,我是在了解学习了香港代购后选择了代购,经过了半个月的等待,看着made in germany,我再次对德国膜拜有加(我是德国制造忠实粉)。

因为我长期混迹于图书馆、自习室,考虑到听歌会打扰到人家看书(我喜欢头戴式耳机,漏音很难解决),就又花钱买了拜亚T70P,为什么不是T5P或者AKG K812呢?太贵了!K812是开放式,更不可能用来图书馆看书了。

结果怎样?T70P还是没能解决头戴封闭式耳机漏音的问题,能明显感觉到漏音啊!肯定会打扰到人家看书的啊!终于,我痛彻心扉,于是,下定决心,让我朋友给我做了一个入耳式耳塞,森海IE7,就这样,我人生第一个入耳式耳塞到手,只是后来也慢慢体会到了入耳式的伤痛(戴久了真的受不了啊,耳朵痛啊!换了各种耳套,木有用啊,痛就是痛啊,换最适合自己耳道的也痛啊!)。

就这样,以前只听MP3格式的我,对音源的要求越来越高,开始了Foobar之旅,古典也尽量考虑无损音源,以后还想升级解码器,如果有可能,我下一个耳放会是SPL Phonitor2 1280,下一个解码器会是飞利浦TDA1541,但现在,回过头看,已经不那么热衷于追求极致的耳机/音响系统了,现在停下来思考,发现,只有创作,才是我的宿命,其它的,应该告一段落了。建立这套耳机和音响系统给我的帮助很大,我开始大量的听古典,尽量使用无损,慢慢的,听得多了,分析得多了,音乐鉴赏能力也提高了。还是得益于资源收集的能力,我建立了一个一生也听不完的无损音乐库,涵盖了各种音乐风格,包揽了各种音乐体裁。于是我开始慢慢尝试创作钢琴曲,小提琴协奏曲,吉他曲,也在筹划未来完成一首交响曲,当然,流行音乐一直在写,也越来越成熟。现在,各种音乐我都会去尝试,这大概就是这一路走来我的变化。前不久,我迷上了电影原声大碟,以往,我看电影的时候,并没有把音乐作为主体来分析,偶尔觉得配乐非常精彩,也仅仅停留在看电影期间,随着时间的推移,对电影的配乐越来越关注,听原声大碟的时间也越来越多,然后因为接触了知乎,对电影配乐大师有了一个系统性的了解,感兴趣的可以看看知乎这篇文章:有哪些著名的电影配乐大师? - 音乐 之后,我系统的收集了John Williams,Hans Zimmer,James Horner,Ennio Morricone,Thomas Newman,John Barry,Danny Elfman······电影配乐大师的原声大碟,说实话,收集整理音乐资源真的是一件非常痛苦的事,每年大概都会花几次时间来进行曲库的升级和更新,每一次都会花费很长的时间,其实也不能算很长,比如一两天,但是这一两天大脑高速运转,整个人处于异常痛苦绝望的状态,当我系统性的收集整理结束的那一刻,看着自己的愿望达成,又是那么的幸福,随着自己乐库的扩充和升级,慢慢的意识到,可能以后花在上面的时间会越来越少,因为现在的乐库已经非常成熟,相信以后也不会有太大的变化了,当我回过头去看过去那些煎熬的收集整理工作时,又一次一笑了之了,感谢过去那么拼命的自己啊!生命不止,奋斗不息,梦中之地,我必追随,一切都还没有结束,一切都还在继续进行······在音乐这条道路上,渐行渐远,不断学习,不断进步,向着更好的自己,一路飞驰,继续前行······对作曲的追求远没有结束,既然选择了音乐,那就将创作进行到底······好了,现在,我终于可以停笔,看书,享受音乐······

图5:John Williams

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  • 小海cosea的电影原声大碟推荐单

推荐小海在豆瓣上标记的原声大碟(少部分不是电影原声专辑,豆瓣上我基本只标记电影原声大碟,但有时候突然看到自己听过的好专辑,还是会标记),大多都是按照推荐和评价标记的,很多原声专辑还没来得及听,也无法给出一个好坏的判断,不过,虽然自己没听过,但那么多人推荐,评价又很高,再根据自己看过的电影可以初步判断,应该都是一些不错的经典原声专辑,当然,最后整理出来的这个标记单我自己感觉还不错,很是喜欢(毕竟耗时很长,当晚我熬夜标记这些电影原声,强忍着睡意,一直到凌晨五点半!),主观来看,我相信这个标记单基本系统性的收录了过去的优秀经典原声大碟(如果能使用爬虫程序抓取原声大碟的数据信息就更好了,但貌似豆瓣没有这个分类,该死的豆瓣不提供这个功能!现在已经标记的有587张专辑,大多都是电影原声大碟,以后看到好电影,觉得很好的电影原声我应该会不断更新这个标记单),好了,推荐给喜欢电影原声大碟的你们,去标记你喜欢的吧:豆瓣上小海cosea收集标记的电影原声大碟

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音乐学院作曲系的作曲核心教程



前言:作曲系的课程设置是先和声,再复调,后配器,最后曲式分析,作曲系本科五年制,作曲四大件就是这四样,这四件平均用时一年半来学习。关于教程,下面列举了全都是可以读的经典教程,但选择范围有点大,最后确定作曲系核心教程的推荐分别是:音乐理论基础·李重光·人民音乐出版社、和声学教程·斯波索宾·人民音乐出版社、曲式与作品分析·吴祖强·人民音乐出版社、复调音乐写作基础教程(修订版)· 陈铭志·人民音乐出版社、配器法教程(第3版)(套装上下册) 塞缪尔·阿德勒·中央音乐学院出版社。这是最重要的五个类型,是核心教程。另外,音乐史方面推荐:西方音乐通史·于润洋·上海音乐出版社,声乐推荐:金铁霖声乐教学艺术·金铁霖、邹爱舒·人民音乐出版社,旋律写作推荐:旋律写作教程·沙汉昆·厦门大学出版社,视唱练耳推荐:单声部视唱教程·上海音乐出版社,听耳推荐使用软件:Earmaster Pro,其它方面还要推荐一本:音乐风格的艺术原则·谢·斯克列勃科夫、 陈复君·中央音乐学院出版社,总之看得越多对音乐素养提高没有坏处。必须提到的是,作曲四大件中,除了那四本之外,如果需要,强烈推荐的有,和声方面推荐:和声学教程·桑桐·人民音乐出版社,更系统更高层次的曲式分析推荐:曲式与作品分析·茅原·人民音乐出版社、音乐的分析与创作(上下)(修订版) 杨儒怀 人民音乐出版社,复调方面这里列的基本都很好,每个音乐学院的选择都不一样:复调音乐教程(音乐卷)· 于苏贤·上海音乐出版社、复调音乐教程·林华、 叶思敏·高等教育出版社、复调音乐(上)·段平泰·人民音乐出版社、复调音乐教程(下)·段平泰·中央音乐学院出版社,配器方面各音乐学院也不相同,这几本都不错:管弦乐配器教程·杨立青·上海音乐出版社、管弦乐配器法教程·戴宏威·中央音乐学院出版社、管弦乐配器法·施永康·上海音乐出版社、交响配器法(第一、第二卷)·(苏)C?瓦西连科著,金文达译(第一卷)张洪模译(第二卷)·人民音乐出版社。还有就是作曲至少要学会一样乐器,如果有条件,最好是掌握钢琴,没条件,当然推荐吉他,最后留一句共勉:作曲很苦,但苦中有更高层次的精神追求,一旦决定踏上就不要回头,作曲是是一辈子的事,不要急于求成,不要想着一步登天,慢慢积累,希望所有真正的纯作曲狂热爱好者最终都能达成心愿。


基础乐理

音乐理论基础·李重光·人民音乐出版社

和声

和声学教程·斯波索宾·人民音乐出版社

和声学教程·桑桐·人民音乐出版社

勋伯格和声学·阿诺德·勋伯格·上海音乐出版社

二十世纪音乐的和声技法·基泽勒·上海音乐学院出版社

调性和声及20世纪音乐概述(第6版)斯蒂凡·库斯特卡、多萝茜·佩恩、杜晓十译 人民音乐出版社

二十世纪和声学:原创样式与应用 文森特·佩尔西凯蒂 黄大同、杜亚雄译 上海音乐出版社

和声学教程 尤·尼·霍洛波夫、罗秉康、 高燕生译 人民音乐出版社

无调性音乐的结构·艾伦·福特、 罗忠镕译· 上海音乐出版社

传统和声学简明教程(上)· 兴德米特、 罗忠镕译·人民音乐出版社

传统和声学简明教程(下) ·兴德米特、 罗忠镕译·人民音乐出版社

音乐分析(曲式)

曲式分析基础教程·高为杰·高等教育出版社

勋伯格·作曲基本原理·上海音乐出版社

曲式与作品分析·吴祖强·人民音乐出版社

曲式与作品分析·茅原·人民音乐出版社

音乐技法综合分析教程:作曲技术理论综合课程 姚恒璐 高等教育出版社

音乐的分析与创作(上下)(修订版) 杨儒怀 人民音乐出版社

中国音乐结构分析概论 李吉提 中央音乐学院出版社

曲式与作品分析(附赠光盘1张) 李吉提 中央民族大学出版社

音乐作品分析教程:音乐卷 钱仁康、 钱亦平 上海音乐出版社

曲式与作品分析课程谱例集1(公共课) 中央音乐学院作品分析教研室 中央音乐学院出版社

曲式与作品分析课程谱例集2(公共课) 中央音乐学院作品分析考研室 中央音乐学院出版

曲式与作品分析课程谱例集(公共课3) 中央音乐学院作品分析教研室 中央音乐学院出版社

新音乐作品分析教程 彭志敏 湖南文艺出版社

首届全国音乐分析学学术研讨会学术论文集(套装上下册) 贾达群 上海音乐学院出版社

结构诗学:关于音乐结构若干问题的讨论 贾达群 上海音乐学院出版社

音乐分析法·克列门斯·库恩(Clemens Kuhn)、 钱泥译·上海音乐出版社

器乐曲式学·魏纳·莱奥、 张瑞译·人民音乐出版社

作曲技法(第1卷) ·保罗·欣德米特、 罗忠镕译·上海音乐出版社

作曲技法(第2卷)· 保罗·欣德米特、 罗忠镕译·上海音乐出版社

复调

复调音乐写作基础教程(修订版) 陈铭志 人民音乐出版社

复调音乐教程(音乐卷) 于苏贤 上海音乐出版社

复调音乐(上)·段平泰·人民音乐出版社

复调音乐教程(下)·段平泰·中央音乐学院出版社

复调音乐基础教程 赵德义、 刘永平 人民音乐出版社

复调音乐教程(附光盘1张) 林华、 叶思敏 高等教育出版社

对位法复调音乐教程 孙云鹰 高等教育出版社

复调音乐分析教程 张韵璇 上海音乐出版社

赋格分析教程 E.普荣特(Ebenezer Prout) 上海音乐出版社

复对位与卡农 查尔斯·赫尔特·凯森、 陈田鹤 中央音乐学院出版社

赋格写作教程 E.普劳特、 段平泰 上海音乐出版社

对位法(第1册):分类对位法 杨勇 湖南文艺出版社

对位与赋格教程·(法)泰奥多尔?杜布瓦著,廖宝生译·人民音乐出版社

复调音乐·(苏)斯克列勃科夫著,吴佩华、丰陈宝译·人民音乐出版社

对位法概要·(法)柯克兰著,肖淑娴译·人民音乐出版社

配器

配器法教程(第3版)(套装上下册) 塞缪尔·阿德勒(Samuel Adler)、 叶小纲 中央音乐学院出版社

管弦乐配器教程(套装上中下册)(附MP3光盘3张) 杨立青 上海音乐出版社

管弦乐配器法教程 戴宏威、 中央音乐学院作曲系配器教研室 中央音乐学院出版社

管弦乐配器法 施永康 上海音乐出版社

交响配器法(第一、第二卷)(苏)C?瓦西连科著,金文达译(第一卷)张洪模译(第二卷) 人民音乐出版社

声乐

金铁霖声乐教学艺术·金铁霖、邹爱舒·人民音乐出版社

嗓音训练手册·(美)奥尔德森·中央音乐学院出版社

视唱练耳

单声部视唱教程·上海音乐出版社

音乐史

西方音乐通史·于润洋·上海音乐出版社


一场新的思考


看了知乎李春如事件后,突然到了不得不写这篇文章的时候了,起因是手贱翻看了各种大神对流行音乐和古典乐的看法,之后思考了一个吃饭的时间,来回路上翻云覆雨般的思索,然后折射出了各种思考,于是有如下感悟。

首先,要再次说艺术的问题。

艺术是什么?在过去我还从未认真思考过这个问题,潜意识即便是思考过,也从未如此清晰。

维基百科定义:艺术到今天依旧没有公认的定义,艺术是人类精神的升华,也是生命内涵的养分。目前广义的艺术乃由所有具有智能思考能力的动物,以透由各种形式及工具借以表达其情感与意识型态,所产生其型态泛称之为艺术。

百度百科定义:艺术,是才艺和技术的统称,词义很广,后慢慢加入各种优质思想而演化成一种对美,思想,境界的术语。艺术是用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态,包括文学、书法、绘画、摄影、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺、电子游戏(第九艺术)等。

翻看所有艺术的定义,不以为然。

由于艺术二字,产生了很多从事艺术行业并因此从内而外透着歧视的人,因此,我是极度厌恶艺术这个词的。不说全部,不能以偏概全,但这种从事艺术行业的大有人在,动辄就是“你知道什么,这叫艺术!”“不干艺术的人不知道,这世界真的有比金钱名气更值得追求的东西”“在艺术家眼里,你就是狗屎”“我做的事情和别人不一样,我做的是艺术!”······诸如此类,不胜枚举。经济基础决定上层建筑,经济都没有,生存都谈不上,何来艺术?艺术的前提是这个人还活着,这个人还有思想意识,我并不相信任何不论经济的胡说八道,生活可以尽情的施展善意的谎言,但严肃的学术研究不可以。那么,我最新的认识是什么?把艺术当作歧视的源泉的人,如何解释?我以为,那就是人类以其“自私自利的基因”衍生出来的一种幻觉。这个幻觉并不重要,重要的是它是为完成人类人性中自私自利服务的。它的本质是在于“利己”,以人的一生来看,人的行为是以“自私自利”为原则的,而艺术这个词掩盖了这样的真相,艺术这个词本是可有可无的,争论自己从事行业的艺术性的高低只是一种“自私自利基因的幻觉”,本质是“利己”,来源于人类无法逃避的自私的基因。

如何解释现实中无法逃避的问题?流行音乐与古典音乐到底怎么来看待?

首先,音乐是声音的艺术,是时间的艺术。音乐的本质在于物体的震动,又不仅仅是简单的物体振动。鉴于此,很多人探讨的歌词问题,可以肯定的回答,歌词不是音乐的一部分,歌词是非音乐的一部分,不仅如此,歌词还是破坏音乐的一部分,它改变了音乐的载体。而另一个核心问题——如何看待流行音乐和古典音乐?首先,很久之前我就写过相关论文,流行音乐与古典音乐完全无冲突,即使它们有很大的不同,但本质上,它们都是音乐。流行音乐是时代发展的必然趋势,凝结于事物的时间和创造力、思想意识等等可能不同,但不能否认它们都有存在的价值,这符合历史发展观,固然所有东西都有层次之分,但并不代表不同层次的人需要以歧视的方式来处理这个问题,不支持这世界所有形式的歧视是每个人最低的底线。有些人只喜欢流行音乐,有些人只喜欢古典音乐,有些人都喜欢,还有人什么都不在乎,但并不能否认每个人存在的价值,喜欢追求什么不能作为歧视的源泉,物以类聚人以群分,应该各走各的道路,而不是产生歧视和攻击。一个人喜欢什么,对另一个并不在乎你喜欢什么的人来说并不重要,也说明不了任何问题,仅仅是你喜欢而已,所有的强加都不是言论思想自由。人是一个独立的个体,独立的个体的意思是,不能将一个人的思想强加给另一个人,你可以宣扬你的观点,但不能期待别人一定接受,不同观点如果一定要以战斗分出胜负,必须以公开、公正的方式展开,只有这样,才是言论思想自由,只有这样才叫独立个体。

说到这里,我们必须参照人性来说,事实上,以上都是理想状态,只能做到尽可能的客观。人类永远不可能客观,只能保证最大化的客观,对人来说,没有绝对的客观。现实中,每个人都是不可能做到以上所述的,这就是人。理想与现实是矛盾的,理论和行为也是矛盾的,矛盾使得人类永远不可能做到绝对的知行合一,这也解释了“为什么道理我都懂,但就是做不到”,事实上,只有对人有全面的认知后才能回答这个问题,就目前已知的对人的认知来看,结论是之前的结论——有的东西是用来学的,用不用全在一个选择上。中午,和同学吃饭,我想和他分享最近的感悟,但我知道,这些他并不一定感兴趣,按照理论上来说,我不应该把自己的想法强行输出,这个时候,我该怎么选择?是表达观点还是保持沉默?这就是一个非常矛盾的东西。没有思想意识的人和咸鱼有什么区别?从不思考和表达自己观点的人是不是行尸走肉?那么,观点表达后,有多少人能做到不期待对方的好奇和认真甚至认可?这是来源于人类基因中的“自私自利”,这就是一对矛盾。大多数情况下,另一个人并不那么在乎你有了什么新的感悟和收获,因为世界上所有的问题都可以用两句话回答“关我屁事”以及“关你屁事”,这个时候,对于多年思考的结果并没有得到别人的关注更别说认同的事实,观点提出者的心理势必造成大面积的阴影,这不符合自私的基因的原则,那么,这个时候,观点提出者就会不舒服,这是无法避免的,即使知道这个道理。之所以有些人境界比较高,就是可以减少这种创伤,那来源于对人的认知。另一方面,观点提出者很有可能有强加于另一方的天性冲动,这个时候,如果另一方并不同意你的观点,如果观点提出者非要强加与他,势必产生矛盾和争论,直至没完没了,有时候最后他们能得出共同想要的结论,但很多情况下,都是愈演愈深。这次,我选择了先说我有一个新的感悟,但接下来,我意识到他不会在乎也不会感兴趣,于是我止住了没说,我的回答是“如果要看,就去看我写的文章,因为看文章如果看几句话不感兴趣,直接关闭浏览器,这是主动选择的过程”,如果他愿意看就看,不愿意看也不会干扰到我,我为自己这个小小的发现感到兴奋。那么,是不是不应该表达自己的观点?对我来说,矛盾的东西,不必要纠结,因为没有绝对的好和坏,选择一个当前情况下自己最想选择的,就对了,况且,我总以为,没有思想意识真的和咸鱼没有任何区别,不思考和表达观点的就是行尸走肉。真正对这个世界在乎的人大多兴趣广泛,因为它们确实对这个世界在乎,这类人的普遍特点是喜欢辩论,这是一种非常好的特质,这类人愿意把时间花费在辩论上,他们对这个世界还很感兴趣,还没有彻底对这个世界失去信心。在很多人眼中这种人异常奇葩,为了一个和自己生活看上去好像没有任何关系的东西争辩不是浪费时间吗?这个现象,就直接引出的一个问题,那就是辩论的矛盾性。一方面,对这个世界改变最大的就是这群人,他们还对这个世界感兴趣,对这个世界好奇,所以喜欢思考,喜欢探讨,喜欢讨论,但他们的矛盾在于,都笼罩于基因的自私自利下,不可能绝对的做到不强加自己的思想意识给他人,这是非常矛盾的。综上所述,只想要说明一个问题,那就是矛盾性。只有解决了这个问题,才可能回答上面的问题,并继续下面的思考。

回来继续回答——如何看待古典音乐和流行音乐?

过去论文中有一段话是这么写的“音乐,重在耳朵去听,去感受,音乐无需听懂,重要的是在音乐声场中来回盘旋、周转,不要停,不要停,就这样一直跟随音乐的节奏、旋律,一直下去,有时候真的希望不要再醒过来,就这样随着音乐一直缠绵到生命的尽头”“音乐无界限,音乐的分类可有可无,道可道非常道,名可名非常名,去除可有可无的东西,回归音乐本质,在物理震动中去感受结构构造中的音乐,如痴如醉,如梦如幻,做一回神仙,感受一下世界上最美妙的旋律和节奏,在音乐的世界里寻找感动,守候那份永不结束的期待与孤独,坚持那份坚持,回归天性,回归自然,用心去感受,你会发现,音乐的世界,从来都如此安宁祥和,你慢慢的陷入,堕落,沉迷,最后和音乐一起,走向了世界的尽头,那里,有着世界上最美妙的梦境”,这大概就是音乐的魅力,而不是讨论古典音乐和流行音乐孰优孰劣,谁也没有理由瞧不起谁,不过是时代发展的必然结果,一切歧视都只是“自私自利基因的幻觉”,仅此而已。

如果一定要举例说明,那真的无穷无尽。姑且用汽车来说事:

汽车有2-5万的,也有5-10万的,有10-100万的,有100-1000万的,有1000万以上的,它们不过是市场定位不一样,诚然,1000万的豪车和5万的普通汽车有巨大的差别,无论从参数上来看,还是实际性能表现上来看,都不是一个数量级的东西,但是,这能说明什么呢?唯一能说明的就是“一个人喜欢豪车,一个人觉得5万的车就已经够用”,各自对车的要求不同,需求不同,兴趣不同,追求不同,仅此而已。另外,每个行业都有其不同的定位,有的定位低端,有的定位中端,有的定位高端,还有定位奢侈品的,但并不代表给一辆普通车做成黄金奢侈品这辆车就变好了,同样,写古典的作曲家中,也有垃圾的,即使他写的是古典,但一样不可否认,真的,那只是挂羊头卖狗肉,说着古典的事,写着无法听的音乐,然后充满歧视的宣扬,我这是古典音乐!这是没有任何意义的,同样,写流行的,也不是每个人都能写出好音乐,创作出好作品,对应于它们的仅仅是定位不同而已,古典对一个人的入门要求较高,流行音乐欣赏入门较低,如此比喻只为说明它们不过是定位不同而已,古典定位了一群对音乐欣赏力高的人(人相对较少,相对较高是按照概率来说,并不是对比个体),流行定位了一群对音乐欣赏力稍低的人(人相对较多,再次强调,只是概率),但这都不是绝对的,古典中有优秀的人,流行中也有,它们是隶属于不同的音乐分类中,是无法直接拿来比较的,这是没有任何意义的,古典中有大师,也有假洋鬼子,流行中充斥着很多垃圾,但也有音乐大师,也留下了很多的经典作品,术业有专攻,不同的定位,做不同的事,不同的分类,完成各自的使命。有人说,古典音乐就是过去的流行音乐被时间筛选下来的经典部分,所以,这个角度讲,古典音乐应该叫经典音乐。这句话才是真正的刺中要害,很多人厌倦了古典音乐高大上的名字,让人很容易产生歧视和被歧视的心理。经典音乐,才是我们要说的古典音乐和流行音乐最终的宿命,因为只有时间才能验证这一切,多少年后,再回首,留下来的,都将是经典,这其中,根本不分古典音乐还是流行音乐,也不分民乐乡村原生态······某种程度上来说,我顶讨厌将音乐分类,但只有分类才方便窥探人类历史的瑰宝,这恰恰又是一个矛盾。另外,我们还是回避不了一个问题,那就是人类的金字塔效应,虽然不支持所有形式的歧视,但金字塔效应是无法回避的问题。越往金字塔上走,人越少,用音乐来说,这叫曲高和寡,不能说顶端的人是不存在的。人类应该是多元的,这个金字塔说明一个问题,那就是事物有层次,但没有高低(这里的高低默认带有感情色彩)。有人说,一切反对优劣的人都是自欺欺人,我倒认为,这里如果用层次更好,因为优劣已经带有感情色彩,而层次仅仅是描述事实状态,毫无疑问,他想表达的正是这个观点——事物必有层次之分,由于不支持所有形式的歧视行为,所以,我们反对一切高低之分,理想上来看,这也是在反对一切好坏之分,因为好坏也是带有感情色彩的,好与坏本就是哲学中的对立统一,不存在绝对的好,也不存在绝对的坏,所以,理论上来说,好坏也是没有绝对评判依据的。那么对错呢?对与错描述的是客观的事实,但对错也是建立在判断对错的系统中,那么判断对错本身也是有问题的,这个意义上讲,有时候对错是客观事实,前提是相信判断对错的系统,有时候你得先判断“对错系统”的对错,为了判断“对错系统”就得再创造一个判断对错的“对错系统”,这就是一个死循环,如此说来,对错在哲学中本身就是一个问题,但我依旧相信逻辑自洽的系统下的对错,如果这个系统到目前为止,是最好的系统,且能判断出对错,那么对错也是能判断的,只是没有绝对的对错,随着时间的推移,矛盾关系的演变,对错也有可能相应的变化,这恰恰符合“变化是唯一的不变”的说法。那么解决了这个问题,我们再来思考层次的问题,这是绝对无法避免的问题,因为它是客观事实,不以人的意志为转移。不主张所有形式的歧视,同时,要承认,层次有高低之分(这里的高低之分没有感情色彩),只有认识清楚了客观事实,才有可能形成下一个意识——有一点可以证明,有些人会改变自己去追求更高层次,他们在追求越来越好,而一部分人不会有意识的去追求越来越好,即使都追求变化,他们的速度也有差别,这是唯一的两点:改变与改变的速度。

每个人都是不同的,人与人的差距巨大。

来细说这句话放在这里的原因。A:一个对音乐极其有天赋和追求的人,但它不擅长数学 B:一个对音乐毫不在乎的人,但他是研究核武器的科学家 C:没有音乐,没有核武器,但他因几十年的技术功底进了法拉利研究中心D:一个什么都不感兴趣一无是处的人。

慢慢来说这个事,A动不动就拿着古典音乐对BCD说“你懂什么,这叫艺术!”在A的世界,他并不关注核武器,也不关心数学。A老是在心理上产生一种优越感,认为上帝给了他音乐的天赋,这些BCD都没有,但他没有意识到,他不懂数学,他也不懂核武器,一次他开着一架普通的汽车穿梭在高速公路,汽车出问题了,他无能为力······他不在乎核武器,他说“关我屁事”。好吧,相信读到这里,大家都知道我要表达什么了?活在自己狭小的世界,然后在自私自利的基因下产生强烈的优越感甚至歧视,殊不知,一山更比一山高,即使A是音乐中的肖邦,也找不到任何理由歧视谁,A的音乐天赋和努力固然将他推向了金字塔更上层,但不要忘了,这里面还住着制造核武器的B,也许还有数学天才高斯,还有制造航空母舰的大神,还有飘荡于外太空的火箭飞人······SO,别以为自己的世界就是全世界!你懂音乐,但不懂数学,不懂汽车,不懂飞机,不懂游艇,不懂航空母舰,更不知道如何制造核武器,终其一生也只是一个坐不了火箭也上不了太空的路人甲······这个时候,才发现,原来,自己的世界这么小。而自私自利的基因让你看到这里对自己说一句“SO,关我屁事”,仅此而已。(之所以加入D 这个角色,一定有它的意义,至于什么意义,读完全文)

个人并不喜欢艺术这个词,如果让我来定义,我更愿意把艺术定义为“凝结于物质的时间、思想意识、创造力”。我以为,一架凝结了数百上千研究和实践者的豪车,也是艺术,如果说有人反对,那就是因为汽车并没有带有“感情共鸣”,事实上,人的“感情共鸣来源于凝结于物质的思想意识”,谁说只能将这种思想意识凝结于“文学、书法、绘画、摄影、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺······”,所以,从本质上来说,任何融入了时间、思想意识、创造力的物质都可以叫艺术,那么,所谓的“你懂什么,这叫艺术!”是几个意思呢?别人做的汽车,也叫艺术!同理,成千上万的团队开发的APP也可以叫艺术,因为凝结于这个物质之上的有他们的理念、思想意识,并能通过用户体验产生感情上的共鸣,这就是艺术!如此说来,有太多的艺术了,航空母舰肯定算艺术,数学家的伟大著作毫无争议的成为艺术珍藏,核武器就是人类艺术的杰作,火箭就是凝结了人类智慧的伟大艺术瑰宝!······当我们颠覆了一个概念的理解时,一切华丽的语言和歧视都变得苍白无力。如此看来,处于自私自利的基因下的幻觉是一件多么可耻的事情,这似乎摧毁了一部分人,当然也注定成就另一部分人。另外,我不得不提的是自然而然发生的“基因”的“自私自利”并不总是准确的,A的歧视本是出于对自利的原则的自我保护,短期来看,这种自我保护会欺骗“基因”,“基因”以为它产生的行为确实造成了“自利”,这种自然的判断本身就有可能是错误的,这方面来讲,“基因”有时候也不免会“自欺欺人”。这种自然的判断有些像人类的“生理/经验”性的判断,它并不擅长判断长远发展,也许这是人的一种生理机制,这种机制忽略了人的矛盾性,所以,也不难解释为什么金字塔顶端的人往往在寻求以突破“人类天性”的方式去指导自己的行为,这样看来,他们的世界应该会与“基因”作斗争,去包容的看待这个世界,确实,他们越来越好,这种违背“基因”的做法,却换来了长远的“有利”,足以证明“基因”的判断本身就是有缺陷的,突破人类的这种机制,首先要对人类这种机制进行认知,这样看来,再次回到了过去的话题“认知自我,认知世界”。

下一个思考就是人类到底有多无知?首先,人的一生时间有限,精力有限,这就足以毁灭一切狂妄自大。就算是天赋异禀的高斯,终其一生,也只能精通于数学的少数领域,一个人,在自己狭小的少数几个领域追求得越深越远,越感受到人类的无知和渺小,越学习,越无知——这又可以摧毁很多人,所以需要直面狂风暴雨的勇气,不跌倒就不会有爬起来的故事!任何人,都只能在自己狭小的世界终其一生,没有一个人不是无知的,不能让自私的基因继续幻想,优越感和歧视这种带有感情色彩的东西,都只是幻觉。再次摧毁一批人,但并不能终于此,很多人还是站在了金字塔顶端,大部分人还是在底层······谁也无法避免回答这个问题。并不是每个人都无知,所以,每个人都应该一样,那样这个世界就没有了发展的推动力。这个世界是相对的,只需要确定是不是在变化,确定是越来越好还是越来越糟糕,以及变化的速度。所以,不要在此文寻求自我安慰和自欺欺人。

最后一个想说的问题——该不该评价?

其实这和前面讲的该不该表达自己的观点如出一辙,但又完全不同,发表观点是从自身输出,然后期待外来干扰,而评价是相反的过程,先有别人的观点输出,才有你带来的外来干扰。一方面,我们坚信一句话“走自己的路,让别人去说吧”,一方面,我们评价着别人的观点,矛盾。其实评价并不一定能改变别人继续他的追求,如果他坚信“走自己的路”根本不在乎你的评价,或者直接屏蔽、忽略这些评价,那么评价人的外来干扰对他是没有任何意义的。反过来看,评价不仅仅是外来干扰,还有一部分是做给自己看的,评价的过程,又是一个思考和思想意识输出的过程,那么,该不该评价?从前文中所说“没有思想意识真的和咸鱼没有任何区别,不思考和表达观点的就是行尸走肉”,坚持认为,这对矛盾体,应该选择的是评价。评价就是一个自我改变、思考学习的过程,是推动进步的一个动力,评价是有必要的,但绝不应该计较评价对观点输出者的影响,这个时候,如果在乎这种影响,对方可以狠狠地说一句“关你屁事”,心理阴影面积迅速扩张数倍。

到此,所有重要的思考都已经得到了陈述,瞬间以为,自己又完成了一个很重要的人生过渡。然而,看着时间流逝,心理阴影面积迅速扩张到960万平方公里,好了,该干啥干啥,看书了。——写于2016年8月1日

于千万人之中邂逅你的容颜,倘若不是擦肩而过,为何等?秋去冬来,花开花落。方知,方恨,方悔,错已成错。

人生已如此短暂,喜欢的东西赶快做,立即做。

不要因为擦肩而过等几个花开花落,更不要明知是错还一错再错。

多少人因为犹豫要不要买一把吉它亦或是一把提琴一架钢琴,与自己的音乐梦擦肩而过,多少人因为犹豫,与最好的自己分道扬镳,曾经你一个犹豫,多年后发现,再回不到从前。今时今日,此时此刻,曾经你一个错过,绝不仅仅是一个错,是悔,是恨,都回不到过去,你错过的正是人生最宝贵的——时间。

时间不等人,人却在等时间,但是,时间一过不再有,和时间相比,任何事,都不值一提。

在音乐的道路上,没有犹豫,没有放弃。

我曾写到“要不被人生主宰,要不我主宰人生”这句话本来自于一代天骄成吉思汗,而后又想,在音乐的世界,何尝不是?或者说,在任何你所坚持的道路上,何尝不是?你的青春你荒废不起,不负青春,不负梦想,这句话不仅仅是激励你前行,更多的是对待人生的态度,音乐之路,唯有坚持,才能抵达你日里夜里憧憬向往的纯粹之地。“昨夜春风处,坦然独处之”,当你一个人孤独前行时,这句话或许带给你的才叫光明,忍住孤独,忍住寂寞,音乐之路,通往心灵的感动需要你自己去寻找,去感悟。

有一天,世界都灭了灯,不再亮,最怕,连你也看不清。那一刻,或许你又一次回到那个无助、迷惘、彷徨、不知方向的青春岁月,那一刻,或许你眼泪忍不住滴落,那年,滴酒醉青春,烧愁闷人生,若不是转念一想:坚持内心,让心灵指引你前行,如今,你又会是什么模样?

在人生的道路上走走停停,告诉自己,生命不止,奋斗不息;梦中之地,我必追随。


——谨以此送给喜欢音乐的你

——大概于2015年冬

  • 世界著名钢琴演奏家

转自:近现代著名的73位钢琴演奏家

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01.安达(Geza Anda,1921———1976)

瑞士籍匈牙利钢琴家,就学于布达佩斯音乐学院,多南伊的学生,1939年与布达佩斯爱乐乐团合作演奏布拉姆斯《第二钢琴协奏曲》而成名,1943年迁居瑞士,1955年入瑞士籍。安达的演奏充满激情,追求对比的效果,安达的特长是阐述匈牙利及周边东欧国家作曲家的作品,晚期专门演奏巴托克作品,是演绎巴托克作品的专家之一,但效果不如巴托克的学生桑多,也不如年轻一辈的匈牙利钢琴家科奇什和兰基。

02.阿格里奇(Martha Argerich,1941——)

阿根廷女钢琴家,5岁首次登台,1946年师从斯卡拉穆扎(Scaramuzza)接受严格训练,1955—1957年在维也纳师从古尔达,后又在日内瓦拜李帕蒂夫人和马加洛夫为师。1957年获布梭尼国际钢琴比赛奖、日内瓦国际钢琴比赛一等奖。1960年从米凯兰杰利继续深造,1965年在华沙第七届国际肖邦钢琴比赛中获一等奖,波兰唱片公司在现场录制了她演奏的肖邦《第一钢琴协奏曲》的唱片,一下子使她名扬四海。阿格里奇曾两次退出舞台,但每次重返舞台就显示出一种对自己的超越。阿格里奇的演奏充分展示出她的吉卜赛奔放、热情的性格,她以女性少有的有力触健以及对速度的敏感把握,在表达中显示出极亮丽的音质。阿格里奇善于表达情感充沛、能充分体现色彩感的作品,诸如肖邦、柴科夫斯基这类作曲家的丰富情感表达,在她的演绎下都能呈现出极夺目的光彩。她善于在乐队衬托下,被乐队刺激出激情,所以其协奏曲一般都好于独奏曲与室内乐。当然,也有例外,她演绎的肖邦《船歌》和舒曼的《童年情景》,可以说是最有味道的解读。

03.阿劳(Claudio Anrau,1903-----1991)

智利钢琴家,作为钢琴神童,5岁就登台,1910年由智利政府资助到柏林斯特恩音乐学院留学,成为克劳泽的学生。1914年在柏林首次举行独奏会,1918年在尼基什和富特文格勒扶植下演奏协奏曲,从此蜚声全球。1927年获日内瓦国际钢琴比赛大奖,1940年在圣地亚哥创办钢琴学校,1941年全家定居纽约。阿劳的性格内向,在表现上追求纯正严谨的古典风格与深刻的感情之间的结合,在演奏中强调重音的效果,追求结构严谨与细腻情感表达的结合。阿劳演奏的贝多芬全套奏鸣曲,在唱片史中有相当的地位,其演绎以严谨与情感细腻著称,但其产谨性不如纯正德奥的肯普夫,在结构与情感的把握上也远不如前一辈的施纳贝尔,但在自然的流畅的表达上,有自己特色。另外,他对作品的处理多少有一些保守。

04.阿什肯纳奇(Vladimir Ashkenazi,1937—)

冰岛籍苏联钢琴家,6岁开始学琴,8岁在莫斯科登台演奏,进入莫斯科中央音乐学校后,在苏巴特亚(Sumbatyan)的班上学习10年,1955年入莫斯科音乐学院,成为奥伯林的弟子。1955年获第五届肖邦比赛二等奖,1962年获第二届柴科夫斯基国际比赛一等奖。1963年在伦敦举行演奏会大获成功后,留居伦敦,1968年移居冰岛,1972年入冰岛籍。阿什肯纳济作为俄罗斯钢琴家,感情充沛,追求表达的抒情性、诗意与浪漫气质,作为奥伯林的学生,又有莫斯科学院派那种不同于德奥学院派的严谨。阿什肯纳济的最突出长处是其手指的高超技巧,而在音色上比起类似里赫特这样的俄罗斯钢琴家略逊一筹。阿什肯纳济演奏曲目极广,但其长处还是在表现俄罗斯作曲家,尤其是拉赫玛尼诺夫与斯克里亚宾的作品中。他与帕尔曼、哈雷尔组成的三重奏,在演奏柴科夫斯基的室内乐作品中体现了自己的特色。他录制了肖邦作品全集,但在表现能力上明显不如老一辈的鲁宾斯坦。

05.巴克豪斯(Wilhelm Backhaus,1884—1969)

德国钢琴家,1897—1898年在莱比锅音乐学院学习钢琴,师从雷肯多夫(Reckendorf),成为最后一位莱比锡学派的代表人物。巴克豪斯16岁与尼基什指挥的莱比锯格万特豪斯乐团合作协奏曲而成名,其演奏生涯长达70年,1946年入瑞士籍,定居于与意大利相邻的卢卡诺。在老一辈的钢琴家中,巴克豪斯因演奏追求气魄,触键有力,有“健盘狮王”之称,在阐述贝多芬、布拉姆斯作品中体现出极强的张力。巴克豪斯在64岁之前专致于现场演奏,未录过唱片,所以实际我们在唱片上听到的是这位钢琴大师晚期追求的自然与清越,那种强劲的击键已不多见,我们更深切地感受到的是自然与清越中那种有张力的冷峻。巴克豪斯对布拉姆斯作品的解读胜于对贝多芬作品的解读,他与伯姆指挥维也纳爱乐乐团在1967年录制的布拉姆斯的第二协奏曲是其最优秀的唱片(可惜此时已年高,力量已明显不足),而他最感人的唱片则是Decca公司1969年6月28日的最后27分钟录音。

06.巴伦勃伊姆(Daniel Barenboim,1942—)

以色列钢琴家,5岁在双亲指导下学琴,7岁就在出生地阿根廷布宜诺斯艾利斯举行独奏会,1951年全家移居欧洲,1952年定居以色列,入以色列籍。同年获美国的以色列文化财团奖学金,到萨尔茨堡莫扎特音乐学院随埃德沮、菲舍尔学琴,1955年从法国钢琴家布兰杰。巴伦勃伊姆在演奏中的长处是乐句的表情处理,他对旋律线的表现能力很强,但往往过多地注意表面的效果。他的门德尔松的《无词歌》全集是最能体现其才华的作品,而他与杜普蕾、祖克曼合作的室内乐往往长于他演奏的协奏曲与众多的奏鸣曲。

07.贝尔曼(Lazar Bermar,1930—)

俄罗斯钢琴家,7岁参加联欢节而第一次录制莫扎特作品的唱片,9岁进莫斯科音乐学校,随后入莫斯科音乐学院,成为戈登威泽的学生。1956年获比利时伊丽莎白皇后国际钢琴比赛第五名,布达佩斯国际钢琴比赛三等奖,1976年与卡拉扬、柏林爱乐乐团合作柴科夫斯基的《第一钢琴协奏曲》而成名。贝尔曼的演奏强调对比的效果,他的左手触健强劲,右手高音部的音色又极灿烂,善于处理波浪型的和弦,最擅长李斯特作品的解读。其代表性唱片除与卡拉扬合作的柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》已成为一种辉煌灿烂的经典外,另有李斯特作品的录音几乎张张都好,穆索尔斯基的《图画展览会》也极具经典性。

08.贝洛夫(Michel Beroff,1950—)

法国钢琴家,幼年被梅西安发现才华而推荐进巴黎音乐学院,不满20岁就因演奏梅西安和其他现代作曲家的作品而蜚声全球。贝洛夫除莫扎特奏鸣曲外,从不公开演奏1900年以前的作品,主要以演奏巴托克、梅西安、斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫的现代作品为特色,对节奏感有极强的把握能力,能在钢琴上表现出丰富的打击乐色彩,是表现梅西安作品的权威。

09.毕肖普一科瓦塞维奇(Stephen Bishop—Kovacenich,1940—)

美籍南斯拉夫钢琴家,出生于洛杉矶,1951年在旧金山首次公开演奏,1959年移居伦敦,师从赫斯,1961年在伦敦举行独奏会而成名。毕肖普一科瓦塞维奇以敏锐的触键和所表达的近乎透明而又富于诗意的音色而著称,他演奏的贝多芬钢琴协奏曲、《狄亚贝利变奏曲》都是极获好评的作品,主要特色是充分展示了贝多芬细腻和充满诗意的一面,力量与宏大性上略显欠缺。他演奏的巴托克和斯特拉文斯基钢琴作品,获爱迪生奖,其巴托克的表现明显比科奇什的表现更多丰富的表情。其实就其气质与演奏风格,他最出色的演奏还是贝多芬的两张钢琴小品,以及格里格、舒曼的钢琴协奏曲。

10.博列特(Jorge Bolet,1914—)

美籍古巴钢琴家,12岁获美国科蒂斯音乐学院奖学金到该院留学,在萨佩顿(Saperton)班学钢琴,1932—1933年师从戈多夫斯基,1935年拜罗森塔尔为师,接着又从鲁道夫·塞尔金深造。1937年在费城举行独奏会而崭露头角,1938年获霍夫曼钢琴比赛奖,二战中参军,战后继续演奏生涯。博列特被称为浪漫乐派钢琴演奏家的最后代表,他的演奏是抒情与狂想的很好结合,所以被称为“李斯特的代表”。博列特在Decca录制了8张李斯特作品选集,是其代表性唱片,他演奏戈多夫斯基改编的肖邦练习曲,也是极为精彩的录音。

11.布伦德尔(Alfred Brendel,1931—)

奥地利钢琴家,幼年在南斯拉夫师从德泽利克(Dezelic),1943年全家迁回奥地利,从卡恩(Kaar)学琴。后在菲舍尔的钢琴班深造,1948年获布索尼比赛奖而扬名。布伦德尔编订了贝多芬的全部钢琴作品,他有极宽的演奏幅度,不仅深入研究作品内涵,而且极具挖掘作品的浪漫抒情的能力,他在处理装饰音与华彩乐段方面总能寻找到最佳的效果,其演奏以注重音色的细微变化为最大特色。舒伯特和海顿的作品,是他演奏的作品中的上品,其中的优雅与抒情性都无人能够企及。他演奏的贝多芬与吉利尔斯、施纳贝尔形成极鲜明的对照,把贝多芬解读得如行云流水一般,极具特色。而他的莫扎特钢琴协奏曲,虽不如海布勒那样体现出极端的细腻,却赋予了莫扎特一种清纯隽永的色彩斑谰。他的布拉姆斯协奏曲,呈现出别人难以达到的那种丰富的层次。布伦德尔是德奥演奏家中少有把歌唱性和对结构的把握结合得天衣无缝者,他的特点可以“高雅的行云流水”来形容,但其表现领域严格限在古典——浪漫时期的德奥作曲家。

12.布赫宾德(Rudolf Buchbinder,1946—)

捷克钢琴家,幼年随父母移居维也纳,1961年参加慕尼黑国际比赛,获钢琴三重奏奖;1966年获克莱本国际比赛特别奖,其与苏克、斯塔克组成的三重奏团,在阐述东欧作曲家的室内乐作品方面具权威性。

13.卡萨德絮(Robert Casadesus,1899—1972)

法国钢琴家,卡萨德絮家族是法国有名的音乐世家,卡萨德絮1911年进巴黎音乐学院,1922年开始全球巡回演出。卡萨德絮的演奏具有典型的法国风格,这就是追求典雅与平衡感,他认为演奏最重要的是音质,而不是技巧。卡萨德絮演奏的拉威尔作品具有权威性,其阐释的弗雷作品典雅而华丽。他与弗朗西斯卡蒂合作举行奏鸣曲演奏会,与弗朗西斯卡蒂的境界极为契合,两人相得益彰,是极典雅的一对搭档。其与赛尔与克利夫兰交响乐团合录的莫扎特晚期协奏曲,也极具特色。

14.卡辛奥里(Gianluca Cascioli,1979——)

意大利钢琴家,在伊莫拉的音乐学校学习,作为神童,曾在意大利得过多次比赛奖,并应邀赴美国演出。其演奏风格追求轻灵而敏捷的触键,有出色的技巧与优秀的音乐感觉,是目前活跃于乐坛的最年轻的钢琴家。DG公司于1996年发行了他演奏的两张小品专集,板获好评。

15.奇科利尼(Aldo Ciccolini,1925--)

法籍意大利钢琴家,就学于那不勒斯音乐学院,1942年在那不勒斯演奏肖邦的第二协奏曲而崭露头角,1949年获玛格丽特·隆国际比赛一等奖。奇科利尼擅长演奏弗雷、圣桑、萨蒂等法国作曲家的作品,其录制的萨蒂钢琴作品全集,获得极高的赞誉。

16.克莱本(Van Cliburn,1934—2013)

美国钢琴家,17岁进纽约朱利亚德音乐学院,师从列文涅,1947—1954年,7次获美国各种比赛奖,1958年因参加莫斯科柴科夫斯基国际比赛获一等奖而成名。克莱本在冷战期间,是苏联发射第一颗人造卫星后,第一个在苏联获得成就的美国人,因而成为美国的宠儿,回国时像英雄凯旋受到夹道欢迎。克莱本的演奏,以亮丽的音色著称,尤其是高音部充满光辉,有“克莱本色彩”之称。遗憾的是克莱本仅在60年代红极一时,70年代就不再有出色的表现。他在演绎类似柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫的协奏曲上,显示出更宽阔的幅度和色彩变化。当然,最具轰动效应的是其1958年回国后录制的柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》,这张唱片上市10天便热销100万张。

17.科尔托(Alfred Cortot,1877—1962)

法国钢琴家,就学于巴黎音乐学院,1886年获音乐学院钢琴比赛一等奖,年方30岁已成为当时法国音乐界出类拔萃的人物。1905年与蒂博、卡萨尔斯组成“黄金三重奏团”,1919年与马热奥创办巴黎高等音乐师范学校,培养了一大批类似哈斯姬儿、李帕蒂、弗朗索瓦等优秀学生。科尔托追求高贵的气质、抒情性与迷人的音色的结合,他演奏舒曼与肖邦的作品,突出了其亮丽和细腻,强调了他们的丰富表情。二次大战期间,科尔托与纳粹当局合作,出任傀儡政权职务,并继续举行演奏会,卡萨尔斯因此与他决裂。1944年科尔托被盟军逮捕,释放后被法国人视为“法奸”和不受欢迎的音乐家。

18.柯曾(Clifford Curzor,1907—1982)

英国钢琴家,1919年入英国皇家音乐学院师从雷迪,后在古德森班上学习,16岁在伦敦皇后大厅演奏巴赫三重协奏曲而成名。1928年到柏林拜施纳贝尔为师,后又到巴黎受兰多芙斯卡指导,可谓融合了多家长处。柯曾的演奏,善于把刚健的节奏与内心庄严宁静的情感完美地结合起来,他的演奏对结构把握能力强,触健中充溢着英国绅士那种优雅,擅长于莫扎特与舒伯特的作品。其与维也纳八重奏团合作的舒伯特的《鳟鱼》,是这个曲目的顶尖版本之一。

19.齐夫拉(Gyorgy Cziffra,1921—)

法籍匈牙利钢琴家,5岁就登台即兴演奏民歌,1930年进布达佩斯李斯特音乐学院,在多南伊班上接受严格训练。1933—1941年在匈牙利和北欧等地举行独奏会,好评如潮。1941年入伍参战,1947年被俘释放后,在费伦希(Ferenczi)班上继续学习,1955年获李斯特比赛奖,1957年移居巴黎,后入法国籍。齐夫拉的演奏,以技巧而取胜,技巧的表达令人眼花缭乱,但对作品的内涵往往很难深入探究。他演奏的练习曲及高难度技巧作品,都能充分展示其才华,最具特色的作品是李斯特的《匈牙利狂想曲》与《超技练习曲》。

20.德缪斯(Jorg Demus,1928—)

奥地利钢琴家,1940--1945年在维也纳音乐学院学钢琴与指挥,1953年进吉泽金的高级班深造,1953年在维也纳举行独奏会,成为二次大战后新一代奥地利钢琴家。德缪斯的演奏,以柔和而富弹性的触健与旋律线条优美著称,在表现巴赫时极具特点,是很优秀的声乐钢琴伴奏人选。

22.昂特勒芒(Philippe Enterment,1934—)

法国钢琴家,10岁进巴黎音乐学院,是玛格丽特·隆的学生,17岁获玛格丽特·隆一蒂博国际比赛一等奖,而后在各地巡回演出。以演奏莫扎特钢琴协奏曲与拉威尔钢琴作品为专长。

23.埃森巴赫(Christoph Eschenbach,1940—)

德国钢琴家,1950年经约夫姆介绍,到汉堡音乐学院师从汉森,后又转入科隆音乐学院师从施密特一诺伊豪斯。1962年在幕尼黑国际钢琴比赛中获德国广播电台奖,1965年在卢塞恩参加第一届哈斯姬儿比赛再获一等奖,从此开始演奏生涯。埃森巴赫在挖掘巴赫的大健琴的钢琴表达、布拉姆斯的室内乐作品的阐释上都具特色,而他给菲舍尔一迪斯考演唱的舒曼歌曲的配乐,也深得舒曼的神韵。

24.菲舍尔(Edwin Fischer,1886—1960

瑞士钢琴家,1896—1904年在巴塞尔音乐学院胡贝班上学习,后在柏林斯特恩音乐学院师从克劳泽,1931年接替施纳贝尔在柏林高等音乐学校钢琴高级班任教授,此时已成为演奏巴赫与贝多芬作品的专家。菲舍尔是布伦德尔的老师,他对巴赫有专门深入的研究,能深刻地体现巴赫的结构美。菲舍尔阐释的贝多芬,更追求其整体性,因为顾及整体结构与效果的平衡,他的演奏有时过于规整。

25.弗朗索瓦(Ssmson Francoice,1924—1970)

法国钢琴家,6岁登台演奏,11岁获法国尼斯音乐学院钢琴演奏奖,后到意大利和南斯拉夫继续学习,1939年回巴黎,进巴黎音乐学院师从科尔托,1940年获音乐学院比赛一等奖,1943年获玛格丽特·隆国际比赛一等奖。其演奏曲目包括肖邦、李斯特、德彪西、拉威尔、巴托克、普罗科菲耶夫的作品,尤以演奏德彪西、肖邦的作品最为著称。弗朗索瓦演奏的肖邦与鲁宾斯坦的肖邦有极大差别,鲁宾斯坦的肖邦强调情感,弗朗索瓦则更强调肖邦的情感所体现出来的音色,所以也有人认为弗朗索瓦的肖邦高于鲁宾斯坦。

26.傅聪(Fu Cong,1934—)

英籍中国钢琴家,1948年以前师从意大利钢琴家帕奇,1953年在布加勒斯特国际比赛中获三等奖,1955年参加在华沙举行的第五届国际肖邦钢琴比赛获三等奖,1958年到英国定居,入英国籍。傅聪得中国文化之底蕴,从中国的诗意去体会肖邦、莫扎特和德彪西,比如把肖邦的作品比作李后主的词,在德彪西作品里找到禅机。他以他的方式阐释肖邦、莫扎特与德彪西,别具一格,但亦使作品更加文学化。

27.加夫里洛夫(Andrei Gavrilov,1955—)

俄罗斯钢琴家,其母是涅高兹的学生,从小由其母教习琴,15岁入莫斯科中央音乐学校,后又升入莫斯科音乐学院,1974年获柴科夫斯基国际比赛第一名,因此而一举成名。在新一代俄罗斯钢琴家中,加夫里洛夫不仅有无懈可击的超人技巧,且控制音色变化的能力极强,他演奏的普罗科菲耶夫的奏鸣曲,在里赫特的表达方式的基础上,更强调对比。他录制的拉威尔的《夜的幽灵》、李斯特的练习曲《钟》和普罗科菲耶夫的《魔鬼的诱惑》是极突出的作品。加夫里洛夫演奏巴赫的《哥德堡变奏曲》,把情感冲突全部装进巴赫,演绎得有声有色,尽管已脱离了巴赫的本来面目。

28.吉泽金(Walter Gieseking,1895—1956)

法国钢琴家,父母是德国人,1911年在汉诺威音乐学院莱梅(Leimer)班上学琴,第一次世界大战时,曾服兵役,战后开始巡回演奏,成为世界闻名的钢琴家。二次世界大战爆发后,吉泽金依然在德国及占领区内演奏,战争结束后,因有协助纳粹的嫌疑曾受盟军调查,1947年才重返舞台。1949年到美国巡回演出,因又有人控告他与纳粹合作,不得不取消演出,经德国联邦法院澄清,1953年才恢复演奏权利。吉泽金因受法国和德国音乐教育的双重影响,对这两国的作品都有深入的体会。他灵敏透明的指触和细致的音色变化加上微妙的踏板控制,使他成为阐释德彪西与拉威尔的权威。吉泽金一直追求清淡的表情,在演奏中强音都会处理得很轻巧,他演奏的莫扎特也极有味道。

29.吉列尔斯(Emil Gilels ,1816—1985)

前苏联钢琴家,6岁时在敖德萨音乐戏剧学院师从特卡奇和林戈尔德学琴,1929年转入敖德萨音乐学院莱因巴尔德班上继续学习,1933年参加莫斯科音乐家协会举办的比赛获一等奖,1935年考取莫斯科音乐学院研究生,成为涅高兹的学生,1936年参加维也纳国际比赛获二等奖,1938年参加伊萨伊国际比赛获一等奖,1946年获斯大林奖,1955年成为战后第一位到美国演奏的苏联钢琴家,获一致好评,1961年获苏联列宁勋章,1967年法国授予他巴黎文化勋章。吉列尔斯的演奏特色是“钢铁般的触键”,由此而形成幅度与力度。吉列尔斯演奏的贝多芬钢琴奏鸣曲,其力度变化上,被认为是施纳贝尔之后的最好选择,他与约夫姆和柏林爱乐乐团合作的布拉姆斯两首协奏曲也已成为这个曲目首选的经典。可惜他的贝多芬协奏曲与柴科夫斯基协奏曲没有留下很出色的录音。

30.古尔德(Clenn Gould,1932—1982)

加拿大钢琴家,在多伦多皇家音乐学院师从格雷罗学琴,14岁与多伦多交响乐团协作演奏贝多芬《第四钢琴协奏曲》而开始演奏生涯,1955年首次到美国演奏巴赫的《哥德堡变奏曲》而一举成名。古尔德的演奏曲目从巴赫到爵士乐无所不包,他录制了勋伯格的全部钢琴作品,但最出色的表现还在对巴赫的演绎上。古尔德在处理快速乐段和声部的力度层次方面有非凡的才能,只有他才能出色地表现出巴赫的赋格的层次与魅力,而他在处理慢速时,音粒似是一个一个跳跃出来,快速又是音粒飞溅,有眼花缭乱之感。古尔德是一个拒绝观众、专注于在录音中寻找表现的钢琴家,他兴奋时会边弹边哼,我们在唱片中经常听到他的这种“杂音”,但这丝毫也不损害他演奏的光辉。

31.古尔达(Friederich Gulda 1930—)

奥地利钢琴家,1938—1942年从帕佐夫斯基学琴,1942年进维也纳音乐学院师从赛德尔霍费尔,1946年参加日内瓦国际钢琴比赛获一等奖,后开始巡回演出。1962年忽然开始醉心于爵士乐,建立爵士乐队,1966年在维也纳创办了现代爵士乐比赛。古尔达演奏时强调节奏的弹性,他在醉心于爵士乐之前,以演奏巴赫、莫扎特、贝多芬、舒伯特作品见长。他录制的巴赫平均律,强调触键的清晰与透明;贝多芬的《月光》与《热情》是经典录音,他在演奏中往往加进一些装饰,尤其是在处理莫扎特的作品时。

32.哈斯(Werner Hass 1931—1976)

德国钢琴家,7岁举行独奏会,11岁进斯图加特音乐学院吉泽金班上学习,成为吉泽金最喜欢的学生,吉泽金学派的继承人,他不幸因车祸英年早逝。其录制的德彪西、拉威尔钢琴曲深得吉泽金的神髓。

33.海布勒(Lngrid Haebler 1929—)

奥地利女钢琴家,父母为波兰人,11岁在萨尔茨堡公开演奏,在萨尔茨堡莫扎特音乐学院学习,后进维也纳音乐学院、日内瓦音乐学院、巴黎音乐学院深造,是玛格面特,隆班上的学生。1952年参加日内瓦国际钢琴比赛获二等奖,1954年参加慕尼黑国际钢琴比赛和日内瓦舒伯特钢琴比赛,均获一等奖。海布勒的演奏追求一种清新、清纯的效果,追求音色的微妙层次区分与音阶性经过句中颗粒型音色的效果。海布勒好像天生是为演奏莫扎特而出生的,她从小在莫扎特的氛围中长大,她演奏的莫扎特,无论是协奏曲、奏鸣曲还是小品,都被认为是最有味道的莫扎特。她所演奏的舒伯特全套奏鸣曲以及与格吕米奥三重奏团合作的《鳟鱼》,也被认为是最有味道的舒伯特。

34.哈斯姬儿(Clara Haskil 1895—1960)

罗马尼亚女钢琴家,7岁登台,先在维也纳跟罗伯特学习,后考入巴黎音乐学院,是科尔托的学生。1910年获巴黎音乐学院钢琴比赛第一名,从此开始巡回演出,40年代定居瑞士。哈斯姬儿在当学生期间,就被小提琴演奏家伊萨伊选中,合作演奏二重奏;毕业后,还经常与埃乃斯库、卡萨尔斯合作举行演奏会。二次大战结束后,她参加卡萨尔斯主持的第一届普拉德音乐节,结识格吕米奥,开始合作二重奏。哈斯姬儿体弱多病,其演奏以追求细微的强弱音色变化而著称,在法国曾被称为“莫扎特再世”,她是莫扎特最好的演奏家之一,可惜大部分录音都是单声。Philips公司有她与马克维奇指挥拉穆勒乐团演奏莫扎特的第二十、二十四号协奏曲的最后录音,可充分展示她的魅力,而她与格吕米奥合作的贝多芬和莫扎特奏鸣曲,虽是单声,也都魅力十足。

35.霍洛维茨(Vladimir Horowitz,1904--1989)

美籍乌克兰钢琴家,就学于基辅音乐学院,毕业后在哈尔科夫举行了15次独奏会,正式开始演奏生涯,1924—1925年以11台不同曲目的演奏共23场,声名大噪。1928年到伦敦,接着到纽约,因在比彻姆指挥纽约爱乐乐团演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》中的出色表现而真正在世界范围内成名。1933年,他开始与托斯卡尼尼合作贝多芬的钢琴协奏曲,在更大范围获得了世界声誉,不久与托斯卡尼尼的女儿结婚,1940年定居美国,1944年入美国籍。霍洛维茨曾多次从舞台退隐,最长的一次是从1953年至1965年,他以神经系统受损害为由,整整12年不再露面,潜心于研究克莱门蒂的作品。1965年5月9日,他在卡内基音乐厅重返舞台,举行一系列音乐会,4年后再度退隐,直至1974年才再度出山。霍洛维茨是一个有争议的钢琴家,因为他的演奏极端追求表情与效果。在技巧方面,他对速度和力度的控制出类拔萃,尤其是在八度表达上,有惊人的能力,既能发出铿锵有力的金属声音,又有梦幻般的柔美音色;他擅长强音,擅长制造快速的音效,追求美妙的连音效果,他强调的是极端的对比和极端的表情,他的演奏能创造最出色的效果。霍洛维茨最擅长挖掘类似舒曼、肖邦、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、克莱门蒂等作曲家的神秘因素,他演奏的舒曼的《童年情景》、《克莱斯勒偶记》、《梦幻曲》以及斯克里亚宾与克莱门蒂的奏鸣曲、拉赫玛尼诺夫的前奏曲与练习曲都有极强的造型感。晚年他醉心于莫扎特,但他的莫扎特是极端效果化的莫扎特,他认为他对作品效果的追求,是他的音乐创造。

36.贾尼斯(Byron Janis 1928—)

美国钢琴家,7岁在纽约师从马库斯与列文涅学钢琴,1943年与布拉克指挥美国国家广播交响乐团合作,演奏拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》而开始演奏生涯。霍洛维茨欣赏他的演奏,收为弟子。1960年贾尼斯到苏联巡回演出,获极大成功,后因患病而停止演奏,直到1972年才恢复演出。贾尼斯在霍洛维茨指导下,追求音色与表情,擅长演奏拉赫玛尼诺夫和普罗科菲耶夫的作品。

37.卡琴(Julius Katchen 1926—1969)

美国钢琴家,祖先是俄国移民,11岁在广播电台因演奏舒曼作品崭露头角,1941年入哈特福德学院,攻读哲学与英国文学。19岁毕业后得奖学金到巴黎留学,不久在联合国教科文组织举办的艺术节中,11天举办7场音乐会,轰动一时。卡琴是位学者型的钢琴家,对布拉姆斯的作品有独到的理解,他阐释的布拉姆斯钢琴作品全集具有经典意义,他与苏克、斯塔克组成三重奏团被称为“专家三重奏”,他演奏的布拉姆斯作品被公认为最符合作曲家的气质。

38.肯普夫(Wilhelm Kempff 1895—1991)

德国钢琴家,9岁进柏林高等音乐学校从巴特学琴,除学音乐外,同时在柏林大学学哲学和音乐史,1916年起作为钢琴家在德国和北欧巡回演出,1917年获门德尔松钢琴与作曲奖。二次大战中,肯普夫停止了一切公开演奏,50岁之后才重新出山,成为战后德国钢琴家的代表人物。肯普夫被认为是现代阐释贝多芬、舒伯特、舒曼、布拉姆斯的权威,他善于挖掘这些德奥作曲家作品的哲理内涵,对其结构性的把握长于其他钢琴家,而演奏又含蓄细腻,织体清晰。他演绎的贝多芬、舒伯特,给我们一种端庄、神圣的塑像般的效果,而他整理演奏的舒曼,也不是那种情感炽热和纤细的舒曼的效果,追求的完全是舒曼的内蕴。肯普夫的演绎是需要品味的演绎,它与霍洛维茨等演奏家的风格形成极鲜明的对比。

39.克莱因(Walter Klein 1928—)

奥地利钢琴家,在格拉茨音乐学院学钢琴,1951年在布索尼国际比赛中获奖,崭露头角,1952年到巴黎深造,1953年参加玛格丽特·隆一蒂博钢琴比赛获奖,从而奠定了演奏家地位。1953年后,与施奈德汉举行二重奏演奏会,其演奏的莫扎特钢琴奏鸣曲全集,获《企鹅》三星带花好评。

40.科奇什(Zoitan Kocsis 1952—)

匈牙利钢琴家,在布达佩斯李斯特音乐学院学习时,钢琴教师是卡多萨(Kadosa)、拉多什(Ra-dos)和库塔(Kurtag)。1970年获匈牙利国家电台举办的贝多芬作品比赛奖,1971年到美国举行独奏会,一举而成名。科奇什对节奏有极强的把握能力,其演奏有一种清新的感觉,其中音粒的效果和节奏跳跃的效果尤为迷人。他演奏的巴托克的钢琴小品和李斯特的钢琴小品最具特色。

41.康塔尔斯基兄弟(Alfons Aloys Kontarsky 1931一,1932—)

德国钢琴家,兄弟俩在科隆高等音乐学校同时从施密茨一戈尔(Schmitz—Gohr)和弗兰克(Frank)学琴,1955年一起转到汉堡音乐学院师从埃德曼(Erdmann)。1955年,兄弟俩在慕尼黑电台举办的国际音乐节获钢琴二重奏比赛一等奖,是德奥作曲家四手联弹钢琴作品的理想演绎者。

42.克劳斯(Lili Kraus.1905—)

美籍匈牙利女钢琴家,8岁进布达佩斯音乐学院师从科达伊与巴托克,1922年以优异成绩毕业后,到维也纳音乐学院师从施托伊尔曼和施纳贝尔深造,1925年在维也纳音乐学院任教6年后开始演奏生涯。25岁起与小提琴家戈登伯格合作二重奏,受欧洲乐坛注目。1942年日本占领印尼,她在爪哇演出,被逮捕囚禁3年,二战结束后,到新西兰定居,入新西兰籍。1948年起恢复旅行演奏,1968年入美国籍。施纳贝尔对克劳斯的评介是:“只有丽莉·克劳斯才是我真正的继承人。”克劳斯最著名的是演奏莫扎特的作品,但她演绎的莫扎特,以强韧、明快的触键表达,奏出了绚丽的彩虹般的色彩。海布勒因此而不同意她的诠释,认为她表现的是过于强健的莫扎特。

43.兰多芙斯卡(Wanda Landowska 1879—1959)

波兰女大键琴演奏家,钢琴老师是肖邦的学生米恰洛夫斯基,1900年到巴黎,与希伯莱民俗学权威列夫结婚。在丈夫帮助下,她积极钻研17—18世纪的音乐,专致于大键琴演奏艺术,她的突出贡献是复活了大键琴演奏艺术,在触健、指法、连奏、装饰音等方面加以发展,她录制的巴赫的《哥德堡变奏曲》与《十二平均律》,应该说最接近巴赫的神髓。

44.拉雷多(Ruth Laredo 1937—)

美国女钢琴家,据说是俄罗斯移民的后裔,1947年听霍洛维茨演奏后非常神往,而下决心以钢琴为职业。17岁入科蒂斯音乐学院拜鲁道夫·塞尔金为师,拉雷多受其丈夫——玻利维亚小提琴演奏家海默·拉雷多的影响,醉心于斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫的作品,她录制了斯克里亚宾的钢琴奏鸣曲全集和拉赫玛尼诺夫的钢琴作品全集,以明朗透明的抒情音色而获好评。

45.拉罗恰(Alicia Larrocha 1923—)

西班牙女钢琴家,5岁登台,11岁与马德里交响乐团合作协奏曲,被称为神童。她师从马沙尔学钢琴,1943年获马沙尔金牌奖,1947年开始巡回演奏,以演奏西班牙钢琴作品而闻名。拉罗恰1959年起担任巴塞罗那马沙尔音乐学院院长,1965年定居美国,80年代回西班牙,任西班牙皇家音乐学院院长。拉罗恰追求旋律表达的色彩绚丽,节奏的明快跃动,因此而成为演奏西班牙作曲家钢琴作品的权威。她演奏的阿尔贝尼斯、格拉纳多斯、法雅的作品,都是这些作品演绎的首选。

46.李帕蒂(Dinu Lipatti 1917—1950)

罗马尼亚钢琴家,其父是萨拉萨蒂的学生,其母是钢琴家,其教父是埃乃斯库。1928--1932年在布加勒斯特音乐学院学习,1934年参加维也纳国际比赛获二等奖,科尔托因此而抗议评判不公,愤而退席,并约李帕蒂到巴黎收为弟子。二战爆发,李帕蒂回罗马尼亚,1943年与未婚妻逃到日内瓦,原拟各地旅行演出,因患白血病未能实现。李帕蒂在声部层次、音色和分句处理上都有极迷人的魅力,可惜英年早逝。科尔托对这位钢琴演奏天才的评介是:“不管是莫扎特或巴赫,抑或是贝多芬和肖邦,他都具有能超越单纯的音符,表现出其精神意味的正确理解力。”李帕蒂留下的录音不多,每一张录音都是珍贵的遗产,不容错过。

47.玛格丽特·隆(Marguerite Long 1874—1966)

法国女钢琴家,早年在尼姆音乐学院学习钢琴,后到巴黎音乐学院师从马蒙泰尔,一年后获比赛一等奖,1906—1940年在巴黎音乐学院任教。1940年创办以她的名字命名的音乐学校,后蒂博参加,改为“玛格丽特·隆一蒂博学校”。由于她和德彪西、拉威尔、弗雷等有亲密的友谊,所以她对这些作曲家的解读有一定的权威性。

48.鲁普(Radu Lupu 1945—)

罗马尼亚钢琴家,6岁学琴,12岁登台演奏,他的钢琴老师穆济切斯库也是李帕蒂的老师,1963年获奖学金到莫斯科音乐学院在涅高兹班上学习。1966年获克莱本国际比赛奖,1967年获埃乃斯库比赛奖,1969年又获利兹国际比赛奖。鲁普的演奏追求音的微妙与流畅,在微妙的音中追求透明的阴影感;追求强音及它所造成的鲜明的明暗效果,强调动态与幅度。鲁普演奏的舒伯特、布拉姆斯及与戈尔德堡合作的莫扎特小提琴奏鸣曲最具特色。

49.马加洛夫(Nikita Magaloff l912—1992)

瑞士籍俄国钢琴家,6岁时全家迁往芬兰,4年后又迁居巴黎。马加洛夫就学于巴黎音乐学院,17岁得钢琴一等奖并获拉威尔的证明书,1949年入日内瓦音乐学院接替李帕蒂而任教。马加洛夫担任西盖蒂的伴奏,两人的合作在当时曾被称为绝配,后来他成为西盖蒂的女婿。马加洛夫以演绎肖邦作品而闻名,他演绎的肖邦,突出一种温和、自由、写意的抒情美,Philips公司重制有他录制的肖邦钢琴作品全集。

50.米凯兰杰里(Arturo Benedetti Michelangeli 1920—1995)

意大利钢琴家,10岁进米兰音乐学院师从安福西学钢琴,1933年毕业,1939年参加日内瓦国际钢琴比赛获一等奖后,波洛尼亚的马蒂尼音乐学院聘他当钢琴教授。二次大战中参军任意大利飞行员,曾成为德军的俘虏,后又戏剧性地逃脱。二次大战结束后,米凯兰杰里开始巡回演出,在各地引起轰动,1952年因患病不得不中断巡回演出,在意大利几个城市举办钢琴高级班。1964—1969年创办一所钢琴天才学校,专收世界各国最有才能的学生。1968年,他移居瑞士。米凯兰杰里是一个完美主义者,他对音色十分在意,没有人能奏出比他更完美的圆滑音阶、更响亮、有力的和弦或以更精致的触键与音调呈现更平衡的结构。他追求的是“管风琴和小提琴相结合”的那种音色,他又是公认的“音乐哲学家”,每一首曲子的演绎都有独到的曲速安排与分句设计。米凯兰杰里因为对演奏的效果的苛求,留下的唱片并不多,他的贝多芬的《皇帝协奏曲》是一生所有精髓的板至;他的德彪西展现出了顶尖绝妙的音色与层次;他的肖邦也是最有味道的肖邦。应该说,他录制的每一首作品,都呈现着别人难以企及的精致。

51.莫尔(Gerald Moore 1899—)

英国钢琴家,1913年全家移居加拿大,师从米歇尔·汉伯格,1919年回到英国,从1926年起专事给独唱演奏伴奏,许多著名的声乐艺术家都与他合作。他不但有优美的连奏、丰富的音色变化与巧妙的踏板运用,更主要的是可以自如地契合不同的演奏家,使伴奏和他们的演唱融为一体。

52.涅高兹(Heinrich Neuhaus 1888—1964)

乌克兰著名钢琴家,1902年首次登台,1904年到德国旅行演奏,后到维也纳音乐学院从戈多夫斯基学琴,回国后,1915年在彼得堡音乐学院毕业,从1922年起一直在莫斯科音乐学院任钢琴教授,培养出里赫特、吉列尔斯等一代著名钢琴家。他演奏的舒曼、肖邦、斯克里亚宾的作品脍炙人口。他的儿子斯塔尼斯拉夫·涅高兹(StanislavNeuhaus,1927一),1964年接替其父在莫斯科音乐学院任教,其录制的斯克里亚宾和肖邦的作品亦获好评。

53.尼古拉耶娃(Tat’yana Nikolayeva 1924—)

俄罗斯女钢琴家,在莫斯科中央音乐学校和音乐学院学习时,钢琴教师一直是戈登威泽,1947年从钢琴系毕业后又在戈鲁别夫班上学作曲。1950年参加莱比锡国际比赛,获巴赫作品最佳演奏奖,1955年被授予“人民艺术家”称号,1959年起在莫斯科音乐学院任教,1965年升为教授。尼古拉耶娃是一位情感强烈的钢琴家,她对热情与清晰的处理能达到极好的平衡。她所演绎的肖斯塔科维奇的《24首前奏曲与赋格》,可以说是最体现其水平的作品,而她录制的大量巴赫的作品,技术上无懈可击,却因情感过多地投入而赋予了过于丰富的表情。

54.诺瓦伊斯(Guiomar Novaes 1896—)

巴西女钢琴家,5岁时曾有音乐神童之称,巴西政府因其天赋突出,送她到法国留学,在巴黎音乐学院菲利替班上学习,1911年获音乐学院钢琴比赛一等奖,1912年起在世界各地举行个人演奏会而崭露头角。诺瓦伊斯的长处在于她的指法中表现出来的幻想与诗意,她因此而擅长演奏肖邦和舒曼。

55.奥伯林(Lev Oborin 1907—1974)

俄罗斯钢琴家,1921年在格涅辛音乐学校格涅辛娜(Gnesina)钢琴班毕业后,进莫斯科音乐学院,1926年在伊贡诺夫班上毕业,1927年参加华沙第一届肖邦国际比赛获一等奖,一举成名。其演奏风格朴素清晰而富表情,尤其是连奏技术极优美。他和奥伊斯特拉赫合奏的二重奏,是最佳搭档之一。

56.佩拉希亚(Murray Perahia 1947—)

美国钢琴家(有犹太血统),5岁开始学琴,海恩是他第一个老师,1966年进纽约曼纳音乐学院师从巴尔萨姆,1968年拜霍尔绍夫斯基为师。1972年参加利兹国际钢琴比赛获奖,从此开始扬名。佩拉希亚技巧精湛,演奏以细腻见长,追求线条明快和在细微处的层次展示。他演奏的莫扎特协奏曲有极高的评价,对门德尔松的协奏曲他也是最好的演绎者。但佩拉希亚不善于表达作曲家的幅度与力度,这可能与他较弱的气质有关。

57.皮雷斯(Maria—Joao Pires 1944—)

葡萄牙女钢琴家,4岁首次登台,6岁举行独奏会,被称为神童,9岁参加里斯本国际钢琴比赛获第一名,16岁在里斯本音乐学院毕业后在柏林参加国际青年钢琴比赛获第二名,同年在李斯特钢琴比赛获第一名。随后到慕尼黑留学,师从恩格尔继续深造,1970年纪念贝多芬诞生200周年,在布鲁塞尔举办的贝多芬钢琴比赛获第一名,从而受到瞩目。皮雷斯的演奏,音色极美,又善于在节奏与分句处理上表现出细微的变化,其演奏的莫扎特、肖邦,都极具魅力。她和杜梅、王建一起,已形成室内乐的最佳搭档,其演绎的室内乐作品有一种清新的美感。

58.波各雷里奇(Lvo Pogorelich 1958—)

南斯拉夫钢琴家,11岁进莫斯科中央音乐学校学琴,16岁入柴科夫斯基音乐学院师从蒂玛克希姆、戈尔诺斯塔耶娃、马里宁,接受严格的专业训练。1977年结识凯泽拉杰,在她指导下,在李斯特一西洛季学校显露锋芒。1978年在意大利泰尔尼举行的卡萨格兰德比赛中获奖。1980年与比他大20岁的凯泽拉杰结婚,婚后定居伦敦,同年参加蒙特利尔国际比赛获一等奖,参加第十届肖邦国际比赛,评委以他的演奏脱离肖邦原貌为由而将第一名授予他人,以致评委之一阿格里奇拂袖而去,也因此而使他一举成名。波各雷里奇的演奏,技艺高超,其触键和音质都极为迷人,但在演奏中强调效果,强化戏剧性与表情,因此极具特色同时也招致非议。他的演奏具极强的欣赏性,其表现的肖邦、舒曼尤其有独特的味道,其演奏的拉威尔的《夜之幽灵》和普罗科菲耶夫的《第六奏鸣曲》是评介最高的唱片。

59.波里尼(Maurizio Pollini 1942—)

意大利钢琴家,9岁登台,后师从维杜索,1959年毕业于米兰音乐学院,1957年在米兰演奏肖邦练习曲引起注意,1960年参加第六届国际肖邦比赛,获第一名,之后又拜米凯兰杰里为师继续深造,1972年起在基贾娜学院钢琴高级班任教。波里尼善于演奏幅度、力度较强的作品,比如贝多芬。他演奏的贝多芬,无论协奏曲与奏鸣曲,都洋溢着理性的光辉;他演奏的普罗科菲耶夫的奏鸣曲,如同滤去了浮躁的情感,与俄罗斯演奏家的演奏恰成对比。波里尼追求触键的准确、清晰,有“如在无菌室中培养出来的清洁”之称,因为追求理想而常常摒弃感性在演奏中的作用,所以他演奏贝多芬钢琴奏鸣曲的效果远不如吉列尔斯,表现的肖邦也往往过于“坚硬”而流畅、刚柔对比不够。

60.兰基(Dezzo Ranki 1951—)

匈牙利钢琴家,8岁开始学琴,1964—1969年在巴托克音乐学院师从马太,1969—1973年在布达佩斯音乐专科学校师从卡多萨与拉多什。1969年在舒曼国际比赛中获第一名,从此开始到各地巡回演出。演奏风格富于抒情性,他也录制了巴托克的全部钢琴作品,比科奇什的表现更为细腻。他和科奇什合作的四手联弹,往往能构成最出色的效果。

61.里赫特(Sviatoslav Richter 1915—1997)

克兰钢琴家,其父是管风琴师兼作曲家,里赫特幼年在父亲指导下自学,18岁在敖德萨歌剧院当合唱团助理指挥。1934年,因一次偶然机会,在敖德萨海员俱乐部第一次登台独奏,1937年22岁才进莫斯科音乐学院,在涅高兹班上开始正规的钢琴专业训练。1942年首演普罗科菲耶夫的《第六奏鸣曲》,声惊四座,后来又首演普罗科菲耶夫的第七、第九奏鸣曲,1949年获斯大林奖。1960年,里赫特在芬兰、纽约举行独奏会而开始轰动西方国家。有人把节奏感称为里赫特的注册商标,他的演奏是变化纷呈的节奏和强弱明暗的音色层次变化的结合。里赫特是一个钢琴诗人,他演奏的舒伯特与舒曼,是最诗意盎然的演奏;而他演奏的普罗科菲耶夫,又充分展示了他的力度与卓越的层次对比。里赫特演奏的李斯特的两首协奏曲,那种细腻的强弱、明暗对比,其境界别人难以达到;而他演奏的贝多芬奏鸣曲,充分展示了他的狂热与忧郁交错的斯拉夫民族的气质,极具特色。

62.罗惹(Pascal Roge 1951—)

法国钢琴家,4岁时在其母教导下接受严格的音乐训练,11岁进巴黎音乐学院,1966年获音乐学院钢琴比赛一等奖和室内乐一等奖,后又师从卡琴学习3年。1971年参加马格丽特,隆国际钢琴比赛获一等奖。罗惹是一位唯美主义者,他的演奏触键精致细腻,声音清澈透亮,在表现法国印象派作品时,其轻灵雅致、朦胧与虚幻的意境极为迷人,其诠释的圣桑、弗雷、萨蒂等人的作品,都极有意境。

63.鲁宾斯坦(Artur Rubinstein 1887—1982)

美籍波兰钢琴家,3岁就显露音乐才华,5岁登台,后被姐姐带到柏林,请约阿希姆听其演奏,约阿希姆称其日后必成大材,请巴尔特教其钢琴。10岁起,鲁宾斯坦随约阿希姆在欧洲各地演奏莫扎特等人的协奏曲。一次大战期间,因其能讲8国语言,曾在盟军司令部当翻译,与著名小提琴演奏家伊萨伊合作,经常举行演奏会。1932年与波兰指挥家兼作曲家姆利纳尔斯基的女儿结婚,婚后定居巴黎,并退出舞台,闭门钻研。1937年赴美,技艺大为成熟,被舆论公认为最杰出的钢琴家,二战爆发后全家定居美国洛杉矶,1946年入美国籍。鲁宾斯坦被称为“最正宗的肖邦”,他一生不断地录制肖邦的作品,使自己的气质与肖邦的气质真正合而为一。他的演奏有温暖亲切的抒情、敏锐的分句加上丰富的音色与浓郁的诗意的特色。除肖邦之外,他演奏的贝多芬、布拉姆斯和柴科夫斯基都注重于抒情性,有自己的特色。鲁宾斯坦不仅是杰出的钢琴家,也是杰出的室内乐大师,他与海菲茨、富尔曼及后采的皮亚蒂戈尔斯基组成的三重奏被称为“百万美元三重奏”,是本世纪最伟大的室内乐团之一。他还与“瓜纳里”四重奏团成员合作组成钢琴四重奏、五重奏,录制了大量优秀唱片。

64.席夫(Andras Shiff 1953—)

匈牙利钢琴家,5岁开始学琴,15岁在匈牙利电台举办的“发掘音乐天才”钢琴比赛中获第一名,同年入李斯特音乐学院学习,并在伦敦师从马尔科姆学习大键琴。1973年在匈牙利国家广播钢琴比赛中获第二名,1974年参加柴科夫斯基国际比赛获第四名,与同时代人兰基、科奇什一起被称为匈牙利钢琴三杰。席夫学过古钢琴,精心钻研斯卡拉蒂、巴赫、海顿等作曲家的分句技巧,其演绎的巴赫、海顿作品有清新、清秀的特点,音色极佳,充分发挥了现代钢琴的魅力,但其对巴赫的表达,内涵明显不足。

65.施纳贝尔(Artur Schnabel 1882—1951)

美籍奥地利钢琴家,7岁时全家迁往维也纳,1891—1897年从莱舍蒂茨基学琴,1900年在柏林定居,1905年与演唱舒伯特、舒曼、布拉姆斯作品的著名女中音贝尔(ThereseBehr)结婚,二三十年代,除举行独奏会外,频频与小提琴家胡贝尔曼、西盏蒂,大提琴家卡萨尔斯、富尔曼、富尼埃等举行室内乐演奏会。1927年,贝多芬逝世100周年,他在柏林演奏全部32首奏鸣曲,引起轰动。这之后,他1932年在柏林,1934年在伦敦又重演两次,编订了这32首奏鸣曲,成为演奏这32首奏鸣曲及《狄亚贝里变奏曲》的权威。施纳贝尔表现的贝多芬奏鸣曲织体的各个线条与结构中各种力度对比的处理,都达到完美的统一。他演奏的舒伯特,优美的抒情性和敏锐的节奏,也使各种因素达到完美无疵的地步。他晚年着力于莫扎特作品的表现,把莫扎特作品中的旋律线表现得特别有魅力。施纳贝尔1939年移居美国,1944年入美国籍。

66.塞尔金(Rudolf serkin 1903—)

美籍奥地利钢琴家,少年时在维也纳师从罗伯特学钢琴,12岁时与维也纳爱乐乐团演奏协奏曲,开始演奏生涯。17岁始崭露头角,与著名的布什室内乐团在柏林举行演奏会,并与布什举行奏鸣曲音乐会,演奏巴赫作品,1935年成为布什的女婿。1926年起在巴塞尔音乐学院任教,1936年到美国与托斯卡尼尼指挥的纽约.爱乐乐团合作,到美国定居,1939年入美国籍,任科蒂斯音乐学院钢琴系主任。塞尔金的演奏,触键敏锐,发音清晰透亮,有一种晶莹剔透的感觉。他的莫扎特和巴赫可谓最具魅力,在音粒的清新精致方面,其意境无人能及。塞尔金属于精致型的演奏家,在演奏贝多芬时气势与幅度不足,但处理的精致自成一体,他与卡萨尔斯合作的贝多芬大提琴奏鸣曲、与布什合作的一系列奏鸣曲和晚期与罗斯特罗波维奇合作的布拉姆斯大提琴奏鸣曲,都是这些曲目的经典。

67.图雷克(Rosalyn Tureck 1914—)

美国女钢琴家,11岁登台并与芝加哥交响乐团合作钢琴协奏曲,曾师从恰普莱,后考进朱利亚德音乐学院,在萨玛罗芙班上学习。1935年毕业后在纽约举行独奏会,演奏一系列巴赫键盘作品,因对巴赫音乐有深入研究,有演奏巴赫的专家之称。

68.内田光子(Mitsuko Uchida 1948—)

日本女钢琴家,早年师从松冈贞子学琴,1961年到维也纳与伦敦留学。1960年参加慕尼黑国际比赛获第四名,1966年获第三名,1970年参加贝多芬国际比赛获第一名、第八届肖邦国际比赛获第一名,1975年获利兹国际比赛第二名。内田光子以细腻的表达和灵敏的触健著称,她演奏的莫扎特奏鸣曲,有相当高的评介。

69.瓦萨里(Tamas Vasary 1933--)

瑞士籍匈牙利钢琴家,8岁在家乡德布勒森举行第一次演奏会,其父送他到布达佩斯,考入李斯特音乐学院,1948年参加李斯特国际钢琴比赛获奖后,开始巡回演出。1956年到布鲁塞尔,参加伊丽莎白国际比赛获奖后在日内瓦湖定居。瓦萨里是一个富于激情,又擅长用音色来表现感情的钢琴家,他演奏的肖邦、李斯特和拉赫玛尼诺夫都独具特色。

70.魏森伯格(Alexis Weissenberg 1929—)

法籍保加利亚钢琴家,保加利亚作曲家弗拉季格罗夫的弟子,1945年流亡到以色列,1946年考进朱利亚德音乐学校,从萨玛罗芙学琴。1947年参加列文特里特国际比赛获奖后多次举行协奏曲音乐会。1956年起为提高修养与技艺,息影乐坛10年之久,1966年复出在巴黎举行独奏会获巨大成功,卡拉扬因此与其合作录制一系列协奏曲,其演奏风格是宽阔幅度与精湛技巧的结合。魏森伯格的演奏曲目广泛,从巴赫到巴托克的作品无所不包,但最出色的还是与卡拉扬和柏林爱乐乐团合作的协奏曲。

71.朱可夫)Lgor Zhukov 1936—)

俄罗斯钢琴家,就学于莫斯科中央音乐学校,毕业后升入莫斯科音乐学院,先后在涅高兹与吉列尔斯班上学琴,1957年参加玛格丽特·隆一蒂博国际比赛获奖,从此引起乐坛注目。他是俄罗斯钢琴学派的典型代表,在演奏柴科夫斯基,尤其是类似《四季》这样的小品时独具魅力。

72.齐伯尔斯坦(Lilya Zilberstein 1965—)

俄罗斯女钢琴家,生于莫斯科,1971—1983年在格涅辛音乐学院从萨茨(AlexanderSats)学习,曾获多种国际比赛奖,并在世界各地广泛演出。她的演奏,在体现出色的技巧的同时,追求钢琴在力度与幅度上的表现力与音色的变化多端,演绎的李斯特、拉赫玛尼诺夫、穆索尔斯基等无懈可击,是目前俄罗斯学派钢琴家中的佼佼者。

73.齐默尔曼(Krystien Zimermann 1956—)

波兰钢琴家,在卡托维兹音乐学院雅辛斯基班上学琴,在学习期间,1973年参加贝多芬钢琴比赛获一等奖,1975年参加第九届肖邦国际比赛获一等奖。齐默尔曼兼具浪漫气质与精湛的技巧,其演奏的肖邦清新而最具特色,与伯恩斯坦、维也纳爱乐乐团合作的5首钢琴协奏曲也有相当高的评介。

  • 世界著名小提琴演奏家

尼科罗· 帕格尼尼(Niccolò Paganini,1782-1840 ,意大利)

内森·米尔斯坦 (Nathan Milstein 1904-1992,美籍俄国)

亨里克·维尼亚夫斯基(Henryk Wieniawski 1835 – 1880, 波兰)

莱奥波德·奥尔(Leopold Auer 1845-1930,匈牙利)

弗里茨·克莱斯勒(Fritz Kreisler,1875—1962,美籍奥地利)

乔治·埃内斯库(Georges Enescu,1881—1955,罗马尼亚)

亚沙·海菲兹(Jascha Heifetz,1901—1987,立陶宛)

大卫·奥伊斯特拉赫(David Oistrach,1908—1974,苏联)

耶胡迪·梅纽因(Yehudi Menuhin,1916—1999,美国)

艾萨克·斯特恩(Isaac Stern,1920—2001,美籍前苏联)

约舍夫?哈西德 (Josef Hassid,1923-1950)

列奥尼德·柯岗(Leonid Kogan,1924—1982,苏联)

米高·拉宾 (Michael Rabin,1936—1972)

萨尔瓦托雷·阿卡多(Salvatore Accardo,1941—,意大利)

约翰–杰克·康投侯福(Jean-Jacques KANTOROW,1945—)

伊扎克·帕尔曼(Itzhak Perlman,1945—,以色列)

平夏斯·祖克曼(Pinchas Zukerman,1948—,以色列)

安娜-苏菲·穆特 (Anne Sophie Mutter, 1963—,德国)

枸丹·尼柯利奇 (Gordan Nikolitch , 1968—)

  • 世界著名大提琴演奏家

马雷夏尔(Maurice Marechal,1892~1964)法国

马伊纳尔迪(Enrico Mainanll,1897~1976)意大利

瓦列芙斯卡(Christine Walevska,直944~)美国

卡萨多(Gaspar Cassado,1897~1966)西班牙

卡萨尔斯(Padlo Gasals,1876~1973)西班牙

让德隆(Maurice Gendron,1920~)法国

皮雅蒂戈尔斯基(Gregor Piatigorsky,1903~1976)美国

西尼格罗(Antonio Janigro,1918~)意大利

托特里埃(Paul Tortelier,1914~)法国

沙夫兰(Daniil Shafran,1923~)前苏联

纳瓦尔(Andre Navarre,1911~)法国

帕尔姆(Siegfried Palm,1927~)德国

罗斯(Leonard Rose,1918~)美国

佩雷尼(Perenyi Midios,1948~)匈牙利

泽尔海姆(Friedrich—JurgenSellheim,1948~)德国

哈勒尔(Lynn Harrel,1943~)美国

萨德罗(Milos Sadlo,1912~)捷克

斯塔凯尔(Starker Janos,1924~)匈牙利

奥涅格?亨利(Henri Honegger,1904~)瑞士

富尼埃(Pierre Fournier,1906~1986)法国

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大卫·波佩尔(捷克语姓名David Popper)(1843-1913) 捷克

巴保罗 卡萨尔斯(1876-1974),西班牙

卡萨多(1897-1966),西班牙

艾森柏格(1902-1972),美国

费尔曼(1902-1942)奥地利

皮亚蒂戈尔斯基(1903-1976),美籍俄罗斯

福尼埃(1906-1986),法国

克努舍维茨基(1908-1963)苏联

斋藤秀雄(1902-1974)日本

托特里(1914-1990 ),法国

纳瓦拉(1911-1988)法国

斯美塔那(SMETANA) 捷克

班达(BANDA) 匈牙利

让德龙 GENDON(1920-1991)法国

斯塔克尔(1924- ),匈牙利

夏弗朗 (1923-1997)前苏联

罗斯托罗波维奇(Mstislav Leopoldovich Rostropovich,1927-2007),俄罗斯杰出的大提琴家、指挥家,出生在阿塞拜疆巴库的一个音乐家庭,幼年从父母学习大提琴和钢琴,4岁学弹钢琴,七岁随父亲学琴,1940年13岁时首次作为大提琴家举办音乐会。1943年入莫斯科音乐学院学大提琴和作曲,二十岁获布拉格世界青年联欢节一等奖,1950年在布拉格举行的国际大提琴比赛中再次获得第一名,起常到国外演出,赢得世界声誉。1956年起任莫斯科音乐学院教授。1964年被授予前苏联“人民艺术家”称号。1968年首次以指挥家身份在莫斯科大剧院指挥柴可夫斯基的《叶普根尼·奥涅金》。 他的演奏音色浓郁、雄浑,极富于戏剧性的表现力,技术炉火纯青,任何难题都不在话下,几乎为所有大提琴保留曲目都录了音。既能为妻子维谢尼甫斯卡娅的独唱弹伴奏,也能指挥歌剧和交响乐的演出,而且还写了许多室内乐作品。1970年10月31日,他写信给《真理报》声援被流放的获得诺贝尔文学奖的亚历山大·索尔仁尼琴,被禁止演出,1974年他带妻子和两个女儿逃离苏联,后定居美国,1978年他们被剥夺苏联国籍,1990年1月被恢复俄罗斯国籍。

杰奎琳·杜普雷(1945-1987),英籍大提琴家。五岁即展现过人禀赋,十六岁开始职业生涯,才华与年龄的落差倾倒众生;1973年,被确诊罹患多发性硬化症,遂作别舞台,卒于盛年。 她演奏最多的一把大提琴叫大卫朵夫(Davidoff),代表作《埃尔加e小调大提琴协奏曲》,她的故事在1998年改编为电影《她比烟花寂寞》。

马友友(1955- ),当今世界最负盛名美籍华裔的大提琴家之一

哈诺依(1965- ),以色列

麦斯基 MAISKY(1948-)俄罗斯

  • 指弹吉他大师

1. Michael Hedges

2. Leo Kottke

3. Chet Atkins

4. Phil Keaggy

5. John Fahey

6. Adrian Legg

7. Merle Travis

8. John Renbourn

9. Bert Jansch

10. Tommy Emmanuel


11. Norman Blake

12. Doc Watson

13. Preston Reed

14. Laurence Juber

15. Martin Simpson

16. Don Ross

17. Nick Webb

18. Pierre Bensusan

19. Jorma Kaukonen

20. Sandy Bull

21. John Martyn

22. William Ackerman

23. Billy McLaughlin

24. Doyle Dykes

25. Steve Tibbetts

26. David Bromberg

27. Peter Lang

28. Kelly Joe Phelps

29. Tony Rice

30. Davy Graham

31. Alex deGrassi

32. Monte Montgomery

33. Muriel Anderson

34. Kaki King

35. Edward Gerhard

36. Bill Mize

37. Al Petteway

38. Peter Finger

39. Craig Chaquico

40. Greg Carmichael

41. Tim Reynolds

42. Pat Kirtley

43. Peter Huttlinger

44. Benjamin Woolman

45. Stephen Bennett

46. Richard Smith

47. Roy Harper

48. Martin Carthy

49. Peter Rowan

50. Sam Pacetti


51. Richard Leo Johnson

52. Stefan Grossman

53. El McMeen

54. Miles Gilderdale

55. Eric Tingstad

56. Brooks Williams

57. Doug Smith

58. Peter Ostroushko

59. Tommy Jones

60. D.R. Auten

61. Dirk Freymuth

62. Dan Schwartz

63. Peter Roller

64. Paul Geremia

65. Douglas Niedt

66. William Coulter

67. Tim Farrell

68. Arlen Roth

69. Joni Mitchell

70. Chris Smither

71. Andrew York

72. Richard Gilewitz

73. Gayla Drake Paul

74. Artie Traum

75. Robin Bullock

76. Thom Bresch

77. David Wilcox

78. Tracy Moore

79. Steve Baughman

80. Buster B. Jones

81. Robbie Basho

82. Peppino D'Agostino

83. Pat Donohue

84. Mike Dowling

85. Tony McManus

86. Dave Mallany

87. Tim Sparks

88. David Grier

89. Orville Johnson

90. Sean Harkness

91. George Villiers

92. Rick Ruskin

93. Greg Neaga

94. Dorian Michael

95. Charles David Alexander

96. Tom Long

97. Jerry Reed

98. Jim Earp

99. Kenny Sultan

100. Michael Dunn

  • 古典音乐大师(排名不分先后)

01. 巴赫 1685~1750 巴洛克 德国

02. 莫扎特 1765~1791 古典 德国

03. 贝多芬 1770~1827 古典 德国

04. 瓦格纳 1813~1883 浪漫 德国

05. 海顿 1732~1809 古典 德国

06. 勃拉姆斯 1833~1897 浪漫 德国

07. 舒伯特 1797~1828 古典/浪漫 德国

08. 舒曼 1810~1856 浪漫 德国

09. 亨德尔 1685~1759 巴洛克 德国

10. 柴科夫斯基 1840~1893 浪漫 俄罗斯

11. 门德尔松 1809~1847 浪漫 德国

12. 德沃夏克 1841~1904 浪漫 捷克

13. 李斯特 1811~1886 浪漫 匈牙利

14. 肖邦 1810~1849 浪漫 波兰

15. 斯特拉文斯基 1882~1971 20世纪 俄罗斯

16. 威尔第 1813~1901 浪漫 意大利

17. 马勒 1860~1911 浪漫 德国

18. 普罗科菲耶夫 1891~1953 20世纪 俄罗斯

19. 肖斯塔科维奇 1906~1975 21世纪 俄罗斯

20. 理查·施特劳斯 1864~1949 浪漫 德国

21. 柏辽兹 1803~1869 浪漫 法国

22. 德彪西 1862~1918 20世纪 法国

23. 普契尼 1858~1924 浪漫 意大利

24. 帕莱斯特里那 1525~1594 文艺复兴 意大利

25. 布鲁克纳 1824~1896 浪漫 德国

26. 泰勒曼 1681~1767 巴洛克 德国

27. 圣·桑 1835~1921 浪漫 法国

28. 西贝柳斯 1865~1957 20世纪 芬兰

29. 拉威尔 1875~1937 20世纪 法国

30. 安东尼奥·罗西尼 1792~1868 浪漫 意大利

31. 格里格 1843~1907 浪漫 挪威

32. 格鲁克 1714~1787 后巴洛克/古典 德国

33. 亨德密特 1895~1963 20世纪 德国

34. 蒙特威尔第 1567~1643 巴洛克 意大利

35. 巴托克 1881~1945 20世纪 匈牙利

36. 弗郎克 1822~1890 浪漫 法国

37. 维瓦尔第 1678~1741 巴洛克 意大利

38. 比才 1838~1875 浪漫 法国

39. 穆索尔斯基 1839~1881 浪漫 俄罗斯

40. 拉摩 1683~1764 巴洛克 法国

41. 福莱 1845~1924 浪漫 法国

42. 里姆斯基-柯萨科夫 1844~1908 浪漫 俄罗斯

43. 多尼采蒂 1797~1848 浪漫 意大利

44. 沃恩·威廉斯 1872~1958 20世纪 英国

45. 斯美塔那 1824~1884 浪漫 捷克

46. 约翰·施特劳斯 1825~1899 浪漫 德国

47. 韦伯 1786~1826 前浪漫时期 德国

48. 亚那切克 1854~1928 20世纪 捷克

49. 库普兰 1668~1733 巴洛克 法国


50. 鲍罗丁 1833~1887 浪漫 俄罗斯

——————————————————————

01. 巴赫----------------西方艺术的巨人


02. 莫扎特--------------最杰出的天赋音乐奇才

03. 贝多芬--------------强烈而激情的不朽咆哮者

04. 瓦格纳--------------最伟大的戏剧作曲家

05. 海顿----------------近乎不朽的交响曲和弦乐四重奏之父

06. 勃拉姆斯------------最纯正的浪漫主义交响曲和最顶尖的德国艺术歌曲作曲家

07. 舒伯特--------------古典/浪漫主义的钢琴和旋律的抒情天才,德国歌曲之王

08. 舒曼----------------浪漫主义的化身,歌曲、钢琴曲和交响乐的诗一般的大师

09. 亨德尔--------------巴洛克旋律专家,清唱剧天才

10. 柴科夫斯基----------俄罗斯卓越作曲,旋律大师

11.门德尔松------------浪漫主义神童,优美、典雅的钢琴曲和交响曲作家

12.德沃夏克------------在3位列入排行榜中居首位的捷克人,旋律家

13.李斯特--------------最优秀的钢琴家,交响诗的发明人

14.肖邦----------------钢琴之王

15.斯特拉文斯基--------20世纪最优秀的作曲家

16.威尔第--------------最受爱戴的歌剧作曲家

17.马勒----------------9首交响曲和歌曲作者

18.普罗科菲耶夫--------20世纪不协和音的俄罗斯人

19.肖斯塔科维奇--------苏维埃头号作曲家

20.理查·施特劳斯-------“新音乐”的先驱,9首著名交响诗的作者

21.柏辽兹--------------急进的浪漫主义者,交响曲问题专家

22.德彪西--------------第一位印象派作曲家,歌曲、钢琴和管弦乐作品

23.普契尼--------------威尔第以后的意大利歌剧大师

24.帕莱斯特里那--------文艺复兴时期天主教教堂音乐大师

25.布鲁克纳------------维也纳7位交响曲作曲家中的第6位

26.泰勒曼--------------巴洛克时期有3000部作品的大师

27.圣·桑---------------法国极具魅力的歌剧和交响诗作者

28.西贝柳斯------------最早的芬兰作曲家,不仅是民族主义者

29.拉威尔--------------优雅而严谨的法国人,通常与印象派德彪西合作

30.安东尼奥·罗西尼--------------威尔第前与唐尼采第同为意大利歌剧大师

31.格里格--------------挪威头号作曲家、民族主义者

32.格鲁克--------------后巴洛克/古典主义歌剧改革家

33.亨德密特------------20世纪5位“新音乐”不协和音作曲家之一

34.蒙特威尔第----------巴洛克时期和声学的“现代主义者”、第一位歌剧作曲家

35.巴托克--------------匈牙得20世纪不协和音作曲家

36.弗朗克--------------和蔼、心灵美,歌曲、清唱剧、交响曲等的作者

37.维瓦尔第------------巴洛克时期小提琴多产作曲家

38.比才----------------《卡门》等少数几部作品的作者

39.穆索尔斯基------------最彻底的民族主义和最无畏的俄罗斯民族主义者

40.拉摩----------------法国早期头号拨弦古钢琴天才

41.福雷----------------怡人的法国歌曲和室内乐作者

42.里姆斯基-柯萨科夫------------俄罗斯民族主义者中最有艺术素养的人

43.多尼采蒂------------威尔第之前意大利歌剧界中仅次于罗西尼的人

44.沃恩·威廉斯---------20世纪英国民族主义者

45.斯美塔那------------捷克民族主义音乐的奠基人

46.约翰·施特劳斯-------------圆舞曲之王

47.韦伯----------------第一位真正的浪漫主义者,联接格鲁克和瓦格纳的德国歌剧作曲家

48.亚那切克------------20世纪捷克人,3位入捷克人中最有现代色彩者

49.库普兰--------------法国巴洛克时期拨弦古钢琴大师

50.鲍罗丁--------------音调优美的俄罗斯民族主义者

  • 世界著名交响乐团

转自:世界交响乐团排行榜

最近,国际音乐评论家们选出了全球最著名的20个交响乐团,德国乐团的整体表现优异,综合排名第一。

这个排行榜主要是由专业人士评选出来的,主要评委为音乐评论家。其结果公布在英国著名的古典音乐杂志《留声机》(Gramophone)上。来自拉脱维亚的指挥马里斯-杨颂斯(Mariss Jansons)无疑是此次排行榜中最出风头的一位,他带领的阿姆斯特丹音乐会堂乐团(Concertgebouw-Orkest Amsterdam)出人意料地荣登榜首。而他的第二块勋章则来自德国的慕尼黑巴伐利亚广播交响乐团(Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks),杨颂斯同时兼任该乐团的首席指挥,该乐团在此次评选中获得最佳形象奖。

从榜单中可以看出,德国不愧为一个具有悠久文化和音乐传统的国度:在20个入围乐团中便有4个来自德国——这个巴赫和贝多芬的故乡——古典音乐的家园。

西蒙-拉特(Simon Rattle)爵士自2002年起任柏林爱乐乐团的指挥,这支蜚声国际的乐团在本次评比中获得全球第二。它在竞争中战胜了老牌竞争对手维也纳爱乐乐团。

除柏林爱乐和巴伐利亚广播交响乐团外,萨克森州德累斯顿国家管弦乐团(Staatskapelle Dresden)和莱比锡格万特豪斯管弦乐团(Gewandhausorchester Leipzig)也跻身排行榜。冠军联盟的桂冠落在德国头上,因为除了德国之外没有哪个国家整体上有如此多的乐队进入排行榜。

世界前20名最佳交响乐团:

乐队和首席指挥

1. 音乐会堂乐团,阿姆斯特丹 - 马里斯-杨颂斯

2. 柏林爱乐乐团 - 西蒙-哈特

3. 维也纳爱乐乐团 - (缺)

4. 伦敦交响乐团 - 瓦列里-格吉耶夫(Valery Gergiev)

5. 芝加哥交响乐团 - (目前缺)

6. 巴伐利亚广播交响乐团,慕尼黑 - 马里斯-杨颂斯

7. 克里夫兰管弦乐团 - 弗朗兹-威尔瑟-莫斯特(Franz Welser-M?st)

8. 洛杉矶爱乐乐团- 艾萨-贝加-萨罗蒙(Esa-Pekka Salonen)

9. 布达佩斯节日乐团(Festivalzenekar)- 伊万-菲舍尔(Iván Fischer)

10. 德累斯顿国家管弦乐团 - 法比奥-路易斯(Fabio Luisi)

11.波士顿交响乐团 - 詹姆士-列文(James Levine)

12. 纽约爱乐乐团 - 洛林-马泽尔(Lorin Maazel)

13.圣弗朗西斯科管弦乐团 - 迈克-提尔森-汤姆斯(Michael Tilson Thomas)

14. 圣彼得堡马林斯基剧院管弦乐团 – 瓦列里-格吉耶夫(Valery Gergiev)

15. 莫斯科俄罗斯国家管弦乐团–米哈伊尔-普列特涅夫(Mikhail Pletnev)

16. 圣彼得堡爱乐乐团–居里-泰密卡诺夫(Juri Temirkanow)

17. 莱比锡格万特豪斯管弦乐团–里卡多-夏伊(Riccardo Chailly)

18. 大都会歌剧院乐队–詹姆士-列文(James Levine)

19. 日本斋藤纪念乐团–小泽征尔(Seiji Ozawa)

20. 捷克爱乐乐团–(缺)

另:在2006年,法国《音乐世界》举办过一次类似的评选,当时评选的是欧洲十大乐团。参见如下:

  1.维也纳爱乐乐团(86票)

  2.荷兰阿姆斯特丹音乐厅管弦乐团(85票)

  3.柏林爱乐乐团(79票)

  4.伦敦交响乐团(55票)

  5.德累斯顿国立歌剧院管弦乐团(48票)

  6.巴伐利亚广播交响乐团(47票)

  7.莱比锡格万德豪斯管弦乐团(37票)

  8.圣彼得堡爱乐乐团(31票)

  9.捷克爱乐乐团(12票)

  10.爱乐乐团(9票)

中国交响乐团排名20强完全版名次---乐团名称----------所属城市----评级----首席指挥

1)中国爱乐交响乐团-------北京------A++-------余隆

2)上海交响乐团-----------上海------A++-------陈燮阳

3)中央歌剧院交响乐团-----北京------A++-------客席

4)广州交响乐团-----------广州------A++-------余隆

5)中国国家交响乐团-------北京------A+--------陈佐湟

6)上海爱乐乐团-----------上海------A+--------李顺咏

7)中央芭蕾舞团管弦乐团---北京------A+--------李心草

8)山东交响乐团-----------济南------A---------徐学敏

9)浙江省交响乐团---------杭州------A---------张国勇

10)哈尔滨交响乐团---------哈尔滨----A---------客席

11)北京交响乐团-----------北京------B+--------谭利华

12)中国电影交响乐团-------北京------B+--------客席

13)深圳交响乐团-----------深圳------B+--------俞峰

14)厦门爱乐管弦乐团-------厦门------B+--------郑小瑛

15)武汉交响乐团-----------武汉------B---------客席

16)辽宁省交响乐团---------沈阳------B---------客席

17)长春电影交响乐团-------长春------B---------客席

18)广东省交响乐团---------广州------B---------客席

19)河北省交响乐团---------石家庄----B---------客席

20)湖南省交响乐团---------长沙------B---------客席

  • 世界著名指挥家

1.阿尔图罗-托斯卡尼尼(Arturo Toscanini)

意大利指挥家,大提琴演奏家。

九岁入帕尔马音乐院学大提琴和作曲,1886年成为里约热内卢歌剧院的大提琴演奏者,代理指挥演出了《阿伊达》博得好评,从此就任正式指挥。同年返回意大利,在特里诺和米兰以指挥歌剧新作和瓦格纳的歌剧而著名。他是从瓦格纳浪漫主义指挥学派向强调客观性的现实主义指挥学派过渡的奠基人。他竭力主张总谱是指挥家唯一的遵循原则,应最大限度地忠实于原谱,最大限度地表现原谱。他的指挥特点以感情浩瀚、壮阔及风格多样而著称。他善于把作者的意图丝丝入扣地传达给听众,他的座右铭是:“我不要听那些音符,问题在于音乐的意义,在于音响的灵魂。”另外,作为一名大提琴演奏家,他对自己的演奏要求严格,力求表现得尽善尽美,其风格简洁明快,富于歌唱性,有鲜明的个性与活力。他擅长记忆乐谱,有“过目不忘”的本领。

2.布鲁诺-瓦尔特(Bruno Walter)(1876.9.15-1962.2.17)

德国美籍指挥家、钢琴家、作曲家。

瓦尔特的艺术有三点似乎尤为突出,即稳重的仪态、自由速度与和声效果。他反对指挥夸张的体态活动和指挥动作。他指挥时好像不是依靠双手的动作,而是通过眼神和面部表情来协调整个乐队。他很重视乐队队员的情绪,并善于发现他们每个人的表演才能,从而充分调动每个演奏员的积极性。瓦尔特不仅坚持不懈地追求理想的音响,而且他有办法使乐队奏出他所追求的理想音响。他不是一位独裁者,而是一位教师,他强调完美的表演是乐队和指挥共同的成果。在指挥要求的所有要点得以保证的基础上,他留给乐队成员以自由发挥的空间,他不是通过强加的方式实现自己的理想,而是采用启发、引导、培育的方式使完美的声音从乐队成员内心自然流淌出来。他反对不加排练就匆匆上场。他坚持即兴发挥必须建立在扎实的排练基础之上。

3.列奥波尔德-斯托科夫斯基(Leopold Stokowsky)

美籍英国指挥家。生于伦敦。父为波兰人,母为爱尔兰人。学于牛津大学女王学院及伦敦皇家音乐学院。后又去巴黎及慕尼黑深造。1905年去美国,曾在教堂任管风琴手兼合唱指挥。1908年在辛辛那提交响乐团任音乐指导。1912年,应聘为费城交响乐团任音乐指挥,将该团训练成为以音响绚烂华丽、效果丰富多彩而著称的乐队。组织过全美青年交响乐团、纽约市交响乐团和美国交响乐团。他从1917年开始录制唱片,1929年开始作广播演出,后来又在电影里演出,并作有巴赫、德彪西等作品的乐队改编曲。1940年担任迪斯尼的《幻想曲》(Fantasia)音乐指挥及演员,该片将音乐和动画结合在一起。

4.威尔海尔姆-富尔特温格勒(Wilhelm Furtwangler)

德国指挥家。起初在朱里赫与斯特拉斯堡任指挥,后历经柳伯克、曼海姆等地,1920年应聘为柏林爱乐乐团指挥。富尔特文格勒的指挥特点是:一登上指挥台,就处于一种忘我状态,时而吟唱,时而面目动情,时而踏足,时而闭上双眼……奇怪的是,乐队成员会情不自禁地与他一同作出反映。他的指挥富有催眠术般的魔力,听他指挥演出时,听众好像看不到乐队,而会全神贯注到令人迷醉的音乐中。在指挥旋律时,他不赞成有棱有角地拍击,认为那样会破坏旋律的流畅性。在他的指挥中始终保留着瓦格纳浪漫主义指挥学派的主观因素,因此他属于典型的浪漫主义学派指挥家。他指挥的曲目广泛,气势雄厚,是德国优秀指挥家中具有代表性的一位。

5.尤金-奥曼蒂(Eugene Ormandy)

美籍匈牙利指挥家,小提琴家。五岁时便以小提琴神童进入布达佩斯国立音乐学院,十七岁就成了国立音乐学院的教授。1920年拿起指挥棒,开始专攻指挥。1928年入美国籍,此后陆续指挥了纽约爱乐交响乐团及费城通俗管弦乐团的一系列音乐会获得成功。1931年成功地指挥了费城音乐剧院的演出后,当即被聘请为明利亚波利斯交响乐团常任指挥达五年之久。自1936年起,任费城交响乐团音乐指导及第四代指挥。此后在该团度过了四十多年的指挥生涯,并与该团录制了四百余张唱片。他尊重古典传统,主张坚实浑厚而又细腻的演奏风格,使费城交响乐团取得了辉煌的成就。他不仅以擅长背谱指挥而闻名,而且有惊人的阅读和理解总谱的才能。他曾得到美国政府、总统以及其它各个国家所颁发的各种嘉奖,并获得十七所主要大学与音乐学校的荣誉博士学位。

6.赫伯特-冯-卡拉扬(Herbert Von Karajan)

卡拉扬最擅长的是浪漫主义时期的德奥作曲家的作品,如:贝多芬、勃拉姆斯、门德尔松、舒曼、瓦格纳、布鲁克纳、马勒、理查-施特劳斯。另外,对于近现代作曲家,如:德彪西、拉威尔、西贝柳斯、尼尔森、肖斯塔科维奇,他都有着非常精彩的演绎。

卡拉扬一生追求完美,不论是技术还是艺术。技术方面,他经常参与录音和拍摄;艺术方面,他通常把惯演曲目录上数遍,并亲自参与导演。卡拉扬指挥过世界最顶尖的乐队,如维也纳爱乐乐团、米兰斯卡拉歌剧院乐团等。

7.雷昂纳德-伯恩斯坦(Leonarel Bernstein)

美国指挥家、作曲家。曾就学于哈佛大学和柯蒂斯音乐学校。

伯恩斯坦最有研究的是马勒的作品,堪称为“马勒专家”。他的指挥风格理智而直率,并富有时代精神。他认为“真正的指挥应该是这样:他们以身体的动作代替语言,对乐队来说,指挥必须运用这种方法来表现他所要求的东西。”在激动时或处理高潮时,他甚至会跳起来。伯恩斯坦最大的特点是能够把自己的感觉全部表现出来。

8.克劳迪奥-阿巴多(Claudio Abbado)

克劳迪奥-阿巴多(Claudio Abbado,1933-),当代著名的意大利指挥家。自幼接受音乐教育,并就学于威尔第音乐学院学习钢琴和作曲,十岁起就曾研究指挥法,并指挥过室内管弦乐队。1958年在美国库赛维斯基国际指挥比赛中获奖,后在维也纳音乐学院随名家深造,1963年又在米特洛波劳斯国际指挥比赛中获奖,加之在萨尔兹堡音乐节上成功地指挥了维也纳爱乐乐团,使他一举成名。1969年被聘为斯卡拉歌剧院的音乐指导,1971年又与不设常任指挥的维也纳爱乐乐团订立了终身契约,并以首席指挥的身份积极筹办演出活动。

阿巴多的指挥富有生气、明快流利,具有意大利素质。他对交响乐队了如指掌,得心应手,善于抓住音乐中最本质、最基本的东西,从而得心应手地控制整个乐队的演奏。他指挥的意大利歌剧堪称一绝,在当代指挥家中是无与伦比的。

9.小泽征尔(Seiji Qzawa)

小泽征尔是一位指挥技巧极高的指挥家,在指挥时,他的双臂运动得非常平衡和流畅,但其中却能使人十分清晰地感觉到节奏的律动,他的这种具有超脱意境的双臂运动,大概是从他的老师明希那里学来的,当年明希在教他时,总是强调他要双臂放松,手要有一种飘在上面的感觉,并告诫他说,“当你的心灵深处真正感到了音乐时,你的手也就会跟着动起来。”

小泽征尔是一位指挥曲目广泛的指挥大师,几十年来,他指挥的作品可谓包罗万象,其中有着众多不同时代和不同风格的作品,但从总的方面来看,他对于浪漫主义作品和现代主义作品有着更加出色的演释能力,在浪漫主义作品中,他对于以柴科夫斯基为首的俄国音乐以及以柏辽兹、拉威尔为首的法国音乐有着尤为突出的解释,例如,在指挥法国作品方面,他很早就有着“柏辽兹作品指挥专家”的美誉。而对现代主义作品方面,他则十分擅长于斯特拉文斯基、格什温、奥涅格及第二维也纳乐派作曲家等人的作品。另外,小泽征尔也是东方音乐杰出的演释者,尤其是对于日本作曲家的作品,他的演释是最具权威性的,在这些作曲家的作品中,他最为擅长的是武满彻、黛敏郎和小山清茂等人的作品,对于这些作品,他曾广泛地在世界各地进行演奏,并且还将其中的许多作品灌制了唱片。他在这方面的出色成绩,为在全世界传播日本音乐艺术起到了很大的推动作用。

小泽征尔是20 世纪指挥史上的一位指挥奇才,他是那种非常善于利用自己的技巧和风格来使乐队发挥潜力和形成辉煌音响效果的指挥家,同时,他也是一位十分善于用自己的情感来揭示作曲家的作品内容的杰出大师。他对待艺术的严肃认真的态度和勤奋追求的刻苦精神,的确是很多人都望尘莫及的,当人们看到站在指挥台上的,以自己全身心的热情投入在音乐意境中的小泽征尔时,没有人不是从心底里对他产生钦佩之情的,当他拿起指挥棒开始指挥乐队演奏时,他身上的每一个部位和每一根神经都会被音乐所驱动,而代之以来的便是那从他的指挥棒下流淌出的美妙而动人的音乐。

10.祖宾-梅塔(Zubin Mehta)

印度籍犹太人指挥家。

祖宾-梅塔1936年出生于印度孟买的一个音乐世家,父亲梅万-梅塔是一位出色的小提琴手、小提琴教师和指挥家、孟买交响乐团和弦乐四重奏团的创始人。祖宾-梅塔7岁时就受到了正规的小提琴和钢琴教育,所以他很小的时候已经对欧洲音乐非常熟悉。作为父亲的学生,他16岁的时候就指挥了孟买交响乐团。可是他遵循父母的意愿,去学习医学。但上了两个学期的课之后,他就转投到音乐的怀抱中了。18岁的时候他去了维也纳音乐学院学习钢琴,作曲。在汉斯-斯瓦洛夫斯基底下完成了指挥的学业。

  • 音乐风格(摘自百科)

即曲风。音乐风格是指在音乐范畴中各种音乐要素——曲调、节奏、音色、力度、和声、织体和曲式等富有个性的结合方式,但主要指的是曲调。这些要素的特殊结合方式能产生一种显著的或独特的音响。而且,我们还能谈论一位作曲家的音乐风格,一个作曲家团体的风格以及一个国家民族或历史上某一个时期的音乐风格。在世界的某一地域或大约同一时期的某些作曲家所创作的作品经常有相似的风格,但是各个作曲家运用同样的音乐语言也能形成个性化的表现方式。

音乐风格随着历史时期的更替而不停地改变着,但是这些改变是持续的,这样,任何一个风格时期与另一个风格时期的分界往往很模糊。虽然也存在一些突然的转折点,但哪怕最革命性的新风格也经常在早一些的作品中有所预示,很少有完全割裂以往传统的风格变化。

  • 古典音乐

中世纪音乐

人们所惯称的“中世纪”跨越了一千年的欧洲历史。这个历经“黑暗时代”的时期大约始于450年。社会的所有阶层都受罗马天主教会的强有力的影响。正如天主教统治着中世纪人们的心灵和思想,在音乐生活也占据支配地位。大多数重要的音乐家都是牧师,并且都为教会工作。成千上万的教堂中一个最重要职业就是礼拜式的演唱。正是由于教会的这种显要的地位,几个世纪以来只有宗教音乐被记录保留下来也就显得不足为奇了。

大多数中世界音乐(450~1450),都是声乐。大约在1100年后,乐器在教堂音乐中的运用逐渐增多。其中最主要的就是管风琴。

几个世纪以来,西方音乐以只有一条单独旋律的单声部音乐为基础。在700年至900年间的某个时期开始出现了一场导致西方音乐转变的革命——在格里高利圣咏之下加上第二条旋律线。起初第二条旋律线是即兴的,并没有记下来,两条旋律线以四度或五度的音程分开,一音对一音地平行运动。这种音乐即称为奥尔加农。

在900~1200年间,奥尔加农演变成为真正的复调音乐,并且附加旋律不再严格的与圣咏平行,变得更为独立。

1150年以后,欧洲思想与艺术之都的巴黎称为复调音乐中心。巴黎圣母院连续两任唱诗班指挥莱奥南和佩罗坦,都是最著名的作曲家。他们和他们的追随者被称为"巴黎圣母院乐派"。

Gregorian Chant

这是在罗马天主教会的正式礼拜仪式中所唱的圣歌,起源于中世纪的罗马天主教会。当时有位教宗叫格林高利一世(Gregorius Magnus,任职期间公元590~604),他曾将这些圣歌编辑成册,因此后世人称其为“格林高利圣歌”。

Gregorian Chant具有以下特征:歌词全是拉丁文,是无伴奏、无和声的单一旋律线,节奏非常自由,采用不同于“大小调系统”的调式音阶,同时还具有客观的、非个人的与超世俗的性质。这种圣歌音乐与礼拜仪式密不可分,它们可算是“功能性的音乐”,亦即具有特殊功用的音乐,不具娱乐价值。它们主要旨在表达歌词的宗教内涵,而不注重官能美感或情感诉求。但有趣的是,中世纪许多俗乐与民谣却改编自格林高利圣歌的曲调。

文艺复兴时期

像在其他领域的艺术,音乐的范围得到较大的扩展。作曲家和演奏家的数量同样有较大增长。

如同过去,音乐家活动于教堂、宫廷和城镇。教堂仍是重要的音乐赞助者,但是音乐活动逐渐转向宫廷,音乐家也拥有比以前更高的身份获得更高的报酬。

在文艺复兴时期音乐(1450~1600)的音乐中,若存在着宽阔的感情内涵时,却也经常以一种中庸、平衡的方式表达,其间没有相应的力度。音色或节奏的极度对比。

尽管当时乐器仍从属于声乐,但其间已变得更为重要。然而在16世纪,乐器越来越脱离声乐的羁绊更多的音乐是特意为乐器而写的。

巴洛克音乐

巴洛克(Baroque)一词本义是指一种形状不规则的珍珠,在当时具有贬义,当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低,但现在,人们已经公认,巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。

巴洛克音乐(1600~1750)作品往往表达一种基本情绪:那些以轻快开始的必以轻快贯穿全曲。相对于这种单一情绪的巴洛克原则,最初的例外出现在声乐作品。巴洛克音乐中情绪的一致性首先由持续的节奏型所表现,旋律同样形成一种连贯统一的感觉,与之相呼应的是前后一致的力度层次:在某个时间片段内,音量趋向于保持一致。

最重要的两位巴洛克作曲家是乔治·弗里德里克·亨德尔和约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(J.S.Bach)。1750年J.S.巴赫的去世标志着这种风格音乐时代的结束。

古典主义音乐

Classical Music,中文翻译为“古典音乐”。有人认为"古典"给的感觉有古董、古板的味道,故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义:to be in traditional and serious style,而称之为“严肃音乐”。于是,“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子,让人更不敢靠近。

但下此定义的人一定没有好好查字典,因为“serious”的第二条义项是这样给出定义的:(指书、音乐等)启发思考的,不仅为消遣的。

因此我们知道原来古典音乐(1750~1820)不同于流行音乐的地方是它内涵深刻,能发人深思,更能使人高尚,免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释:music that people consider serious and that has been popular for a longtime(发人深省并且长期流行的音乐)。

可见,“古典音乐”是历经岁月考验,久为传诵,为众人喜爱的音乐。如此看来,译成”经典音乐“的确更妥当一点。只是大家都说惯了,要改口总觉得别扭,还是称其为”古典音乐“吧,要怪只怪当时第一个翻译的人,怎么没想到“古典”会带来这么多的误解。还好,没有意译成”严肃音乐“,否则真的是要贻笑大方了。

当我们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特的音乐时,它带给我们的不仅仅是优美的旋律,充满意趣的乐思,还有最真挚的情感,或宁静、典雅,或震撼、鼓舞,或欢喜、快乐,或悲伤、惆怅......

PS:Classical Music:(of music) written in a Western musical tradition,usually using an established form (for example a SYMPHONY) and not played onelectronic instruments. Classical music is generally considered to be seriousand to have a lasting value.(引自《牛津高阶(第6版)》)

参考翻译:(关于音乐)以一种西方音乐传统创造,常使用确定的格式(比如:交响乐)。且不用电子乐器演奏。古典音乐通常引人深思,并且历久弥新。 Classical指西方古典的,传统的;Classic指经典的,优秀的。

浪漫主义音乐

浪漫主义音乐(1750~1820)是古典主义音乐的延续和发展,是欧洲音乐史上的一种音乐风格或着一个时代。浪漫主义风格音乐注重情感和内容的表达,打破古典主义音乐时期的种种形式上的束缚。

贝多芬是古典主义音乐的终结者,也是浪漫主义音乐的先行人,浪漫主义音乐抛弃了古典音乐的以旋律为主的统一性,强调多样性,发展和声的作用,对人物性格的特殊品质进行刻画,更多地运用转调手法和半音,浪漫主义歌剧的代表是韦伯,音乐的代表是舒伯特。

浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向,在法国出现了柏辽兹,意大利有罗西尼,匈牙利的李斯特,波兰的肖邦和俄罗斯的柴科夫斯基。浪漫主义音乐终结在瓦格纳和勃拉姆斯时代。

印象主义音乐

印象主义音乐时期大约在19世纪末20世纪初期之间,是与印象主义运动同时期的音乐风格。印象主义音乐已经不像浪漫主义时期的音乐那样强调主观情感的表现,而是更注重氛围和色彩的营造,以呈现出一种抽象、超现实的色彩,成为进入现代音乐的开端。印象主义音乐给人以朦胧、扑朔迷离的感觉,暗示性较重,创作题材常取自于自然景物和诗画等题材。德彪西和拉威尔是印象主义音乐中的代表人物。

表现主义音乐

表现主义音乐是否划分到古典音乐尚未定论。这种盛行于20世纪初期的音乐形式与传统的音乐完全相反,表现主义音乐忽视音乐创作总的各种调性规律,并且反对印象主义的客观性,主张更直接表现人类的精神世界,这种音乐是以表现主观的自我为主体的。表现主义的音乐无调可言,节奏和旋律都难以捉摸,让人感觉焦躁、疯狂、恐惧和不安,但是却拥有一种奇特的空间感和绚丽的色彩。表现主义音乐的代表人物是勋伯格以及他的两个学生韦伯恩和贝尔格。

新古典音乐

新古典主义音乐盛行于20世纪20年代末,这种音乐形式主张音乐的创作应该保持客观性和严肃性,主张以浪漫主义的手法集成古典音乐的形态。新古典主义音乐不但否定浪漫主义音乐的主观性,也否定后浪漫主义的夸张表现,而希望以现代的手法再现出古典时期音乐。意大利钢琴家、作曲家布索尼,俄国作曲家斯特拉文斯基等是新古典主义的代表人物。

具体音乐

所谓“具体音乐”就是将日常生活中存在的实际声响,如风声、雷声、鸟鸣、狗吠、机车鸣笛、飞机轰隆等等事先录好,然后编排,剪辑而成的音乐,这种不用人来演奏的音乐于1948年10月在巴黎首次播出。这种音乐的产生与录音技术的发展紧密联系着。首创者是法国国家电台的无线电工程师舍费尔,其代表作有《黑色练习曲》、《铁路练习曲》、《炖锅练习曲》、《紫罗兰练习曲》、以及他与亨利合写的《单人单响曲》、《暖昧协奏曲》、歌剧《奥菲欧》等。德国、美国、日本等国均有人从事这类音乐的创作。

偶然音乐

偶然音乐又称“机会音乐”,就是在音乐中引入偶然因素。这种音乐的突出特征是不确定性和偶然性,它采取掷硬币、摇签子、卜卦等手段由演奏者将作品的段落任意组合顺序、任意确定音高、长短、音色、力度。偶然音乐的作曲家不再采用传统的记谱法,他们各自选用音乐符号并加以说明这类作品无具体结构和形象、无调性,只是偶然的音响效果。

偶然音乐首先是在美国兴起的,最著盛名的是美国作曲家凯奇。他的代表作有《变化之乐曲》、《钢琴管弦乐队协奏曲》、《幻想景色》以及钢琴曲《4分33秒》等德国作曲家斯托克豪森的木管五重奏《节奏》、《钢琴片断》、《一个打击乐器演奏者的套曲》、《三个演奏者的叠句》等,也是偶然音乐中有影响的作品。

  • 流行音乐

乡村音乐

这个名字是20世纪20年代在美国出现的,它的源流很广。那时歌曲的内容,除了表现劳动生活之外,厌恶孤寂的流浪生活,向往温暖、安宁的家园,歌唱甜蜜的爱情以及失恋的痛苦等都有。

在唱法上,起先多用民间本嗓演唱,形式多为独唱或小合唱,用吉他、班卓琴、口琴、小提琴伴奏。

乡村音乐的曲调,一般都很流畅、动听,曲式结构也比较简单。多为歌谣体、二部曲式或三部曲式。

爵士

爵士乐由民歌发展而来,有多种源头,不易仔细考证。19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。从19世纪末开始,爵士乐以英美传统音乐为基础,混合了布鲁斯、拉格泰姆及其它音乐类型,是一种“混血”的产物。美洲的黑人音乐保存了大量非洲特色,节奏特色明显,而且保留了集体即兴创作的特点。这种传统与新居住地的音乐——大部分是声乐——结合起来,结果诞生的不仅仅是一种新的声音而是一种全新的音乐表达形式。

摇滚

究竟什么是摇滚呢? 长头发、皮夹克、破了洞的牛仔裤……也是,也不是; 吉他、贝司、鼓……也是,也不是; Elvis Presley、The Beatles、Bob Dylan、Nirvana……也是,也不是;年轻的自由、荷尔蒙的冲动、离经叛道……也是,也不是;节奏、歌词、旋律、梦想、真实、感觉、狂野、信仰、力量、愤怒……也是,也不是;…… 其实这些相关的联想只是一些表相,对于真正的摇滚文化,对于遮藏在这些“皮相”之下的“核”,你是否有兴趣去了解呢?从最纯粹的形式来讲,所谓摇滚,就是三和弦加强硬持续的鼓点加上口的旋律。摇滚不仅是一种音乐形态,实际上它是一种“人生的态度和哲学“,也正因为如此,摇滚乐才有别于一般流行音乐(Pop Music)。真正的摇滚文化至少可以提炼出这样一个缩微的全貌:嬉皮文化、艺术摇滚、朋克乐、先锋音乐、重金属等。

重金属音乐

重金属音乐(HEAVY METAL),简单来说,就是用稍微超常的力度来演奏摇滚乐。吉他,作为这种音乐的主要元素,在演奏时比通常响一点,更具复仇感。贝司的位量也前移了,就像“谁人”(the Who)乐队的约翰·恩特威斯尔(John Entwistle)在演奏《我的年代:魔术汽车》(My Generation: Magic BMs)一样。以前,只有在爵士乐中贝司被当做主要乐器,但现在它已变得和演唱一样重要。与普通流行音乐相比,鼓打得更重更快,这对听众造成一种冲击。最后是歌手——他让听众体验到死亡、性、毒品或酒精和其他新生事物冲击的情绪和感觉,并使那些在流行音乐中出现过的主题显得更真实可信,可能更骇人。

朋克

PUNK, 是兴起於1970年代的一种反摇滚的音乐力量。 PUNK在中国大陆译作"朋克"; 在台湾译作"庞克", 香港则叫作"崩"。 在西方, PUNK在字典是解(俚语)小流氓、废物、妓女、娈童、低劣的等意思 (虽然现在它的意思有了一定的改变)。 从最早由Leg McNeil于1975年创立《PUNK》杂志,之后由Sex Pistols将此音乐形成潮流距今已有25年历史了。要了解PUNK对世界及对室内空间的影响, 必先了解PUNK的意义及发展。

电子音乐

电子音乐(Electronic music,也称TECHML),简称电音。

广义而言,只要是使用电子设备所创造的音乐,都可属之。任何以电子合成器、效果器、电脑音乐软件、鼓机(drum machine)等“乐器”所产生的电子声响,都可合理地称为电子音乐。广义电音的范围相当广泛,电影配乐、广告配乐,甚至某些流行歌、摇滚乐中都会出现,只是常人不易发觉。极狭义而言,电子音乐指涉科技(Techno)、出神(Trance)等种类的乐曲。然而事实上,只要是使用电子设备所创造的音乐,包括浩室(House)、鼓打贝斯(Drum and Bass)等音乐类型,甚至是只是使用电子放大器(amplifier)的爵士乐与民歌,也可以是电音。

灵魂音乐

灵魂乐是南方福音和中西部的节奏蓝调的融合,礼拜乐的复兴被带入节奏蓝调的 Boogie-Woogie 世界之中。从这种肥沃的基础开始,灵魂音乐诞生了。灵魂音乐的特点是坚实的节奏部分配以明确的世俗动感及宗教音乐。吉它常常让位于 Hammond B-3 风琴,同时采用一些管乐。然而几乎所有灵魂音乐都以热情、高扬的嗓音作为标志,偶尔也加一些即兴表现。

灵魂音乐指望它的听众去寻找爱、为爱而宽恕、或者干脆摇尾乞怜地求爱。热情的艺术家们例如 Sam Cooke, Aretha Franklin 和 Al Green 总试图淡化灵魂歌手和福音传道士的分界线。你几乎可以把灵魂音乐称作是没有宗教的宗教的音乐。底特律和费城等城市是主流灵魂的温床,因为它在 60 年代中后期被广泛接受,而阿拉巴马的 Muscle Shoals 和孟菲斯著名的 Stax/Volt studio 的发展使灵魂乐关联到 funk 的产生。

灵魂音乐对美国流行音乐的影响回荡于 70 年代的白人灵魂到今天的节奏蓝调的音乐家包括杂技歌手 Mariah Carey 和那个“以前叫做 Prince 的艺人”。

R&B

R&B的全名是 Rhythm & Blues,一般译作"节奏布鲁斯"。广义上, R&B可视为“黑人的流行音乐”,它源于黑人的Blues音乐,是现今西行流行乐和摇滚乐的基础,Billboard杂志曾介定 R&B为所有黑人音乐,除了 Jazz和Blues之外,都可列作 R&B,可见 R&B的范围是多么的广泛。近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源于 R&B,并且同时保存着不少 R&B成分。

HOUSE (舞曲)

HOUSE是于八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐,他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一起,House就产生啦~一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后,一些DJ将它改变,有心将DISCO变得较为不商业化, BASS和鼓变得更深沈,很多时变成了纯音乐作品,即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子,往往没有明确歌词。渐渐的,有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素,至八十年代后期, HOUSE冲出地下范围,成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。

为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的.Cher唱的Believe 就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1 *** 年开始流行后,可说是取代了Disco音乐。

House可分为:

Acid House(是融合了TB-303的Acid声的House乐)

Deep House(有着浓厚的灵魂唱腔,又叫作“Garage“。Real Mecoy, M-People, La Bouche等都是Garage音乐团体)

Hard House(简单来说就是节奏较重、较猛的House。)

Progressive House(这类House没有灵魂唱腔,比较注重旋律和乐曲编排。有点像"演奏类"的House乐。

例如SASH的专辑It's My Life便是很好的Progressive House专辑。)

Epic House(就是"史诗House”。它有着优美流畅的旋律和磅礴的气势,很少会有vocal在里面。BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic House天皇"。Rock也有"Epic Rock")

Trible House(带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓演奏的House就是Trible House,这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间会加入一些带有原始风貌的零碎的鼓点。)

House的范围非常广泛,不必把某一首曲子明确归类。到了九十年代, HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩,但仍是很受欢迎的音乐。

英伦摇滚

Britpop(英伦摇滚)虽有个“ Pop"字,但其实是 Rock的一种,源于九十年代英伦,中文可译为“英式摇滚”,这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应,主要是以乐队形式出现。不过, Britpop风格其实十分广泛,如 Oasis是结他摇滚乐队, Blur则Pop很多,而Pulp则接近Glam Rook及跳舞风格,不过他们都被列作 Britpop。

英国 Britpop代表人物:

Oasis、Blur、Suede、Pulp、Radiohead

神游舞曲

Trip-Hop(神游舞曲)是英伦/欧洲跳舞音乐的一种,它的名字来源是“ Trip+ Hip Hop"= Trip-Hop",因为它发源自英国的Bristol,因此最早时称作"Bristol Hip-Hop".。由于把把Hip-Hop(其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的...不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人, 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的.)节奏变慢(有时很慢很慢),加入一些迷幻的味道,如很阴沉,肥厚的Bass,轻微但迷幻的 合成音效,或是些唱片的取样,有时可能连唱片的杂音都会被"故意"取样进去.所谓“ Trip",指迷幻,氤氲的药物「旅程」,所以, Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类,但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。

外国 Trip-Hop代表人物:

Trip-Hop铁三角:Portishead, Tricky, Massive Attack.

Mandalay Moloko

Coldcut

匪帮说唱

Gangsta Rap(匪帮说唱)是 Rap的一种,以 Rap的内容多与都市罪案有关,充满暴力、色欲感受,这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap于八十年代末期在美国兴起,音乐Rap中的强悍尖锐派,在美国大受欢迎,唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案,部分更因而入狱甚至死亡,可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。

Gangsta Rap代表组合:

Ice-T、 Ice Cube

Dr. Dre

Snoop Doggy Dogg

2 Pac

Geto Boys

Synth Pop

Synth Pop中的 " Synth",即 Synthesizer,顾名思义, Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”,当然除 Synthesizers外还会用上其它电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop于八十年代初期开始流行,至八十年代中开始沉寂,当年在香港也曾掀起过一阵热潮。 Synth Pop的特点是科技感强,有时会颇冰冷,歌曲多是“三分钟流行曲” (3-minutes Pop),很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。

Synth Pop代表组合

Depeche Mode

Human League

Duran Duran

OMD

Gary Numan

哥特式音乐

哥特摇滚(Gothic Rock)在20世纪的后半期侵入非主流音乐的大花园,成为另类音乐中极为殊异的一个支脉。如果你熟悉新音乐历史脉络的话,就会知道大约从70年代末到80年代,一些乐队分别顶著“后酷朋克(Post Punk Cool)”、“新古典(Neo-Classical)”或者是“新嬉皮(Neo-Hippies)”的招牌,并逐渐混融成日后的哥特摇滚乐派。

如果说早期的后酷朋克(Post Punk Coo)l对生命的诠释是沮丧与绝望,那么“仁慈姐妹”以及同道的乐队:比如“教会(The Mission)”、“全部的夏娃(All about Eve)”、“涅浮林之域(Fields of the Nephilem)”、“祭仪(The Cult)”等乐团所秉持的可能是睥睨于现实中的种种凡俗,企图推翻假惺惺的教条,抽取反对与不满的精神,化为音乐的“反面传教(negative preach)”。在“教会”的专辑《上帝自己的药物》(God's Own Medicine)中,开宗明义的第一首歌“荒原”(Wasteland)就嘲讽地唱出“我还是相信上帝,但是上帝已经不信仰我了。”这等堪称冒渎的宣言,呈现出骇人的事实:原来长久以来,神与人的权力结构恰如性爱结构的主体与客体。在死亡的领域,致命的阴性激情并不受到掌管与压制,发展出自己的美学。

ORCHESTRA

ORCHESTRA就是管弦乐团,它分成四部分: 1弦乐,包括小提琴、大提琴等, 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏 (竖琴除外 ),四组演奏者由一人统筹兼领导,他就是乐团的指挥。 ORCHESTRA于17世纪出现,到 18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。 19世纪加入了些新乐器,乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典 /正统音乐的正宗。西方流行 /摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。

CHAMBER POP

CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐,它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐,中文叫"室内乐",是种小组弦乐演奏曲式,气氛高雅。 CHAMBER POP于九十年代兴起,是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应,强调优美的旋律、精致的配乐、干净的录音,每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY, RIALTO, ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等,香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。

FOLK(民歌)

民歌(FOLK)原本是指每个民族的传统歌曲,每个民族的先民都有他们自原始 /古代已有的歌曲,这些歌绝大部分都不知道谁是作者,而以口头传播,一传十十传百,一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌 (FOLK),大都是指流行曲年代的民歌 (FOLK),所指的是主要以木结他为伴奏乐器,以自然坦率方式歌唱,唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音,所以普遍被认定是现代民歌 (FOLK)的祖师。之后 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐,六十年代越战,反战民歌手如 BOB DYLAN,JOAN BAEZ,PETER,PAUL AND MARY等成为时代的呼声。后民歌向 POP,ROCK及都市化发展, BOB DYLAN发明了 FOLKROCK, SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP,风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA,TRACYCHAPMAN等 +走出一种更富现在都市感觉的 URBAN FOLK(城市) / CONTEMPORARY(当代) FOLK路线。民歌 (FOLK)在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌 (FOLK近年较新的发展是与 NEW AGE结合 (如 ENYA),及与 TRIP HOP结合(如 BETH ORTON)。

BOSSA NOVA

BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐, 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成,柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第 1,4,7,11,14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档, 50年代中期传入美国后大受欢迎,其它著名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等,最著名的歌曲为 "THE GIRLFROM IPANEMA"。 BOSSA NOVA于 60年代最流行,其馀年代亦不断有捧场者。

CLASSICAL POP

CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲,多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类,例如 THE BEATLES的 "ELEANORRIGBY"就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP,则是指经典的流行曲。

ACAPPELLA

ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲,但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA,不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法,连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL,即纯音乐乐曲,任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是 "SO MUCH IN LOVE",香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。

WORLD MUSIC

WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇,意思指非英、美及西方民歌 /流行曲的音乐,通常指发展中地区或落后地区的传统音乐,例如非洲及南亚洲地区的音乐,有些地区如拉丁美洲的音乐,则能普及到自成一种类型。今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE,东欧的DON BYRON,中国的朱哲琴,巴基斯坦的 NUSRAT FATEH ALI KHAN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。

DREAM-POP

DREAM-POP是种“梦”般的流行曲,它有一种迷离的气氛,多靠SYNTHESIZERS(电子合成器)造成,加了ECHO效果的电结他也是重要的成分,歌唱部分往往很 'BREATHY'即呼吸声重,歌词也往往有梦般的诗意色彩。代表乐队有 COCTEAU TWINS, LISA GERMANO, ST.ETIENNE, THIS MORTAL COIL, MAZZY STAR等。

NEW AGE(新世纪)

NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐,纯音乐作品占的比重较多,有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC(即以传统自发声乐器演奏)的,也可以是很电子化的,重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉,洗涤听者的心灵,令人心平气和。 NEW AGE很多时与音乐治疗有关,不少NEW AGE音乐说可以治病,也有不少与打坐冥想有关,这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。 NEW AGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐, WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司, NEW AGE代表乐手有 ENYA, GEORGE WINSTON, WILLIAM ACKERMAN, YANNI, KITARO等等。

Electrophonic Music

随着时代的演进,音乐家有了更多制作音乐的方法.所谓电子音乐,就是以电子合成器,音乐软体,电脑等所产生的电子声响来制作音乐.电子音乐范围广泛,生活周遭常常能听到,在电影配乐,广告配乐,甚至某些国语流行歌中都有用到,不过以电子舞曲为最.很多人认为电子乐是一种冷冰冰,没有感情的音乐.其实电子乐也可融入Rock, Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。

电子音乐的类型也是多种多样的,包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum'n'Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、Minimalism。

Techno

Technology, 即表示"高科技舞曲"啦!利用电脑,合成器合成,做出一些特殊音效,这种音乐常常是许多音效组合起来的. Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快,且听起来具重复性,较强硬,较机械化,所以某些人称Techno为"工业噪音",但某些还是会注重旋律的. Techno起源于美国底特律,有三名DJ: Derrick May,Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合,而产生了Detroit Techno. Detroit Techno通常较平缓, 不像一般的Techno那样强劲,可说是现代Techno的起源。

Ambient

听起来起伏不大,但其实一直在做改变,像是长时间的音效, 或是渐进式的音乐编排等等,常会营造出有层次的空间感,所以被称为"情境音乐", 且常对于生活周遭的声音做取样,如人声,汽车声,甚至是其它音乐的旋律...等等.为70年代的Brian Eno所创,是一种很"高深"的电子音乐.后来Ambient也有分支,如Ambient House, Ambient Techno...等等,相信大家从字面上就能了解,其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子,甚至某些古典乐中 也有Ambient的味道。

Trance

由Techno演变而来,听了会让你有"出神"的感觉,但还是保有舞曲的律动 ,很注重Bass的表现 ,某些听了会有"催眠"的效果.拍子也是以4/4拍为主。

Psychedelic Trance

又名Goa Trance,发源于印度的一个小岛上.Goa即为这小岛的名字. ,旋律常带有印度风味.这类Trance的特征,就是很重视旋律,音符之间的细微变化,且常有重叠的旋律,和高亢的TB-303声音出现.有点Ambient的味道。

Break beat

不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律,而是以破碎的节拍呈现,像是切分拍.如在两拍中加入小碎鼓,等等,Breakbeat只是一 个总称而已,有很多种音乐都属Breakbeat,如以下的Brit-Hop,Big-Beat,和黑人的Hip-Hop便是一种。

Brit-Hop(hip-hop)

把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重,配合些许电吉他,Bass,有摇滚乐的味道, 如The Chemical Brothers的曲风即是。

Big-Beat

把Brit-Hop变得更快,节奏更重,更有摇滚的味道,可说是将Brit-Hop改良后, 更成熟的一种曲风,你可以想象一下又重又碎,又有点快的节拍是什么样子.如The Prodigy,The Chemical Brothers, Fat Boy Slim即是Big Beat的"大角。

Drum'n'Bass

对某些人来说,Drum'n'Bass的音乐可能很烦,因为Drum'n'Bass很注重在节奏上玩花样,还有Bass的表现, 像是很快很快,复杂的碎拍,以及运用各种不同的电子鼓,或是取样而来的鼓声.因此Drum'n'Bass也是Breakbeat的一种.4Hero为Drum'n'Bass的知名乐团。

Jungle

Jungle就是Drum'n'Bass的前身.Jungle的速度比Drum'n'Bass快很多,而且节拍更为 复杂,比较强悍,有时会搭配一些Rap,不像Drum'n'Bass会融合一些Jazz,Soul等元素,听起来比较柔(当然这是和Jungle比起来~).连"摇滚变色龙" David Bowie现在都搞起Jungle了。

Electro

早在70年代末,80年代初,那时还没有House,Techno...这类玩意儿,电子音乐也较不盛行,只有Electro这类电子音乐而已. Electro可说是纯粹以电子合成器(Synthesizer,长得有点像Keyboard)来发声的音乐,通常蛮轻柔的,且常使用Roland公司的鼓机(Drum Machine)TR-808来发鼓声.德国的Kraftwerk乐团可算是代表. 现在的Electro音色比以前明亮,透明许多.后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐,被称作Old School.现在的Fatboy Slim(流线胖小子)也融合了一些Electro和Old School在音乐中。

Dub

Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae(瑞格,也有称之为雷鬼,一种很有节拍性 ,唱腔特别的南美黑人音乐).而将Dub运用在 电子乐上,则是将部份歌声抽离,将Bass和鼓声加重,并且加入大量的Echo(回音)等效果.这种技术常在现场表演时,将歌曲重新混音(Remix)呈现.像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。

Chill Out

这只是一种统称而已.在舞池旁边,常会有一个区域,或是小房间,里头会放一些较缓和,较平静的音乐,让舞客跳完舞后缓和情绪,休息一下,以放Ambient音乐为主,所以会叫 "Chill Out"(冷却)就是这个缘故.The Orb可说是Chill Out音乐大师。

Minimalism

这被翻译成"极小派乐风",在Ambient和Techno的音乐中 常听的到.带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律,还有一种特别的律动 ,感觉上像一种特别的频率一样 让你听了会有被催眠的感觉.Jeff Mills的作品就属于Minimal Detroit-Techno,带有相当的迷幻色彩。

Grunge

以运用the Stooges和Black Sabbath模糊,黑暗的声音作为基础,车库是重金属和朋克的混合物。尽管吉他是直接来自70年代早期的金属,车库的风格完全和金属不同。不管是歌词的手法或是车库在音乐上的的攻击都被朋克采用了,特别是被80年代早期有着自由思想的美国硬核。车库乐队的第一场浪潮---Green River, Mudhoney, Soundgarden---比第二场更为深刻,它开始于Nirvana。Nirvana在旋律上比他们的前辈更为优美,他们还以stop-start的特点着称,它失真,扭曲的吉他几乎成了这个风格的象征。在Nirvana穿越主流后,车库失去了许多它本质的自由和与朋克的联系,并且成为了在90年代重型摇滚中最流行的风格。

Album Rock

70年代,FM调频电台逐渐忽视那些对转播早期的调频电台的随心所欲的革新之后的电台传媒。就理论上,新的电台做着前人们也做过的事——以专辑播放而非单曲——但他们很快依赖与一组为他们演奏的音乐家,让所有专辑摇滚乐家聚在一起,一件很累的事就是他们通过媒介介绍他们在专辑中的贡献,加上以他们的音乐展示他们是专辑摇滚的奠基者。这意味着专辑摇滚有重金属/南部布鲁斯摇滚。前卫摇滚由那些摇滚乐队中的演唱者与词曲作家组成。它有很多不同种类,但是他们都有艺术之美与放纵的特征,加上它不断的在调频电台中的播放,使这些专辑摇滚也几乎垄断了70年代的调频电台的电波。它们一直持续到80年代,但当专辑摇滚电台逐渐发展成古典摇滚的风格,专辑摇滚就越来越少的出现在电波中。到了90年代,专辑摇滚乐队依然在推出新专辑,但它们过去那些老歌依然还能在电波中听到——并且经常在音乐会上演奏。

Hard Rock

硬核是一个常常被用于形容任何一种喧吵的,有侵略性的吉他摇滚的词语,要不是这些用途,这个定义是更精确的。确切点来说,硬核的确是高声喧吵的,带有侵略性的吉他摇滚,但是它并不是很重金属一样重,它受朋克的影响很少(尽管他帮助朋克产生了灵感)。硬核表演通常是很大规模的,露天大型演唱会上即兴重复的吉他演奏,赞美诗的合唱,重踏夸张的基调强节奏;它的目的通常是瞄准商业价值的,它几乎永远都是渗透着男子气概的。看某些些乐队,可能很难分辨出硬核和重金属的区别,但是从Black Sabbath出现后两者基本的差别就很明显的存在了,金属倾向更黑暗和更富威胁成分,而硬核(大部分情况)还是保留着华丽的,庞大的派对音乐。加之,金属的重复段常常以独奏的形式出现,而硬核重复段则是在他们吸引人的特点上突出和音的级数,制造出放纵的气氛,更为宽松的特点有益于他们大踏步的前进。像重金属一样,硬核在如Cream, Jimi Hendrix和the Jeff Beck Group这些先驱的带领下于60年代中期蓝调摇滚迷幻的十字路口处和爆发。蓝调摇滚和迷幻都在探究电子扩大的限度,蓝调摇滚推动了吉他重复段的中心舞台,它使用一些蓝调节拍以外的旋转并且用极大的力量代替了它。硬核确实在70年代早期找到了自己的特点,通过the Rolling Stones, Faces粗暴,疯狂的摇滚,Led Zeppelin blues-drenched的力量和粗糙的音乐安排,Deep Purple前迷幻的不断咆哮,和the Who高声,巨大喧吵的和音,为很多模仿者提供了模式。而后的十年中,AC/DC和Aerosmith倾斜,stripped-down的重复段,Alice Cooper和Kiss易记的旋律和戏剧化的效果,和Van Halen快速演奏的特点树立了新的趋势,虽然对于硬核来说基本的音乐形式仍是一样的。舞台摇滚同样成为了一种支配力量,几乎脱离了所有蓝调的影响,夸张地集中了独奏作为它的标志。在80年代,硬核以平滑的流行金属取得了统治地位,尽管Gun N Roses, the Black Crowes和一些其它的乐队仍表演坚韧和更传统的另类。旧式硬核在前独立摇滚年代逐渐成为被人遗忘的东西;在车库后,很多吉他乐队不仅采用自觉的严肃态度,还拒绝写first-pumping, arena-ready choruses这样的怂恿。这样,九十年代确实产生了少量的反对呼声,像Oasis, Urge Overkill和Pearl Jam。

Psychedelic

60年代中期,由于英式音乐的影响以及民谣摇滚的壮大,迷幻音乐应运而生。这种风格的音乐并没有承袭旧式摇滚那种简练精干的旋律表达,而是创造了一种更为流畅自由的方式。此风格下的乐队尝试着将印第安音乐,东方音乐以及自由风格的爵士乐等各种元素杂糅起来,并且加入了另类的电子乐和合成效果。在1965-1966年间,最初的迷幻风格乐队如the yardbird和byrds并没有清晰地体现迷幻乐的轮廓,他们的音乐中有模糊的吉他演奏,锡塔尔琴,和圣乐的效果。不久,许多乐队模仿了他们的曲调,包括the beatles和the rolllingstones----这两支乐队在1966年发行了他们的专辑。又过了不久,迷幻音乐在大洋两岸传播开来并影响了许多乐队,每个地区各有其独特的气质。在英国,迷幻音乐充满了另类的超现实感。然而,一些乐队----特别是pink floyd和traffic----在演出的时候广泛地使用乐器,在这一点上,同时代的美国乐队----如the grateful dead, the doors, love, 和jefferson mirplane----亦是如此。在美国,一些车库风格的乐队也开始在其原有的特点上创作迷幻音乐,形成了三和弦摇滚乐的雏形----一种杂乱反复的音乐效果。最终,迷幻音乐演变为酸性摇滚乐,重金属乐和艺术摇滚乐,但是在后来的十年里,尤其在美国的地下乐坛,迷幻音乐仍余音不绝。

Alternative Metal

在其初始期,另类金属以相对于那些可直接分类音乐的不同寻常的敏感形成了自己的风格。重金属是这种音乐的核心,但是这些乐队太不规则了,应且他们的影响力对于适合地下的鞭挞金属来说太折衷了,所以他们主要的乐迷都是些喜欢重型吉他摇滚的人。然而,在车库音乐帮助另类金属更丰富从而获得了大量听众,特别是当更多的有闯劲的乐队逐渐考究他们的音色后,另类金属开始成为90年代重金属中最流行的风格。当它表现出几乎最少重金属分类类型的时候,它的形式和80年代早期的另类金属就很不大相同了。同时,大部分幸存下来的硬核朋克乐队都已转入到了金属领域的潮流,推动了地下重吉他摇滚乐队在别处找寻灵感。最早的带有重金属风格的另类金属分为前卫摇滚(Janes Addiction, Primus),车库朋克(Soundgarden, Corrosion of Conformity),噪音摇滚(the Jesus Lizard, Helmet),疯克(Faith No More, Living Colour),说唱(Faith No More, Biohazard),工业(Ministry, Nine Inch Nails),迷幻音乐(Soundgarden, Monster Magnet),甚至是世界音乐(later Sepultura)。这一切的演变并没有在一个特定的场景下发生,只是不断增长的想去尝试已经形成的那种越来越依靠乐器的纯演奏形式。一些这样的乐队终于在大众中获得了很大的影响力,特别是通过巡回演出,并且他们还为在1993-94年逐渐显露的另类摇滚奠定了基础,形成了以Rage Against the Machine 和Korn为代表的说唱金属,以Tool为代表的不协调音乐,以White Zombie为代表的重。和以Nine Inch Nails为代表的流行突破。这些乐队将成为在剩余的90年代期间连同Pantera那种有别于任何鞭挞金属乐队的粗厚,溶解的即兴重复风格在声音的制作和另类金属类型的风格上最具影响的力量。像很多另类金属乐队,Pantera是严肃的,阴冷的和内在的,但是他们示范了关于此如何具有男子的气概。在90年的中后期,大部分新的另类金属乐队开始玩起了把单一鞭挞,说唱,工业,硬核朋克和车库混在一起的风格。这种新的声音更多的包括了比hooks或memorable riffs更多的碾核特征和剧烈进攻,因此更多地依靠工作室录制完成它所展现的力量;然而,它俘获青少年那种隐藏的主流金属所代表的男子气概,从而成为一种商业崇拜。Korn, Marilyn Manson, 和Limp Bizkit这些有时配以aggro-matal, nu-metal, 或者(incorrectly) hardcore内容的乐队是这场新运动中最大的明星,并且在这十年的末期,无数新的乐队开始表演那种类似80年代后期微金属分支的带有成年性质暴力行为(ironic, given alternative metals vehement rejection of hair metals attitude)的风格。

Thrash

鞭鞑金属本质上就是80年代的地下重金属乐,它主要使用一种用于节奏吉他的推进性的敲击方法(多亏了手掌闷音这一技巧的产生及运用),具有很强的攻击性。鞭鞑金属通常具有吉他技术娴熟、节奏快而狠的特点,有时还会用无调的吉他连复段代替旋律。但是以上这些概括远不是绝对的标准。早期的时候,鞭鞑金属从本质上看和速度金属是一样的,80年代早期美国乐队的作品就将英国重金属新浪潮简洁凶狠的敲击,以及硬核朋克与摩托党的节奏混合在了一起。但是,演奏速度金属所要求的灵敏性和持续的强度渐渐成为其局限,于是各种各样不同的技巧迅速地成形了:有一些鞭鞑金属乐队集中精力于中速的反复乐句,偶尔加快速度进入到速度金属的范围;还有一些,比如 Metallica 和 Megadeth, 用他们高超的吉他技巧创作出了更复杂更前卫的音乐;剩下的一些则注重音乐的侵略性,用以塑造一种戏剧性的恐吓的意境。对于80年代末期控制了排行榜的易被人接受的流行金属乐队来说,鞭鞑金属提供了一种更硬、更重、更可以确切地称之为金属的音乐选择;所以尽管缺乏在电台上的反复播送,鞭鞑金属依然变得非常受欢迎,以至于90年代早期 Metallica 和 Megadeth 只是将他们的音乐稍做改进使之更容易被接受,他们就迅速地称为了超级明星。而地下金属头目中的顽固分子则在这次鞭鞑金属引发的死亡与黑金风格中找到了避难所,他们把鞭鞑金属中黑暗的主题和内在的爆发力借鉴过来,并有意地将之发展成为了烦扰的极端事物。

Heavy Metal

在众多摇滚的类型中,重金属是在音量,男子气概和戏剧化风格上最为极端的。在重金属声音的体裁上有很多的变种,但是他们都通过在喧吵的效果,失真吉他的演奏(通常演奏重复段)和简单,重击旋律上尽量取得共识。重金属自从它存在那天开始就不断引起争论---批评家从传统上抨击了那种故意吸引大部分青少年的舞台剧效果,还有一些保守的组合经常抗议他们所感到的包含有害,邪恶意味的歌词。尽管有重重困难,重金属从它的诞生就还是成为了稳定流行的摇滚音乐形式,有足够的能力去适合这个时期,仍能保持它完美的未被侵蚀的核心吸引力。尽管如美国在声道选择上的叛逆的形式,重金属在很大程度上还是英国的创造物。最初重金属的种子是在60年代英国蓝调运动中被播下的,特别是在那些发觉已很难适应美国蓝调natural swing的乐队中。这种韵律更加没有规则,增强了电子乐器的使用成为更加重要的特点,特别是通过像the Kinks, the Who, Jimi Hendrix, Cream和the Jeff Beck Group这些创新的乐手。然而,正如可提出证据加以证明的那样,最初真正的金属乐队是Led Zeppelin。最开始,Zep演奏蓝调曲调比任何人都更为沉重和喧吵,并且通过获取许多音乐源极很快创造一种以大规模,有质感为代表的重型摇滚。更少精细但是可能更大影响力的是Black Sabbath,他的黑暗,沉闷的吉他重复段创造了一种幻想中的世界末日,充满了毒品,死亡和超自然的迷惑。接下来被Zep和Sabbath所丢弃的这种风格,很多美国的乐队在70年代把重金属更改为更易接近的的形式;Alice Ccooper和Kiss易记的曲调和残暴的舞台表演;Aerosmith的sleazy boogie;Van Halen的浮华吉他引子和狂热的派对摇滚。在70年代末期,一些隐藏的英国乐队号成为英国重金属新浪潮(包括Judas Priest, Iron Maiden, Motorhead)开始演奏金属更为快速,倾斜和使用更多恐吓。他们的出现为80年代新的美国金属---鞭挞金属提供了影响力,这个新事物定性于对金属新主流流行的突破,它的出现是以Def Leppards Pyromania为代表的。金属在80年代的辉煌期里是最为享受的,由于大量的glammed-up流行金属乐队,除了鞭挞金属乐队激烈演奏复杂的重复段外,有时会融入些柔美的声乐作品。像Metallica和Megadeth这样的鞭挞乐队形成了狂热的歌迷从而在车库脱去了他们流行金属外衣的同一时间推动他们进入了主流。90年代的主流金属以一种新的叫做另类金属的混合物为中心,它(在它有效的商业形式上)通过hip-hop和工业的繁荣期结合了grinding trash和grunge的影响力。其间,地下以更粗糙,阴冷的风格成长,产生了两种类似的,起源于鞭挞的风格,被叫做死亡金属和黑暗金属,他们创作了一些最为重要的研磨,剧烈,超速的音乐和金属世界从未展示的graphic shock tactics。

American Punk

美国朋克根源于60年代的车库摇滚,在音质柔和和现代爱情中有极简洁派艺术风格特征,它的几支乐队——傀儡,the MC5,纽约娃娃——在美国朋克的基础上发展成真正意义上的朋克摇滚的种类。但对美国朋克真正开始于大约1975-76年的Ramones。在纽约,美国朋克得以繁荣和涌现,类似的音乐在美国刘易斯蓬勃发展,并且向硬核朋克方向积极发展,在Cleverland,它得到了带有实践性的几乎不可思议的发展。一部分原因是由于缺乏媒体的注意;在波士顿,它比真正的朋克更接近于车库音乐。纽约仍旧是美国朋克的中心阵地,然而,它却以大批著名的有影响力的艺术家为特色:如Television,Richard Hell,Patti Smith,Blondic,Talking Heads,转移到Cleverland的Dead Boys等,在80年代,美国朋克开始枯萎并发展成一种新的形式:硬核摇滚,新啦浪潮和另类摇滚。美国朋克没有象英国朋克那样满足后继的流行音乐革命的需要,但是它继续滋养着美国地下摇滚近10年的时间,并且在90年代加利福尼亚州中心依赖Ramones,又将使其成为盛行的音乐。

Arena Rock

舞台摇滚发起于70年代中期,当重型摇滚和重金属乐队开始赢取了声望。这种音乐因其引以为傲漂亮的旋律和赞美诗般的合唱形式逐渐成为商业导向和广播电台的宠儿,当然还有他们把重型摇滚和普遍的认知的民谣结合起来。大部分这些乐队是通过他们大量的把唱片发送给FM电台和持续的巡回演唱会争得了他们大量的乐迷。如Journey,REO Speedwagon,Boston,Foreigner和Styx就是通过此来成为70年代中后期最流行的乐队。

British Invasion

英国入侵出现在60年代中期,在美国披头士取得成功性突破时,一波英国摇滚乐队横渡到美国市场。尽管不是所有的乐队演奏都有所雷同,但在从Rolling和Stones Kink的硬摇滚到深受美国摇滚、布鲁斯和R&B影响的Gerry和the Pacemakers、Hermans Herimts的范围内变化。英国入侵乐队的风格是用吉他演奏迷人的韵律,配以布鲁斯、摇滚和流行乐。在1964年到1966年间,英国乐队垄断了美国和英国联合王国的乐队。在那时候,又涌现出第二波英国入侵的乐队--比如the Who和“蟒神”乐队--它们又吸收了美国摇滚和英国入侵流行的优点。在60年代后期,许多乐队成为摇滚中的偶像,但更多的却逐渐消失。

British Metal

单单来看英国金属,是和朋克摇滚一样具有巨大的反动力在70年代中期缓慢发展的重金属乐队领域。通过Black Sabbath所表演的grimy riffs形式,英国金属这个风格比他们的前辈更为快速,强硬和喧闹。常常穿着皮衣来玩快速,重击重复段,他们远离了在70时代早期的重型摇滚领域占据优势的AOR-oriented metal风格。Judas Priest, Iron Maiden 和Motorhead都是这张变革的领导者,他们在欧洲和美国赢取了忠诚的跟随者,即使他们没有参与主流 他们仍然为所有的金属乐队从鞭挞到死亡摇滚,制造了一定的音乐氛围。

British Psychedelia

虽然属于英国迷幻乐的分类风格之间在艺术和技法方面十分相似,但她和美国迷幻还是有很多的不同。总的来说,英国迷幻比美国迷幻在演奏上更倾向于流行歌曲的结构,也更有艺术的实践性。这不是一条硬性和短时间就定下来的规则。然而,他们的简明正体现了流行的单一性,Pink Floyed依然有它在舞台上的戏剧性,通过演出让歌曲步入一个未知的领域。然而,有些时候,特别是英国迷幻在录音棚时,这些总的原则总是过多或过少的被采用。

British Punk

尽管英国不是朋克摇滚的诞生地,它依旧是朋克音乐盛行和产生文化碰撞的地方,紧紧把持住其与美国在表达愤怒和叛逆上的不同思想。英国朋克通过酒吧摇滚乐章中的传统摇滚和任何舞台效果的摇滚形式来得到灵感的,但是最主要的催化剂是早期的纽约朋克如the Ramones 和the New York Dolls。在一个有等级意识的国家诞生并与经济低迷期的抗争,朋克似乎对正是这样一种结构的英国社会造成了威胁,说出了情绪激动的下层阶级和愤青们的心声。它就是通过高声的喧吵,快速的节奏以及最真实地面对现实来做到这一点的。第一个并且是最具影响力的英国朋克乐队就是Sex Pistols,他们在1976年出现,并且通过直接煽动造成了很快速的影响以至于所有的英国朋克乐队都紧随其后。他们的率真,自然,大胆破除吉他重复段的特点为英国朋克描绘了很好的蓝图,他们带来的感官刺激,讽刺颠覆般的花言巧语是他们在公众压力下成为了魔鬼,甚至在大街上都遭到了人身攻击。另一个关键的英国朋克乐队便是the Clash,他们不仅仅是史上最具空想主义的乐队,而且还是音乐上最折衷的乐队,把早期的摇滚和瑞歌舞结合了起来。但在早期的时候,这种风格很多变的:the Buzzcocks谱出了带有诙谐浪漫标志的紧凑的流行朋克的曲调;the Jam用适当的改变英国青年们的庆典音乐缓和了他们的社会批评;the Damned一群暴动分子,他们击败了the Sex Pistols法系各地一张英国朋克单曲(“New Rose);X-Ray Spex的显着特征则是它们的成员都是女性。不管他们音乐的收发货这个词的主题,能让其它英国摇滚乐队分享的是鲜脆的能量,对那个时期停滞的主流音乐的厌恶之情以及让每个人能完全释放的动力---抛去他们的演奏技巧而言---能够随意用乐器演奏,在舞台上任意发挥,宣泄他们想说的一切和猛击出一些刺耳的噪音。The Sex Pistols 和the Clash都是主要的标志,唯一可发泄的出口;无论怎样他们自创的审美学在英国引起了独立自由音乐的繁荣。第一阶段英国朋克伴随着the Sex Pistols在1978一月份的解散而中止了,但是这种风格仍旧繁盛---它的音乐是朋克的标志---直到1982年左右。在那段时期,残留的原始朋克已经扩大了他们的音乐风格,并且英国朋克本身已经变异和分裂成一些其它的流派,如流行传统的新潮,艺术挑逗的前朋克,冰冷阴暗的哥特摇滚,无政府的硬核朋克和早期的另类摇滚。

Britpop

The Beatles 确立了很长时期的英国传统和谐的音乐,吉他流行乐队,是一种通过音乐运动时常更新的传统形式。然而英伦摇滚采用了很多90年代那些比之前任何时期对传统音乐的使用都要多的乐队。尽管这个音乐形式起源于英国音乐独立时期,但是英伦摇滚有很大的商业价值---着类型的乐队可以有经济上很大的报酬,他们是闪亮的,容易让人上瘾的,就像主流流行的歌手们一样,并且他们为新一代英国年轻人的生活创造了新的精神环境。它被英国的年轻一代瞄准:因为英伦摇滚甚少关心其路线是否会使自身较难被美国听众接受,从而使英国年轻的一代充分感觉其唱出了他们的生活,他们的文化和他们的音乐追求。英伦摇滚年轻的活力和渴望公认的特点不仅对90年代早期低调shoegazer风格乐队的老一辈乐手有冲击作用,还对美国阴沉的车库以及在新崛起的地下电子舞曲背后搞创作的乐手有一定的影响力。从音乐上来看,英伦摇滚沿袭了the Beatles,当然也融合了60年代晚期Kinks的田园之声,中速音乐(the Who, the Small Faces),70年代的迷幻(David Bowie, T.Rax, Roxy Music),朋克和新浪潮(the Jam, the Buzzcocks, Wire, Madness, XTC, Squeeze, Elvis Costello),还有the Smiths的另类吉他流行。所有的这些乐手都是英国音乐的精髓---他们用明显的英国思维极大的发挥想象,作词和有谱曲,这也是他们几乎没发和美国的Cult相比以及造成英伦摇滚形式单一的一大因素。在影响中分裂后,英伦摇滚已经在曼切斯特拥有了他们最迅速的根基,那是个强调好时机和偏重于shoegazer美学易记曲调的地方。The Stone Roses的颓靡流行风格和摇滚明星的姿态是英伦摇滚创立的主要部分,但是真正意义上的英伦摇滚之父应当属于Suede。在1993年他们以同名专辑第一次发行唱片时,他们那融合了glam-rock权威的式样和Smiths改进后的风格使他们收到了意想不到的出色效果。Suede为之后1994年Blur(Parklife)和Oasis(Definitely Maybe)更强烈的突破开启了大门,使他们从而很快地成为了英伦摇滚的两大最流行的巨星。通过前两者成功,炫目地在乐坛上爆炸而得到灵感,用相似的风格出现的乐队:Elastica, Pulp, Supergrass, the Boo Radleys也同样并列于巨星行列。到了1996,只有Oasis真正的成为了美国乐坛主流音乐的明星。1997年英伦摇滚盛行光环的逐渐消失,也就是Oasis在回顾第三张专辑是表现的贫乏和Blurs转向美国独立摇滚的时期。然而就是在这场运动中慢慢暗淡的巨星们,也仍有个别的继续保持强大的势利,较少的初期传统摇滚保持古典风格继续生存。

Country

乡村音乐是属于传统的,尽管它简单的形式使自身无止境的萌发出许多类似的主旋律。像蓝调---两种流派常常分享主旋律, 音调和歌曲---乡村音乐的核心就是简单的音乐。大部分的乡村歌曲都是围绕三和弦,和平调而创作的,但是这些形式是很基本的,他们允许很多不同的风格,从honky tonk坚硬的声音到Western Swing即席创作的爵士乐。乡村音乐由美国南方民谣(Appalachian和蓝调)而来,早时期的乡村音乐是简单和民族的,仅用吉他和小提琴。当流派在不断的派生时,早时期的由吉他和小提琴组成的乡村音乐通过honky tonk和Western Swings到早期流行的Countrypolitan 和使摇滚改变风格的Bakersfield Sound从而被驱策为传统的乡村音乐,成为现代乡村音乐的基础。

Country-Rock

本质上来说,乡村摇滚是摇滚的乐队在演奏乡村音乐。它是通过相反的文化观念而形成的乡村音乐,同样,它依靠扩大的高声喧闹,卓越的基调强节奏和流行的音调。第一个乡村摇滚乐队---the Flying Burrito Brothers, Gram Parsns, the Byrds和Neil Young---演奏直接的乡村音乐,从Merle Haggard和Buck Owens的Bakersfield乐曲中获取灵感,就如honky tonkers像Hank Williams一样。在这些流派进入了70年代后,较粗糙的边缘被平缓的划除,比如the Eagles, Poco, Pure Prairie League 和Linda Ronstadt创作出更平缓更舒畅的音乐一样。这就使乡村摇滚在70年代成为杰出的类型。在80年代末,一个另类摇滚的小乐队开始复苏了早期Parsons 和Young刚毅曲风。

  • 西洋乐器(摘自百科)

西洋乐器主要是指18世纪以来,欧洲国家已经定型的管弦乐器和弹弦乐器、键盘乐器。常用的西洋乐器有:木管乐器、铜管乐器、弦乐器、键盘乐器、打击乐器等。木管乐器起源很早,是乐器家族中音色最为丰富的一族, 常被用来表现大自然和乡村生活的情景;铜管乐器的音色特点是雄壮、 辉煌、热烈;弦乐器的共同特征是柔美、动听;键盘乐器的特点是其宽广的音域和可以同时发出多个乐音的能力;打击乐器主要用于渲染乐曲气氛。

1、琴类:钢琴 风琴 管风琴 古钢琴 羽管键琴 电钢琴 手风琴 电子合成器

2、拨弦类: 吉它 电吉它 竖琴 低音吉他

3、木管类: 单簧管 双簧管 英国管 大管 萨克斯管 长笛 短笛 口琴 巴松管 竖笛

4、铜管类 :小号 短号 长号 大号 次中音号 小低音号 圆号 冲锋号

5、弓弦类 :小提琴 中提琴 大提琴 低音提琴

6、打击乐器 :定音鼓木琴 钟琴 马林巴 锣 钹 小军鼓 大鼓

木管乐器

长笛、(短笛)、双簧管、(英国管) 、单簧管、大管、萨克管、竖笛。

木管乐器起源很早,从民间的牧笛、芦 笛等演变而来。木管乐器是乐器家族中音色最为丰富的一族, 常被用来表现大自然和乡村生活的情景。在交响乐队中,不论是作为伴奏还是用于独奏,都有其特殊的 韵味,是交响乐队的重要组成部分。木管乐器大多通过空气振动来产生乐音,根据发声方式, 大致可分为唇鸣类(如长笛等)和簧鸣类(如单簧管等)。木管乐器的材料并不限于木质,同样有 选用金属、象牙或是动物骨头等材质的。它们的音色各异、特色鲜明。从优美亮丽到深沉阴郁,应有尽有。 正因如此,在乐队中,木管乐器常善于塑造各种惟妙惟肖的音乐形象,大大丰富了管弦乐的效果。

(1)唇鸣类:长笛(Flute)、短笛(Piccolo)、竖笛;

(2)簧鸣类:单簧管(Clarinet)、双簧管(Oboe)、英国管(English Horn)、大管(Bassoon)、萨克斯管(Saxophone)。

铜管乐器

圆号、小号、(短号)、长号、(次中音号)、(小低音号)、大号。

铜管乐器的前身大多是军号和狩猎时用的号角。在早期的交响乐中使用铜管的数量不大。 在很长一段时期里,交响乐队中只用两只圆号,有时增加一只小号到十九世纪上半叶,铜管乐器 才在交响乐队中被广泛使用。铜管乐器的发音方式与木管乐器不同,它们不是通过缩短管内的空气柱 来改变音高,而是依靠演奏者唇部的气压变化与乐器本身接通“附加管”的方法来改变音高。 所有铜管乐器都装有形状相似的圆柱形号嘴,管身都呈长圆锥形状。铜管乐器的音色特点是雄壮、 辉煌、热烈,虽然音质各具特色,但宏大、宽广的音量为铜管乐器组的共同特点,这是其它类别的乐器 所望尘莫及的。

弦乐器

小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴。

弦乐器是乐器家族内的一个重要分支,在古典音乐乃至现代轻音乐中,几乎所有的抒情旋律都由弦乐声部来演奏。可见,柔美、动听是所有弦乐器的共同特征。弦乐器的音色统一, 有多层次的表现力:合奏时澎湃激昂,独奏时温柔婉约;又因为丰富多变的弓法(颤、碎、拨、跳,等) 而具有灵动的色彩。弦乐器的发音方式是依靠机械力量使张紧的弦线振动发音,故发音音量受到 一定限制。弦乐器通常用不同的弦演奏不同的音,有时则须运用手指按弦来改变弦长,从而达到改变 音高的目的。弦乐器从其发音方式上来说,主要分为弓拉弦鸣乐器(如提琴类)和弹拨弦鸣乐器 (如吉它)。

(1)弓拉弦鸣乐器:小提琴(Violin)、中提琴(Viola)、大提琴(Cello)、倍低音提琴(Double Bass);

(2)弹拨弦鸣乐器:竖琴(Harp)、吉他(Guitar)、电吉它(Electric Guitar)、贝司(Bass)。

键盘乐器

钢琴、管风琴、手风琴、电子琴、电钢琴。

在键盘乐器家族中,所有的乐器均有一个共同的特点,那就是键盘。但是它们的发声方式却有着 微妙的不同,如钢琴是属于击弦打击乐器类,而管风琴则属于簧鸣乐器类,而电子合成器, 则利用了现代的电声科技等等。键盘乐器相对于其他乐器家族而言,有其不可比拟的优势,那就是 其宽广的音域和可以同时发出多个乐音的能力。正因如此,键盘乐器即使是作为独奏乐器, 也具有丰富的和声效果和管弦乐的色彩。所以,从古至今,键盘乐器倍受作曲家们和音乐爱好者们的 关注和喜爱。其中,钢琴被誉为乐器之王。

键盘乐器:钢琴(Piano)、管风琴(Organ)、手风琴(Piano Accordion)、电子琴(Electronic Keyboard)、电钢琴。

打击乐器

定音鼓、大鼓、小军鼓、钹、架子鼓、三角铁、沙槌、钟琴、木琴、排钟等。

打击乐器是乐器家族中历史最为悠久的一族了。其家族成员众多,特色各异,虽然它们的音色 单纯,有些声音甚至不是 乐音,但对于渲染乐曲气氛有着举足轻重的作用。通常打击乐器通过对 乐器的敲击、摩擦、摇晃来发出声音。可不要认为打击乐器仅能起加强乐曲力度、提示音乐节奏的作用, 事实上,有相当多的打击乐器能作为旋律乐器使用呢!现代管弦乐队里增加了很多非洲、亚洲音乐里的 音色奇异的打击乐器,几乎无法完全罗列。

(1)有调打击乐器:定音鼓(Timpani)、木琴(Xylophone);

(2)无调打击乐器:小鼓(Snare Drum)、大鼓(Bass Drum)、三角铁(Triangle)、铃鼓(Tambourine)、响板(Castanets)、砂槌(Maracas)、钹(Cymbals)、锣(Gong)。

  • 中国乐器(摘自百科)

中国传统乐器简介:吹管乐器 我国吹管乐器起源甚古,相传在四千年前夏禹时期,就有一种用芦苇编排而成的吹管乐器叫做『钥』。 民国二十年,山西万泉县荆村发掘出三个新石器时代的『埙』。《诗经》中有箫、管、钥、埙、笙等乐器的记载。后来兴起的军乐,又叫鼓乐、横吹、骑吹等,是以排萧、笳、角、笛等为主要乐器,常在军队行进时吹奏,也有用作仪仗队或在宴会上演奏和其他娱乐之用。唢呐的出现较晚,约在明代始有所记载。至今,在民间婚丧喜庆及民俗节日中,吹管乐器俱是主要乐器。

吹管乐器

典型乐器:笛子、箫、排箫、埙、笙、芦笙、巴乌、管子、唢呐。我国吹管乐器的发音体大多为竹制或木制。根据其振动方法不同,可分为三类:第一类,以气流吹入吹口激起管柱振动的有箫、笛(曲笛和梆笛)等。第二类,气流通过哨片吹入使管柱振动的有唢呐、管子、双管等。第三类,气流通过簧片引起管柱振动的有笙、排箫、巴乌等。

弹拨乐器

典型乐器:柳琴、琵琶、阮、月琴、古琴、筝、箜篌、三弦、东不拉、热瓦甫。我国的弹拨乐器分横式与竖式两类。横式,如:筝(古筝和转调筝)、古琴、和独弦琴等;竖式,如:箜篌、琵琶、阮、月琴、三弦、柳琴、冬不拉等。弹奏乐器音色明亮、清脆。右手有戴假指甲与拨子两种弹奏方法。

打击乐器

典型乐器:扬琴、堂鼓(大鼓)、碰铃、定音缸鼓、铜鼓、大小锣、小鼓、排鼓、大钹。我国民族打击乐器品种多,技巧丰富,具有鲜明的民族风格。根据其发音不同可分为:1、响铜,如:大/小锣、云锣、大/小钹、碰铃等;2、响木,如:板、梆子、木鱼等;3、皮革,如:大小鼓、板鼓、排鼓等。我国打击乐器不仅是节奏性乐器,而且每组打击乐群都能独立演奏,对衬托音乐内容、戏剧情节和加重音乐的表现力具有重要的作用。民族打击乐可分为有固定音高和无固定音高的两种。无固定音高的如:大/小鼓、大/小锣、大/小钹、板、梆、铃等。有固定音高的如:定音缸鼓、排鼓、云锣等。

拉弦乐器

典型乐器:二胡、板胡、革胡、马头琴、京胡、中胡、高胡。拉弦乐器主要指胡琴类乐器。拉弦乐器被广泛使用于独奏、重奏、合奏与伴奏。

  • 最具魅力的乐器(主观)

钢琴、小提琴、大提琴、古典吉他、西班牙吉他、竖琴、双簧管、单簧管、圆号、小号、长笛、萨克斯风、古筝、琵琶、扬琴、二胡、大鼓、马头琴、陶笛、竹笛。

  • 最喜欢的中国流行音乐歌手、音乐人(主观)

歌手——邓丽君、王菲

陈慧娴、那英、A-Lin、陈奕迅、邓紫棋、陈洁仪、孙燕姿、苏芮、蔡琴、张惠妹、韩红、梁静茹、梅艳芳、丽江小倩······

音乐人——罗大佑、李宗盛、周杰伦、汪峰······

  • 中国古典音乐代表人物(主观)

谭盾、何占豪、陈钢、郭文景、周龙、朗朗···


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